tag:blogger.com,1999:blog-81714056106918902182024-03-05T03:17:52.963-08:00A IMAGEM COMUNICAAntónio Damásiohttp://www.blogger.com/profile/08778327206941284777noreply@blogger.comBlogger52125tag:blogger.com,1999:blog-8171405610691890218.post-65947301795508907432012-10-28T08:27:00.001-07:002012-10-28T08:27:38.218-07:00A IMAGEM COMUNICA: Fotógrafos portugueses - CARLOS RELVAS<a href="http://aimagemcomunica.blogspot.com/2012/10/fotografos-portugueses-carlos-relvas.html?spref=bl">A IMAGEM COMUNICA: Fotógrafos portugueses - CARLOS RELVAS</a>: Carlos Relvas, auto-retrato, 1870 Vídeo - A vida de carlos Relvas * Figura notável da 2.ª metade do Século XIX, foi ...António Damásiohttp://www.blogger.com/profile/08778327206941284777noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8171405610691890218.post-34493762784611988752012-10-25T17:48:00.000-07:002012-10-28T08:46:47.948-07:00Fotógrafos portugueses - CARLOS RELVAS<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
<br />
<br />
<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: justify;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiOfxQyjonvbtl0s9uULihwbCEgTmuDhEnab4J_gYprn5VvMQQeXGB1PXh_O5bT7sPRaMV3WXVjlMJkbfhvSEwg9EcBTK-1vs9TsVNM0RVT6addqqziPkmgrSGgdNWgPl1SEjr6RhhZgmk/s1600/C.Relvas-.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiOfxQyjonvbtl0s9uULihwbCEgTmuDhEnab4J_gYprn5VvMQQeXGB1PXh_O5bT7sPRaMV3WXVjlMJkbfhvSEwg9EcBTK-1vs9TsVNM0RVT6addqqziPkmgrSGgdNWgPl1SEjr6RhhZgmk/s320/C.Relvas-.jpg" width="239" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Carlos Relvas, auto-retrato, 1870</span><br />
<br />
<div style="text-align: justify;">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe allowfullscreen='allowfullscreen' webkitallowfullscreen='webkitallowfullscreen' mozallowfullscreen='mozallowfullscreen' width='320' height='266' src='https://www.blogger.com/video.g?token=AD6v5dxqINpJXFSwlP8CkYxbynXVVRk9-JZ0S4E6k_NflwNhx1lg5oBW2QYgX0Rh-GSaPl_CTadkYuFlqNAgwApjQw' class='b-hbp-video b-uploaded' frameborder='0'></iframe></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: x-small;">Vídeo - A vida de carlos Relvas *</span></div>
</div>
</td></tr>
</tbody></table>
<span style="font-family: Verdana, sans-serif; font-size: 10pt;"> Figura notável da 2.ª metade do
Século XIX, foi o nome que mais
contribuiu para o desenvolvimento da fotografia em Portugal, e um dos principais no Mundo, nasceu na
Golegã em 13 de Novembro de 1838 e viria a falecer na mesma vila no dia 23 de
Janeiro de 1894 (encontra-se sepultado, juntamente com a sua primeira mulher,
falecida em 1887, em jazigo de família, no cemitério da Golegã); filho do
abastado lavrador ribatejano José Farinha Relvas de Campos (que fundou
importantes estabelecimentos agrícolas e uma grande casa na Golegã onde
exerceu, por muitos anos o cargo de Presidente da Comarca) e de D. Clementina
Amália Mascarenhas Pimenta. Veio a casar, em primeiras núpcias, com D.
Margarida Amália Mendes de Azevedo e Vasconcelos, filha dos Condes de Podentes
(família ilustre e rica da Beira Alta), Jerónimo Dias de Azevedo Vasques de
Almeida e Vasconcelos e D. Maria Liberata da Costa Mendes de Azevedo, com uma
ainda maior fortuna, pôde com segurança, entregar-se à administração das suas
propriedades. Não descansou, como muitos dos seus contemporâneos, sobre os
fáceis favores da riqueza que outros tinham acumulado. Com efeito, se olharmos
ao trabalho que desenvolveu em diversos domínios, verifica-se que o ócio nunca
foi o seu modo de vida. Bem pelo contrário, a qualidade e perfeição do que se
realizou demonstram sempre um esforço árduo que só uma dedicação extrema
possibilitava.</span><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe allowfullscreen='allowfullscreen' webkitallowfullscreen='webkitallowfullscreen' mozallowfullscreen='mozallowfullscreen' width='320' height='266' src='https://www.blogger.com/video.g?token=AD6v5dw4m2mYAxHLeDRn3GCGRh_5JBZ5euBJLk41KhRF0yEPMKbjSQZrBEkw_a5RjGrlrxl4WeDH4zyTQ9MAwzCtLg' class='b-hbp-video b-uploaded' frameborder='0'></iframe></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-family: inherit; font-size: x-small;">Vídeo - A Obra de Carlos Relvas *</span></div>
<div>
<br /></div>
<div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiqOuWW8vQjoPVexKlihlmzqw6S-KPc2wVIoL6k2mnD8aC7pVFYAgBjchl1mGXcDqJTv8U8TS0fahdTctBSgx0zOgnRdHvsXr8hO7jVh5W_GvgdcTTbRw7YI-Xks8XDXUrqg-2JiaNWfDE/s1600/00018_foto_dstq.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiqOuWW8vQjoPVexKlihlmzqw6S-KPc2wVIoL6k2mnD8aC7pVFYAgBjchl1mGXcDqJTv8U8TS0fahdTctBSgx0zOgnRdHvsXr8hO7jVh5W_GvgdcTTbRw7YI-Xks8XDXUrqg-2JiaNWfDE/s320/00018_foto_dstq.jpg" width="228" /></a></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: x-small;">Casa-estúdio de Carlos Relvas, Golegã, 1876 *</span><br />
<span style="font-size: x-small;"><br /></span></div>
<div style="text-align: center;">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe allowfullscreen='allowfullscreen' webkitallowfullscreen='webkitallowfullscreen' mozallowfullscreen='mozallowfullscreen' width='320' height='266' src='https://www.blogger.com/video.g?token=AD6v5dwxITjCMreiQf6LuC9K2KlLlVqrj_ddhQ6QDebE6-4qrF7KTVPOhS_grVRI6_2jAQf6BciT9bFug63P_vo_hw' class='b-hbp-video b-uploaded' frameborder='0'></iframe></div>
<span style="font-family: inherit; font-size: x-small;">Vídeo - A Casa-Estúdio *</span><br />
<span style="font-family: inherit; font-size: x-small;"><br /></span>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe allowfullscreen='allowfullscreen' webkitallowfullscreen='webkitallowfullscreen' mozallowfullscreen='mozallowfullscreen' width='320' height='266' src='https://www.blogger.com/video.g?token=AD6v5dxT6vsf8-wutQMGzdbl7Y1m5tJes6nJ2BIcxtGEEWjiU8m9YE73UkRo8XsorMjNPfD9F5MhnZjf6BRG3vJOBQ' class='b-hbp-video b-uploaded' frameborder='0'></iframe></div>
<span style="font-size: x-small;">Vídeo - O jardim da Casa-Estúdio *</span></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: x-small;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Verdana, sans-serif; font-size: 10pt;">
Fidalgo da Casa Real, grande amigo do rei D. Luís, comendador da Ordem de Nossa Senhora da Conceição de Vila Viçosa, lavrador, proprietário de diversos estabelecimentos agrícolas e de dois palácios (onde por várias vezes hospedou a família real), foi admirado pela sua elegância, perícia e arte como cavaleiro e toureiro amador, distinto desportista, hábil atirador de pistola e carabina, destro jogador de pau, de florete e de sabre, inventor de sucesso, músico, foi também notável na equitação, artista fotógrafo colocado na primeira fila entre os seus contemporâneos, ficou conhecido pelo nome abreviado de <b>Carlos Relvas</b>.</span><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiIlqVZ99PRYeTjloigu_M24eoSxWu7C1yKBs7zLloXSqeiqupLdl5O5aZNIFSEeM9oN_CfYNKAgt-mZxUkswSCn8agwiIjwL3k_Skk8bPdxTxVL1LlCekR42WyzzLrPC6aorMW6yaY_iE/s1600/Carlos+Relvas,+a+mulher+Margarida+Relvas+e+os+filhos+Jos%C3%A9,+Francisco+e+Clementina.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiIlqVZ99PRYeTjloigu_M24eoSxWu7C1yKBs7zLloXSqeiqupLdl5O5aZNIFSEeM9oN_CfYNKAgt-mZxUkswSCn8agwiIjwL3k_Skk8bPdxTxVL1LlCekR42WyzzLrPC6aorMW6yaY_iE/s320/Carlos+Relvas,+a+mulher+Margarida+Relvas+e+os+filhos+Jos%C3%A9,+Francisco+e+Clementina.jpg" width="242" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Carlos Relvas e família. A mulher Margarida Relvas e os filhos José , Francisco e Clementina. 1866-67</span></td></tr>
</tbody></table>
<span style="font-family: Verdana, sans-serif; font-size: 10pt;">
Usou parte da fortuna herdada, na edificação de um palacete de estilo romântico, onde construiu o seu estúdio de fotografia (considerado um dos primeiros <i>ateliers</i> de fotografia do mundo). Nesta área, entre 1862 e 1894, desenvolveu um trabalho que o tornaria um dos grandes fotógrafos amadores do século XIX em Portugal.<o:p></o:p></span><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjqsgVG_pgknVoNwaZ7jxcLWb8NmEkDYTDBjwwDiSBUu9K66h6l7nJsTw4bHA-azykDsLXTRRPI9dL-HgpRCFYy8TlvR2pLYrQvR4To_eYfUZjF37bytGBEoU-IUimdgKMAc7TukRtBai8/s1600/3691349.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="239" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjqsgVG_pgknVoNwaZ7jxcLWb8NmEkDYTDBjwwDiSBUu9K66h6l7nJsTw4bHA-azykDsLXTRRPI9dL-HgpRCFYy8TlvR2pLYrQvR4To_eYfUZjF37bytGBEoU-IUimdgKMAc7TukRtBai8/s320/3691349.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Museu Casa-Estúdio de Carlos Relvas na atualidade</span></td></tr>
</tbody></table>
</div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiOG9odD7yFs5Pv9OocHjnFITSyXucevyECw4BtVydJVysY831LohH_-Lx2NmXy8p7IUMUOjoQnvVybA3MqEaBV63eqBEo5Hruu8yriJ7Usx6-1w4yN6O6OpRbrfW3mUf_RxenqJrepW8c/s1600/00481_foto_dstq.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiOG9odD7yFs5Pv9OocHjnFITSyXucevyECw4BtVydJVysY831LohH_-Lx2NmXy8p7IUMUOjoQnvVybA3MqEaBV63eqBEo5Hruu8yriJ7Usx6-1w4yN6O6OpRbrfW3mUf_RxenqJrepW8c/s320/00481_foto_dstq.jpg" width="228" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Rei D. Luis, 1880 *</span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Verdana, sans-serif; font-size: 10pt;"> Foi distinguido diversas vezes nos maiores certames internacionais de fotografia da época, recebeu quatro diplomas e foi eleito membro honorário de três instituições de fotografia e membro efectivo de muitas outras, como a <b>Société Française de Photographie</b> (<i>entré 1896-dossier n.º 0351</i>).</span><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjaOFbnf8UpNzQoxUxIdFHCWxAgccH9NJaQxANouYGwAPNMdct2DXw4pMOjx4qTwVuv326ZW13GQMs67x62QpYLJAuSPe8YM4gseTCUWXEVOxKqxim7stW00ADRUVA72bCqLfp3BxyFeCY/s1600/Logo-AD-reduzido.bmp" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><br /></a>
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhps735v_FQ1yW1C5GMe2mh-nykIbkiZpSxqdS3YSP4xM3-fnMS9iMtU2KGPejNZqNfhrfKU2_gSe8LXe9g07RMwUhEVEtdR-if25jcVpuE0Vb2Oy5PlQXujZI6q5qV3BYsN-CEBhcHRgs/s1600/00114_foto_dstq.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhps735v_FQ1yW1C5GMe2mh-nykIbkiZpSxqdS3YSP4xM3-fnMS9iMtU2KGPejNZqNfhrfKU2_gSe8LXe9g07RMwUhEVEtdR-if25jcVpuE0Vb2Oy5PlQXujZI6q5qV3BYsN-CEBhcHRgs/s320/00114_foto_dstq.jpg" width="228" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Medalha de prémio atribuído a Carlos Relvas na exposição universal de Paris de 1878 *</span></td></tr>
</tbody></table>
<span style="font-family: Verdana, sans-serif; font-size: 10pt;">
Ainda nesta área, aperfeiçoou ingredientes químicos, traduziu obras de especialistas e escreveu para revistas. Apresentou em Viena de Áustria, em 1873, um sistema com várias objectivas, denominado <i>multiplying camera</i>.</span><br />
<span style="font-family: Verdana, sans-serif; font-size: 10pt;"><br /></span>
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgRZA6iWyckTUjH_DwAuhuJ_aVLx6qOwj7gYwzJ5uowkWQ2kuC3PY_8kG-yUH2RuSwka2gd60xXXiyyOtWEsgpOA0qzz_FzUUgXRO7hha9yJ6Sa9DoKgaGvZFAZF-z16jgBb_ahB6sgBhc/s1600/5553350097_dfa3900168_m.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgRZA6iWyckTUjH_DwAuhuJ_aVLx6qOwj7gYwzJ5uowkWQ2kuC3PY_8kG-yUH2RuSwka2gd60xXXiyyOtWEsgpOA0qzz_FzUUgXRO7hha9yJ6Sa9DoKgaGvZFAZF-z16jgBb_ahB6sgBhc/s1600/5553350097_dfa3900168_m.jpg" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Câmara objetivas e utensílios fotográficos na casa museu</span></td></tr>
</tbody></table>
<span style="font-family: Verdana, sans-serif; font-size: 10pt;">
Além da fotografia, Carlos Relvas era um apaixonado da cavalaria e dos touros. Por isso, financiou a construção da praça de touros da Golegã, na altura ligada ao seu <i>atelier</i> por um corredor de acesso privado. Desenhou também um tipo especial de sela de montar "à Relvas" e, como inventor, criou um salva-vidas, experimentado com sucesso na Foz do Douro em 1883.</span><br />
<span style="font-family: Verdana, sans-serif; font-size: 10pt;"><br /></span>
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg4UhJ6xLhxDV3tKIejPoGYfquTx_CkHx4UXMY6oIlRe70XNjLn14vrCNKdNzUnC0hjv90ZV6at7xYgIc4nXULimJJjZt4M42fW9LrIZjt8hafuNDaIEc_1VundE9hhbaMH2PfMx4bc-xg/s1600/00151_foto_dstq.jpg" imageanchor="1" style="font-size: medium; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="228" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg4UhJ6xLhxDV3tKIejPoGYfquTx_CkHx4UXMY6oIlRe70XNjLn14vrCNKdNzUnC0hjv90ZV6at7xYgIc4nXULimJJjZt4M42fW9LrIZjt8hafuNDaIEc_1VundE9hhbaMH2PfMx4bc-xg/s320/00151_foto_dstq.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Cheias no Tejo, Golegã, 1880 *</span></td></tr>
</tbody></table>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgpDBa8zF5TSgz2sYkehsLp2Eq9qZx3Q379S0MTV_XVugYkPB98GlbvK9kRRfn84-JRC2pU348kEcJoAGsA6Yzd-2y0Mk5xKPpp_Tzti0s3q-TUScWYaLTdbuiEJgCaFDwZNKqo5OHonQ8/s1600/Campino+a+cavalo.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="236" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgpDBa8zF5TSgz2sYkehsLp2Eq9qZx3Q379S0MTV_XVugYkPB98GlbvK9kRRfn84-JRC2pU348kEcJoAGsA6Yzd-2y0Mk5xKPpp_Tzti0s3q-TUScWYaLTdbuiEJgCaFDwZNKqo5OHonQ8/s320/Campino+a+cavalo.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Campino a cavalo, 1870</span><br />
<span style="font-size: x-small;"><br /></span>
<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif; font-size: x-small;"> </span><span style="font-family: Verdana, sans-serif; font-size: x-small;"> Foi criado </span></span><span style="font-family: Verdana, sans-serif; font-size: x-small;"><span style="line-height: 14px;">em 2008 </span><span style="line-height: 115%;"> o Centro de Estudos de Fotografia da
Golegã (CEFGA), na sequência de um protocolo assinado entre
o Instituto Politécnico de Tomar e a Câmara da Golegã, com o objectivo de promover
o ensino e a investigação na área da fotografia. Instalado na Golegã, o Centro
de Estudos ambiciona afirmar-se como um pólo dinamizador da história, cultura e
museologia fotográficas, nomeadamente através da gestão de colecções.</span><span style="background-color: white; line-height: 16.78333282470703px; text-align: start;"> </span><span style="background-color: white; line-height: 16.78333282470703px; text-align: start;"> </span><span style="background-color: white; line-height: 16.78333282470703px; text-align: start;">Este Centro tem também como</span><span style="background-color: white; line-height: 16.78333282470703px; text-align: start;"> </span><span style="background-color: white; line-height: 16.78333282470703px; text-align: start;">objectivos específicos apoiar técnica e cientificamente a Casa-Estúdio Carlos Relvas.</span></span></div>
<br />
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
BIBLIOGRAFIA</div>
<div style="text-align: justify;">
</div>
<h3 style="line-height: 13.0pt;">
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit; font-size: x-small; line-height: 13pt;"><a href="http://www.casarelvas.com/site/pt/php/literatura_det.php?publi=5" style="line-height: 13pt;">Traité
Pratique de Phototypie</a></span></div>
</h3>
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: #4e4e4e; font-family: "Tahoma","sans-serif"; font-size: 7.5pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: PT; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;"><span style="font-size: 7.5pt; line-height: 115%;">Obra
que inclui uma dedicatória do autor, ao fotógrafo Carlos Relvas, à pagina 227
pode ler-se "este processo não é mais do que uma variante da albertipia.
Deu ao Sr. Carlos Relvas magníficos resultados que puderam ser observados na
Exposição Universal, na Secção Fotográfica de Portugal. Contém na página 224
uma fototipia da autoria de Carlos Relvas.</span></span></div>
<span style="color: #4e4e4e; font-family: "Tahoma","sans-serif"; font-size: 7.5pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: PT; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;">
</span>
<br />
<div style="text-align: right;">
<h3 style="line-height: 13.0pt;">
<div style="text-align: justify;">
<a href="http://www.casarelvas.com/site/pt/php/literatura_det.php?publi=6" style="line-height: 13pt;"><span style="font-family: inherit; font-size: x-small;">A
Secção Photographica (no Dia 1 de Dezembro de 1876)</span></a></div>
</h3>
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: #4e4e4e; font-family: Tahoma, sans-serif; font-size: 7.5pt; line-height: 115%;">Contém
uma dedicatória do autor a Carlos Relvas. Refere a importância da fotografia no
progresso e desenvolvimento do país e destaca o papel fundamental do Estado
Português [D. Luís], na fundação da Secção Fotográfica, em Portugal, que se
realizou no dis 1 de </span><span style="color: #4e4e4e; font-family: Tahoma, sans-serif; font-size: 7.5pt; line-height: 11px;">Dezembrode1876.</span><span style="font-size: x-small;"> </span></div>
<div style="text-align: justify;">
</div>
<h3 style="line-height: 13pt; text-align: left;">
<span style="font-family: inherit; font-size: x-small;"><a href="http://www.casarelvas.com/site/pt/php/literatura_det.php?publi=7">Nicéphore
Niépce Inventeur de la Photographie</a></span></h3>
<div style="text-align: left;">
<span style="color: #4e4e4e; font-family: "Tahoma","sans-serif"; font-size: 7.5pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: PT; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;"><span style="font-size: 7.5pt; line-height: 115%;">A obra
tem presente uma dedicatória do autor ao fotógrafo Carlos Relvas. A. Davanne
atribui neste estudo a invenção da Fotografia ao Sr. Nicéphore Niépce.</span></span></div>
<span style="color: #4e4e4e; font-family: "Tahoma","sans-serif"; font-size: 7.5pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: PT; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;">
</span>
<br />
<div style="text-align: justify;">
</div>
<h3 style="line-height: 13pt; text-align: left;">
<span style="font-family: inherit; font-size: x-small;"><a href="http://www.casarelvas.com/site/pt/php/literatura_det.php?publi=8">L´Atelier
de L´Amateur</a></span></h3>
<div style="text-align: left;">
<span style="color: #4e4e4e; font-family: "Tahoma","sans-serif"; font-size: 7.5pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: PT; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;"><span style="font-size: 7.5pt; line-height: 115%;">Livro
de referência dos fotógrafos amadores da época. Descreve de uma forma
simplificada os utensílios indispensáveis ao fotógrafo amador presentes na
elaboração do seu atelier.</span></span></div>
<span style="color: #4e4e4e; font-family: "Tahoma","sans-serif"; font-size: 7.5pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: PT; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;">
</span>
<br />
<div style="text-align: justify;">
</div>
<h3 style="line-height: 13pt; text-align: left;">
<span style="font-family: inherit; font-size: x-small;"><a href="http://www.casarelvas.com/site/pt/php/literatura_det.php?publi=9">A Arte
Photographica - Revista mensal dos Progressos da Photografia e Artes
Correlativas</a></span></h3>
<div style="text-align: left;">
<span style="color: #4e4e4e; font-family: "Tahoma","sans-serif"; font-size: 7.5pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: PT; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;"><span style="font-size: 7.5pt; line-height: 115%;">Conceituada
revista portuguesa sobre a temática da fotografia, editada no Porto, entre 1884
e1885. Colaboraram nesta revista ´fotógrafos de renome internacional, dentre os
quais sobressai o nome de Carlos Relvas.</span></span></div>
<span style="color: #4e4e4e; font-family: "Tahoma","sans-serif"; font-size: 7.5pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: PT; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;">
</span>
<br />
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: #4e4e4e; font-family: Tahoma, sans-serif; font-size: 7.5pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: #4e4e4e; font-family: Tahoma, sans-serif; font-size: 7.5pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: #4e4e4e; font-family: Tahoma, sans-serif; font-size: 7.5pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: x-small;"> <a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjaOFbnf8UpNzQoxUxIdFHCWxAgccH9NJaQxANouYGwAPNMdct2DXw4pMOjx4qTwVuv326ZW13GQMs67x62QpYLJAuSPe8YM4gseTCUWXEVOxKqxim7stW00ADRUVA72bCqLfp3BxyFeCY/s1600/Logo-AD-reduzido.bmp" imageanchor="1" style="clear: left; font-size: medium; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em; text-align: justify;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjaOFbnf8UpNzQoxUxIdFHCWxAgccH9NJaQxANouYGwAPNMdct2DXw4pMOjx4qTwVuv326ZW13GQMs67x62QpYLJAuSPe8YM4gseTCUWXEVOxKqxim7stW00ADRUVA72bCqLfp3BxyFeCY/s1600/Logo-AD-reduzido.bmp" /></a></span></div>
</div>
<br />
<div style="text-align: left;">
LINKS:</div>
<div style="text-align: left;">
<br /></div>
<div style="text-align: left;">
</div>
<div class="MsoNormal">
<a href="http://pt.wikipedia.org/wiki/Carlos_Relvas">http://pt.wikipedia.org/wiki/Carlos_Relvas</a></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<br />
<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: left;">
<div style="text-align: center;">
<a href="http://www.casarelvas.com/">http://www.casarelvas.com/</a></div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: left;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: left;">
</div>
<div class="MsoNormal">
<a href="http://www.arqnet.pt/dicionario/relvasc.html">http://www.arqnet.pt/dicionario/relvasc.html</a></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<br />
<br />
<br />
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: x-small;">Fontes: </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: x-small;">Fotos -</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: x-small;"> Internet</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: x-small;"> * Banco de Imagens da Casa-Estúdio Carlos Relvas</span></div>
<span style="font-size: x-small;"></span><br />
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: x-small;"> Vídeos -</span></div>
<span style="font-size: x-small;">
</span>
<br />
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: x-small;"> * Site da Casa-Estúdio Carlos Relvas</span></div>
<span style="font-size: x-small;">
<br /><br /><br /><br /><br /></span></td></tr>
</tbody></table>
<br />
<div style="text-align: center;">
<span style="font-family: Verdana, sans-serif; font-size: 10pt;"><br /></span></div>
</div>
</div>
</div>
António Damásiohttp://www.blogger.com/profile/08778327206941284777noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8171405610691890218.post-56185645785491284742012-03-23T17:59:00.000-07:002012-03-23T17:59:41.597-07:00UPCYCLING ou a arte do lixo<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on"><br />
<div style="background: white; margin-bottom: .0001pt; margin: 0cm; mso-outline-level: 1; text-align: justify;"></div><div class="MsoNormal" style="background: white; margin-bottom: 6.0pt; margin-left: 0cm; margin-right: 0cm; margin-top: 4.8pt; mso-line-height-alt: 14.25pt;"><b><i><span style="font-family: Arial, sans-serif; font-size: 20pt;">Upcycling</span></i></b><span style="font-family: Arial, sans-serif; font-size: 20pt;"> <o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="background: white; line-height: 14.25pt; margin-bottom: 6.0pt; margin-left: 0cm; margin-right: 0cm; margin-top: 4.8pt;"><br />
</div><div class="MsoNormal" style="background: white; line-height: 14.25pt; margin-bottom: 6.0pt; margin-left: 0cm; margin-right: 0cm; margin-top: 4.8pt;"><span style="font-family: Arial, sans-serif; font-size: 10pt;">É o processo de transformar</span><span style="font-family: Arial, sans-serif; font-size: 10pt;"> resíduos</span><span style="font-family: Arial, sans-serif; font-size: 10pt;"> </span><span style="font-family: Arial, sans-serif; font-size: 10pt;">ou produtos inúteis e descartáveis em novos materiais ou produtos de maior valor, uso ou qualidade. Neste processo são utilizados materiais no fim de vida útil sem modificar as suas formas e características </span><span style="font-family: Arial, sans-serif; font-size: 10pt;"> </span><span style="font-family: Arial, sans-serif; font-size: 10pt;">dando-lhes uma nova utilidade. Este processo é o contrário da</span><span style="font-family: Arial, sans-serif; font-size: 10pt;"> reciclagem</span><span style="font-family: Arial, sans-serif; font-size: 10pt;">, que usa</span><span style="font-family: Arial, sans-serif; font-size: 10pt;"> e</span><span style="font-family: Arial, sans-serif; font-size: 10pt;">nergia</span><span style="font-family: Arial, sans-serif; font-size: 10pt;"> </span><span style="font-family: Arial, sans-serif; font-size: 10pt;">para destruir a forma e a transformar em algo novo.<o:p></o:p></span></div><br />
<div style="background: white; margin-bottom: .0001pt; margin: 0cm; mso-outline-level: 1; text-align: justify;"><span style="font-family: "Georgia","serif"; font-size: 18.0pt;"><br />
</span></div><div style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: white; background-image: initial; background-origin: initial; background-position: initial initial; background-repeat: initial initial; margin-bottom: 0.0001pt; margin-left: 0cm; margin-right: 0cm; margin-top: 0cm; text-align: center;"><span style="font-family: "Georgia","serif"; font-size: 18.0pt;">TIM NOBLE e SUE WEBSTER<o:p></o:p></span></div><div style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: white; background-image: initial; background-origin: initial; background-position: initial initial; background-repeat: initial initial; margin-bottom: 0.0001pt; margin-left: 0cm; margin-right: 0cm; margin-top: 0cm; text-align: center;"><span style="font-family: "Georgia","serif"; font-size: 18.0pt;"><br />
</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhVr6QTrTMW4QvXv-FJ28MqcCUVO4jsMI5dKd_pftaLxHciy36oDXAEMxphihXX0Gn7Ir_Xts_904I5o3CK_75P0yeZlyIWsRrtC0PoEhiNUUT45-vKXityHrncj7PkrK9Tdilsitq2jcg/s1600/tim-noble-and-sue-webster1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhVr6QTrTMW4QvXv-FJ28MqcCUVO4jsMI5dKd_pftaLxHciy36oDXAEMxphihXX0Gn7Ir_Xts_904I5o3CK_75P0yeZlyIWsRrtC0PoEhiNUUT45-vKXityHrncj7PkrK9Tdilsitq2jcg/s1600/tim-noble-and-sue-webster1.jpg" /></a></div><div style="background: white; margin-bottom: .0001pt; margin: 0cm; text-align: justify;"><span style="font-family: "Georgia","serif"; font-size: 11.5pt;"> Este casal de artistas plásticos formados na década de 80 na Nottingham Trent University desafiam todas as convenções no campo das artes visuais propondo um trabalho baseado no lixo. <o:p></o:p></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjlwyodSQlCwwgeGj4rUcFPzYjIiMaQvv-lKWKmWtrPqC6t0Wknr8WMCHZI0CbtNVWayslgHTgi3mWUUXiL08xQ6fuglslWUT6hbdqeA_UncBPx0tVAejZu0plTI2B1dU6OL8tw0PlQwds/s1600/sombras-de-lixo.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="286" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjlwyodSQlCwwgeGj4rUcFPzYjIiMaQvv-lKWKmWtrPqC6t0Wknr8WMCHZI0CbtNVWayslgHTgi3mWUUXiL08xQ6fuglslWUT6hbdqeA_UncBPx0tVAejZu0plTI2B1dU6OL8tw0PlQwds/s320/sombras-de-lixo.jpg" width="320" /></a></div><div style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: white; background-image: initial; background-origin: initial; background-position: initial initial; background-repeat: initial initial; margin-bottom: 0.0001pt; margin-left: 0cm; margin-right: 0cm; margin-top: 0cm; text-align: center;"><span style="font-family: "Georgia","serif"; font-size: 11.5pt;"><br />
</span></div><div style="background: white; margin-bottom: .0001pt; margin: 0cm; text-align: justify;"><span style="font-family: "Georgia","serif"; font-size: 11.5pt;"> Utilizando uma técnica de união e aglutinação de objetos de lixo encontrado nas ruas das grandes cidades e aplicando uma luz direcionada sobre as suas instalações feitas de pilhas de lixo, obtêm como resultado sombras projetadas numa parede que nos remetem para representações realistas de figuras humanas e animais nas mais diversas posições e cenários. </span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgHXXMYJMG9UJ1llI45Dc55M0xHK1kMvdgPU9JOdfEaQ9Eh4fYcauXo-_EmxM4DviPjJtG3E7oCAcbRDgQXhRDkxKffxl6ZMYzjXiIBqatAz49qwERIOMpKG4O9usTfcyvZc9SDFWcIZvw/s1600/tim-noble-and-sue-webster-metal-fucking-rats.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgHXXMYJMG9UJ1llI45Dc55M0xHK1kMvdgPU9JOdfEaQ9Eh4fYcauXo-_EmxM4DviPjJtG3E7oCAcbRDgQXhRDkxKffxl6ZMYzjXiIBqatAz49qwERIOMpKG4O9usTfcyvZc9SDFWcIZvw/s320/tim-noble-and-sue-webster-metal-fucking-rats.jpg" width="320" /></a></div><div style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: white; background-image: initial; background-origin: initial; background-position: initial initial; background-repeat: initial initial; margin-bottom: 0.0001pt; margin-left: 0cm; margin-right: 0cm; margin-top: 0cm; text-align: center;"><span style="font-family: "Georgia","serif"; font-size: 11.5pt;"><br />
</span></div><div style="background: white; margin-bottom: .0001pt; margin: 0cm; text-align: justify;"><span style="font-family: "Georgia","serif"; font-size: 11.5pt;">São trabalhos bastante precisos e minuciosos para que as sombras reproduzam as imagens reais idealizadas pelos artistas.<o:p></o:p></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgUjy3oi7gKZSvdBMtcuHXBUMM3RlR3Zbwx6jgMueZdbGEUymNoSVd-l1LmHYFxWXwaUhz9iIlMG7v5ATNDpsoDJRSJgRw9hiC2faiLm5ceZeENY5Nxo3zhtcSrobwy1Eg7FtZ8ZfzG8dA/s1600/TraumTrauma340.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgUjy3oi7gKZSvdBMtcuHXBUMM3RlR3Zbwx6jgMueZdbGEUymNoSVd-l1LmHYFxWXwaUhz9iIlMG7v5ATNDpsoDJRSJgRw9hiC2faiLm5ceZeENY5Nxo3zhtcSrobwy1Eg7FtZ8ZfzG8dA/s320/TraumTrauma340.jpg" width="241" /></a></div><div style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: white; background-image: initial; background-origin: initial; background-position: initial initial; background-repeat: initial initial; margin-bottom: 0.0001pt; margin-left: 0cm; margin-right: 0cm; margin-top: 0cm; text-align: center;"><span style="font-family: "Georgia","serif"; font-size: 11.5pt;"><br />
</span></div><div style="background: white; margin-bottom: .0001pt; margin: 0cm; text-align: justify;"><span style="font-family: "Georgia","serif"; font-size: 11.5pt;"> De um modo inteligente e bem humorado eles fazem o publico refletir sobre o problema do lixo nos centros urbanos e as consequências da sua acumulação. As sombras retratam seres humanos em atitudes de indiferença e alheamento tal como algumas pessoas no seu dia a dia em relação ao lixo.<o:p></o:p></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhu7TakLYVqq77Q5FGmZD3m1EB9t1gGwIrpBejZljQpXE1CptS9awacp1fAg_nBEQoV13xEtMVLSgx4iyRtmBN9O2EDb2teDP0yPY1-Bt3NqNSi8uZeD85_k8gP-C82590otRKSYzXSKi8/s1600/tmpphpj7kBdw.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="213" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhu7TakLYVqq77Q5FGmZD3m1EB9t1gGwIrpBejZljQpXE1CptS9awacp1fAg_nBEQoV13xEtMVLSgx4iyRtmBN9O2EDb2teDP0yPY1-Bt3NqNSi8uZeD85_k8gP-C82590otRKSYzXSKi8/s320/tmpphpj7kBdw.jpg" width="320" /></a></div><div style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: white; background-image: initial; background-origin: initial; background-position: initial initial; background-repeat: initial initial; margin-bottom: 0.0001pt; margin-left: 0cm; margin-right: 0cm; margin-top: 0cm; text-align: center;"><span style="font-family: "Georgia","serif"; font-size: 11.5pt;"><br />
</span></div><div style="background: white; margin-bottom: .0001pt; margin: 0cm; text-align: justify;"><span style="font-family: "Georgia","serif"; font-size: 11.5pt;"> Tim Noble define a sua arte como o seu “pior pesadelo”, pois chega-se ao ponto de ter de se trazer lixo das ruas empilhando-o em galerias de arte para lembrar a todos a irresponsabilidade do ser humano em relação ao ambiente.<o:p></o:p></span></div><div style="background: white; margin-bottom: .0001pt; margin: 0cm; text-align: justify;"><span style="font-family: "Georgia","serif"; font-size: 11.5pt;"><br />
</span></div><div style="background: white; margin-bottom: .0001pt; margin: 0cm; text-align: justify;"><span style="font-family: "Georgia","serif"; font-size: 11.5pt;"><br />
</span></div><div style="background: white; margin-bottom: .0001pt; margin: 0cm; text-align: justify;"></div><div style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: white; background-image: initial; background-origin: initial; background-position: initial initial; background-repeat: initial initial; margin-bottom: 0.0001pt; margin-left: 0cm; margin-right: 0cm; margin-top: 0cm;"><span style="font-family: Georgia, serif;"><span style="font-size: 21px;"><b><br />
</b></span></span></div><div style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: white; background-image: initial; background-origin: initial; background-position: initial initial; background-repeat: initial initial; margin-bottom: 0.0001pt; margin-left: 0cm; margin-right: 0cm; margin-top: 0cm;"><br />
</div><div style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: white; background-image: initial; background-origin: initial; background-position: initial initial; background-repeat: initial initial; margin-bottom: 0.0001pt; margin-left: 0cm; margin-right: 0cm; margin-top: 0cm;"></div><div style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: white; background-image: initial; background-origin: initial; background-position: initial initial; background-repeat: initial initial; margin-bottom: 0.0001pt; margin-left: 0cm; margin-right: 0cm; margin-top: 0cm;"><strong><span style="font-family: "Georgia","serif"; font-size: 20.0pt;">Sakaya Ganz</span></strong><span style="font-family: "Georgia","serif"; font-size: 20.0pt;"><o:p></o:p></span></div><div style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: white; background-image: initial; background-origin: initial; background-position: initial initial; background-repeat: initial initial; margin-bottom: 0.0001pt; margin-left: 0cm; margin-right: 0cm; margin-top: 0cm;"><br />
</div><div style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: white; background-image: initial; background-origin: initial; background-position: initial initial; background-repeat: initial initial; margin-bottom: 0.0001pt; margin-left: 0cm; margin-right: 0cm; margin-top: 0cm;"><span style="font-family: Georgia, serif; font-size: 11.5pt;">Sakaya Ganz</span><span style="font-family: "Georgia","serif"; font-size: 11.5pt;"> é uma artista japonesa que cria esculturas com objetos de plástico descartáveis, como talheres de plástico e outros a que chama “reclaimed object sculptures” (esculturas de objetos recuperados). . Este tipo de trabalhos é conhecido como , <b>upcycling, repurposing ou art eco</b>.<o:p></o:p></span></div><div style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: white; background-image: initial; background-origin: initial; background-position: initial initial; background-repeat: initial initial; margin-bottom: 0.0001pt; margin-left: 0cm; margin-right: 0cm; margin-top: 0cm;"><span style="font-family: "Georgia","serif"; font-size: 11.5pt;"> Segundo a artista ela pretende retratar nas suas obras a vida, a energia e movimento dos animais ou outras formas naturais. <o:p></o:p></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgTyLSUFU6VM59x66ReZcQ-QZn7YmoBi3wJY23-sF9zsI95X6z2YIXES8zM_M6A9j3BRe33tl618p9LOvLmaZO8PFVjkft9Z1F6b2EZ3TmpGwTRb2HfNOJdq_hCemwvjosiEdesDO54xCM/s1600/sayaka-kajita-ganz.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="240" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgTyLSUFU6VM59x66ReZcQ-QZn7YmoBi3wJY23-sF9zsI95X6z2YIXES8zM_M6A9j3BRe33tl618p9LOvLmaZO8PFVjkft9Z1F6b2EZ3TmpGwTRb2HfNOJdq_hCemwvjosiEdesDO54xCM/s320/sayaka-kajita-ganz.jpg" width="320" /></a></div><div style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: white; background-image: initial; background-origin: initial; margin-bottom: 0.0001pt; margin-left: 0cm; margin-right: 0cm; margin-top: 0cm; text-align: center;"><span style="font-family: "Georgia","serif"; font-size: 11.5pt;"><br />
</span></div><div style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: white; background-image: initial; background-origin: initial; background-position: initial initial; background-repeat: initial initial; margin-bottom: 0.0001pt; margin-left: 0cm; margin-right: 0cm; margin-top: 0cm;"><span style="font-family: Georgia, serif; font-size: 11.5pt;"><b> </b> A sua obra inspira-se e baseia-se na filosofia do xintoísmo japonês que acredita que os materiais descartados fora do tempo choram nas latas do lixo. </span><span style="font-family: "Georgia","serif"; font-size: 11.5pt;"><o:p></o:p></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhhWUyIYg_KVIjHBJXD4TrmYdieEZO-15T7w0DkFFJu50us5SZT5LrVK8CcqKJVJlnAU0jXRBcY_qJ1VnDoptm8phDKLdMHVUuQS0IIUUo_a5ApBxo4NvZBJ9dzCdKNmSbaf3UWdmNeqBg/s1600/IMG_1944s.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="221" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhhWUyIYg_KVIjHBJXD4TrmYdieEZO-15T7w0DkFFJu50us5SZT5LrVK8CcqKJVJlnAU0jXRBcY_qJ1VnDoptm8phDKLdMHVUuQS0IIUUo_a5ApBxo4NvZBJ9dzCdKNmSbaf3UWdmNeqBg/s320/IMG_1944s.jpg" width="320" /></a></div><div style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: white; background-image: initial; background-origin: initial; margin-bottom: 0.0001pt; margin-left: 0cm; margin-right: 0cm; margin-top: 0cm; text-align: center;"><span style="font-family: Georgia, serif; font-size: 11.5pt;"><br />
</span></div><div style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: white; background-image: initial; background-origin: initial; background-position: initial initial; background-repeat: initial initial; margin-bottom: 0.0001pt; margin-left: 0cm; margin-right: 0cm; margin-top: 0cm;"><span style="font-family: "Georgia","serif"; font-size: 11.5pt;"><o:p> </o:p></span><span style="background-color: white; font-family: Georgia, serif; font-size: 11.5pt;">O</span><span style="background-color: white; font-family: Georgia, serif; font-size: 11.5pt;"> </span><span style="background-color: white; font-family: Georgia, serif; font-size: 11.5pt;">processo que usa é muito espontâneo, mas não aleatório. Existem no decorrer da criação, alguns itens que podem ser trocados, selecionando cada peça separadamente para compor alguma curva específica ou preencher a escultura em algum determinado comprimento.</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgPWSNWfvf518wM9_ousI0Ewbydin7Q_YkaXj1VnkHahNLEelKo6LEmIyERKD-4713iwcV55FgRxpAXiYaptTcZ4S2fayrFK94-XkotmJ3WWr_Ur59vjHervlo2a6Fwtqev0Qs_TWd6D0Q/s1600/arte7.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgPWSNWfvf518wM9_ousI0Ewbydin7Q_YkaXj1VnkHahNLEelKo6LEmIyERKD-4713iwcV55FgRxpAXiYaptTcZ4S2fayrFK94-XkotmJ3WWr_Ur59vjHervlo2a6Fwtqev0Qs_TWd6D0Q/s320/arte7.jpg" width="240" /></a></div><div style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: white; background-image: initial; background-origin: initial; margin-bottom: 0.0001pt; margin-left: 0cm; margin-right: 0cm; margin-top: 0cm; text-align: center;"><span style="background-color: white; font-family: Georgia, serif; font-size: 11.5pt;"><br />
</span></div><div style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: white; background-image: initial; background-origin: initial; background-position: initial initial; background-repeat: initial initial; margin-bottom: 0.0001pt; margin-left: 0cm; margin-right: 0cm; margin-top: 0cm;"><span style="background-color: white; font-family: Georgia, serif; font-size: 11.5pt;"> É como um quebra-cabeças. A artista começa com objetos individualmente selecionados, determinando depois como eles se podem</span><span style="background-color: white; font-family: Georgia, serif; font-size: 11.5pt;"> </span><span style="background-color: white; font-family: Georgia, serif; font-size: 11.5pt;">juntar</span><span style="background-color: white; font-family: Georgia, serif; font-size: 11.5pt;"> </span><span style="background-color: white; font-family: Georgia, serif; font-size: 11.5pt;">para criar um todo que parece vivo.</span></div><div style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: white; background-image: initial; background-origin: initial; background-position: initial initial; background-repeat: initial initial; margin-bottom: 0.0001pt; margin-left: 0cm; margin-right: 0cm; margin-top: 0cm;"><span style="font-family: "Georgia","serif"; font-size: 11.5pt;"> Os trabalhos com objetos de plástico foram desenvolvidos com o tempo enquanto era estudante e fazia pós-graduação.<o:p></o:p></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiGZAP87SANZgRjcM0zhSAxHAbTUIYHfKM_jHy94XxOLsy0nFHFp2vk8nxsxnQwlc-jj0e516peYxYLF16IhmYwQ438Jvz-Y43Ylta4EkpLXdhKhG6XBSxuXMMkJVaXrovHSAQj7RskRwc/s1600/DeepSea1-11-08-04s.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="214" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiGZAP87SANZgRjcM0zhSAxHAbTUIYHfKM_jHy94XxOLsy0nFHFp2vk8nxsxnQwlc-jj0e516peYxYLF16IhmYwQ438Jvz-Y43Ylta4EkpLXdhKhG6XBSxuXMMkJVaXrovHSAQj7RskRwc/s320/DeepSea1-11-08-04s.jpg" width="320" /></a></div><div style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: white; background-image: initial; background-origin: initial; margin-bottom: 0.0001pt; margin-left: 0cm; margin-right: 0cm; margin-top: 0cm; text-align: center;"><span style="font-family: "Georgia","serif"; font-size: 11.5pt;"><br />
</span></div><div style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: white; background-image: initial; background-origin: initial; background-position: initial initial; background-repeat: initial initial; margin-bottom: 0.0001pt; margin-left: 0cm; margin-right: 0cm; margin-top: 0cm;"><span style="font-family: "Georgia","serif"; font-size: 11.5pt;"> Depois de ter uma ideia e antes de iniciar cada obra faz estudos e uma pesquisa preparatória, no entanto ela está sempre a recolher materiais para eventuais e futuras utilizações. <o:p></o:p></span></div><div style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: white; background-image: initial; background-origin: initial; background-position: initial initial; background-repeat: initial initial; margin-bottom: 0.0001pt; margin-left: 0cm; margin-right: 0cm; margin-top: 0cm;"><span style="font-family: "Georgia","serif"; font-size: 11.5pt;"> Ela seleciona os objetos e separa-os em grandes caixas de plástico divididas em tipos de materiais e cores. Existem objetos que passam algum tempo sem serem usados em nenhuma escultura.</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjrEI1ZHLhd7WGWB-Q-PUrJVwG-Pz-e9gxYgk24uqDanH5FWcHfFCla2MeJFNMQ-RWaNFl3gooptNLJoSy4V-1VV2JiAD9Fvd-slkEBjVUy8IIB6oNY_NYhq6-m6Cxj0q9d4kf2i31a2b4/s1600/DSC05151s.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="268" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjrEI1ZHLhd7WGWB-Q-PUrJVwG-Pz-e9gxYgk24uqDanH5FWcHfFCla2MeJFNMQ-RWaNFl3gooptNLJoSy4V-1VV2JiAD9Fvd-slkEBjVUy8IIB6oNY_NYhq6-m6Cxj0q9d4kf2i31a2b4/s320/DSC05151s.jpg" width="320" /></a></div><div style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: white; background-image: initial; background-origin: initial; margin-bottom: 0.0001pt; margin-left: 0cm; margin-right: 0cm; margin-top: 0cm; text-align: center;"><span style="font-family: "Georgia","serif"; font-size: 11.5pt;"><br />
</span></div><div style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: white; background-image: initial; background-origin: initial; background-position: initial initial; background-repeat: initial initial; margin-bottom: 0.0001pt; margin-left: 0cm; margin-right: 0cm; margin-top: 0cm;"><span style="font-family: "Georgia","serif"; font-size: 11.5pt;"> Por vezes também costuma comprar alguns objetos que necessita para poder usar em determinado espaço das suas criações.<o:p></o:p></span></div><div style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: white; background-image: initial; background-origin: initial; background-position: initial initial; background-repeat: initial initial; margin-bottom: 0.0001pt; margin-left: 0cm; margin-right: 0cm; margin-top: 0cm;"><span style="font-family: "Georgia","serif"; font-size: 11.5pt;"> Trata-se de um tipo de arte sustentável, já que não utiliza novos materiais usando basicamente aqueles que seriam deitados fora e destinados ao lixo. <o:p></o:p></span></div><div style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: white; background-image: initial; background-origin: initial; background-position: initial initial; background-repeat: initial initial; margin-bottom: 0.0001pt; margin-left: 0cm; margin-right: 0cm; margin-top: 0cm;"><span style="font-family: "Georgia","serif"; font-size: 11.5pt;"><br />
</span></div><div style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: white; background-image: initial; background-origin: initial; background-position: initial initial; background-repeat: initial initial; margin-bottom: 0.0001pt; margin-left: 0cm; margin-right: 0cm; margin-top: 0cm;"><span style="font-family: "Georgia","serif"; font-size: 11.5pt;"><br />
</span></div><div style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: white; background-image: initial; background-origin: initial; background-position: initial initial; background-repeat: initial initial; margin-bottom: 0.0001pt; margin-left: 0cm; margin-right: 0cm; margin-top: 0cm;"><span style="font-family: "Georgia","serif"; font-size: 11.5pt;"><br />
</span></div><div style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: white; background-image: initial; background-origin: initial; background-position: initial initial; background-repeat: initial initial; margin-bottom: 0.0001pt; margin-left: 0cm; margin-right: 0cm; margin-top: 0cm;"><span style="font-family: "Georgia","serif"; font-size: 11.5pt;"><br />
</span></div><div style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: white; background-image: initial; background-origin: initial; background-position: initial initial; background-repeat: initial initial; margin-bottom: 0.0001pt; margin-left: 0cm; margin-right: 0cm; margin-top: 0cm;"><span style="font-family: "Georgia","serif"; font-size: 11.5pt;"><br />
</span></div><div style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: white; background-image: initial; background-origin: initial; background-position: initial initial; background-repeat: initial initial; margin-bottom: 0.0001pt; margin-left: 0cm; margin-right: 0cm; margin-top: 0cm;"></div><div class="MsoNormal"><b><span style="font-family: Verdana, sans-serif; font-size: 18pt;">Jason Mecier<o:p></o:p></span></b></div><div class="MsoNormal" style="line-height: 13.5pt; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto;"><br />
</div><div class="MsoNormal" style="line-height: 13.5pt; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">Este artista norte americano utiliza lixo para retratar celebridades do mundo da arte, do cinema e da música.<o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt;"><span style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: white; background-image: initial; background-origin: initial; font-family: Verdana, sans-serif;">Ele transforma materiais considerados inúteis ou “lixo” por algumas pessoas, em obra de arte. Mecier junta pílulas, embalagens, </span><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">latas, garrafas e papéis<span style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: white; background-image: initial; background-origin: initial;"> e todo o tipo de pequenos objetos em quadros que formam os rostos de grandes personalidades. Faz também retratos com diversos tipos de comida.</span></span></div><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh6tBKLpZtQJd_3LDyAZpjpfonr7TwkbU2iDDaz7jX6LyPl4LWlZeW6raTvvsEM0dIHWfhnCqTsldPXO6tNYLpYpupWQfwVLqyQtD61T40iKEYDRF9BkImti5sJIh61X9iSVAor41oPWlI/s1600/ElvisPresley.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh6tBKLpZtQJd_3LDyAZpjpfonr7TwkbU2iDDaz7jX6LyPl4LWlZeW6raTvvsEM0dIHWfhnCqTsldPXO6tNYLpYpupWQfwVLqyQtD61T40iKEYDRF9BkImti5sJIh61X9iSVAor41oPWlI/s320/ElvisPresley.jpg" width="209" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Elvis Presley</td></tr>
</tbody></table><div class="MsoNormal" style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: white; background-image: initial; background-origin: initial; background-position: initial initial; background-repeat: initial initial; line-height: 13.5pt; margin-bottom: 0.0001pt;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif; line-height: 115%;"><span style="font-size: x-small;"> </span>De acordo com o artista essa iniciativa surgiu da sua paixão por colecionar coisas, o que acaba sendo uma forma de reciclagem.</span><span style="font-family: Verdana, sans-serif;"><br />
</span></div><br />
<div style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: white; background-image: initial; background-origin: initial; background-position: initial initial; background-repeat: initial initial; margin-bottom: 0.0001pt; margin-left: 0cm; margin-right: 0cm; margin-top: 0cm;"></div><div class="MsoNormal" style="line-height: 13.5pt;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">Há mais de dez anos, o artista Jason Mecier começou a criar no seu atelier retratos das suas celebridades favoritas, como o artista plástico Andy Warhol, a cantora Pink e o empresário Donald Trump.<span style="font-size: x-small;"><o:p></o:p></span></span></div><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgD3ORNvUWommGGvLUHdCHe6xVUBgogaXTZNMXgURDupUH3yRyJKKTUEr5vlPJmFTjSE36Nb45eAsKiF2V2vUTf8KttCwPAuOFymRKe6WKkINA58_vGdALTXHfQlLWy-Y3_rdZN-AJxuRk/s1600/LouisArmstrong.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgD3ORNvUWommGGvLUHdCHe6xVUBgogaXTZNMXgURDupUH3yRyJKKTUEr5vlPJmFTjSE36Nb45eAsKiF2V2vUTf8KttCwPAuOFymRKe6WKkINA58_vGdALTXHfQlLWy-Y3_rdZN-AJxuRk/s320/LouisArmstrong.jpg" width="212" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Louis Armstrong</td></tr>
</tbody></table><div class="MsoNormal" style="line-height: 13.5pt;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">Para criar o retrato de Warhol, Mecier usou latas de sopa Campbell, que o famoso artista americano imortalizou em suas pinturas de 1962.<o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="line-height: 13.5pt;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">Jason Mecier trabalha na Califórnia, Estado americano que concentra grande parte das celebridades do mundo do cinema, música e televisão dos Estados Unidos.<span style="font-size: x-small;"><o:p></o:p></span></span></div><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjpS6VjQy-N2n5qc7JGiVhXfksIIE72QVHNRvqWlWSVYcEyda-0KYqk6ZxGVuGPheVJ7phnUWsr5Dt_6ZR-zpybf63HC9EAWl_IabLExYGIbIEkqpP2TWTCQ-CoyPw9-OOTb8LPlCwBwI4/s1600/Prescription_PIlls_Art_By_Jason_Mecier_02.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjpS6VjQy-N2n5qc7JGiVhXfksIIE72QVHNRvqWlWSVYcEyda-0KYqk6ZxGVuGPheVJ7phnUWsr5Dt_6ZR-zpybf63HC9EAWl_IabLExYGIbIEkqpP2TWTCQ-CoyPw9-OOTb8LPlCwBwI4/s320/Prescription_PIlls_Art_By_Jason_Mecier_02.jpg" width="261" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Kelly Osbourne</td></tr>
</tbody></table><div class="MsoNormal" style="line-height: 13.5pt;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">Os objetos que utiliza para formar os retratos têm quase sempre uma ligação à pessoa representada. Ele demora em média cerca de 50 horas para formar cada retrato.<o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="line-height: 13.5pt;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">A sua obra é exibida em galerias de San Francisco e Los Angeles e foi publicada em algumas revistas americanas. <span style="font-size: x-small;"><o:p></o:p></span></span></div><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiCszqMDrJBiGjOfSw1ANJGMOA4_sCYJdIgRY8mb_3_3QwFik7qeTykcTbipPjVK31IpHIMYGAm_ZnezCyTnvBmPNNvFvPzQJ4eFalEcjORaXQumEFyfZiCBksNMd7Y9pvGHvgZp75VpTc/s1600/Debbie+Reynolds.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiCszqMDrJBiGjOfSw1ANJGMOA4_sCYJdIgRY8mb_3_3QwFik7qeTykcTbipPjVK31IpHIMYGAm_ZnezCyTnvBmPNNvFvPzQJ4eFalEcjORaXQumEFyfZiCBksNMd7Y9pvGHvgZp75VpTc/s320/Debbie+Reynolds.jpg" width="261" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Debbie Reynolds</td></tr>
</tbody></table><div class="MsoNormal" style="line-height: 13.5pt;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">Mecier conta que recebeu elogios de algumas pessoas famosas que retratou, como Boy George e Debbie Reynolds.<span style="font-size: x-small;"><o:p></o:p></span></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: right;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjwpVkjjshjUh7Fec8jtDTfGxShsQq58OXpmi2gOh_aGtWSeCyFgqFKEQ6jwIF-8hQImxBNzNzBE7gPMjvbZsd3XPcv6FRXjKxXiD5hIo02krn7z8W-TTFOcKkLv0OLtSTjiCMrvVjHE7c/s1600/Logo-AD-reduzido.bmp" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjwpVkjjshjUh7Fec8jtDTfGxShsQq58OXpmi2gOh_aGtWSeCyFgqFKEQ6jwIF-8hQImxBNzNzBE7gPMjvbZsd3XPcv6FRXjKxXiD5hIo02krn7z8W-TTFOcKkLv0OLtSTjiCMrvVjHE7c/s1600/Logo-AD-reduzido.bmp" /></a></div><div class="MsoNormal" style="line-height: 13.5pt;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;"><br />
</span></div><br />
<div style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: white; background-image: initial; background-origin: initial; background-position: initial initial; background-repeat: initial initial; margin-bottom: 0.0001pt; margin-left: 0cm; margin-right: 0cm; margin-top: 0cm;"><br />
</div><br />
<br />
</div>António Damásiohttp://www.blogger.com/profile/08778327206941284777noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8171405610691890218.post-49746418518537647372011-11-23T15:40:00.000-08:002011-11-23T15:40:04.885-08:00A IMAGEM COMUNICA: MARCEL DUCHAMP<a href="http://aimagemcomunica.blogspot.com/2011/11/marcel-duchamp.html?spref=bl">A IMAGEM COMUNICA: MARCEL DUCHAMP</a>: Considerado um dos precursores da arte conceptual, Marcel Duchamp introduziu a ideia de ready made como objeto de arte. Marcel Duch...António Damásiohttp://www.blogger.com/profile/08778327206941284777noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8171405610691890218.post-70295494120700437162011-11-21T17:03:00.000-08:002011-12-11T16:27:19.604-08:00MARCEL DUCHAMP<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on"><br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, sans-serif;"> <o:p></o:p></span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, sans-serif;"> </span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, sans-serif;">Considerado um dos precursores da arte conceptual, <a href="http://pt.wikipedia.org/wiki/Marcel_Duchamp">Marcel Duchamp</a> introduziu a ideia de ready made como objeto de arte.</span><br />
<div class="MsoNormal"><span style="font-family: Arial, sans-serif;"><o:p></o:p></span></div></div><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhXzVtQTO5c03UJodBZ0oMcpQkR_TOimE_Ety3o68QvXvgm1x9rhNtLSHm4jHTDF1GuE_SQCNas5pS6HXAbU34qTGiedtGRN1ns2XT604LGBI_cDZ5hc__wXsIt-w6G74RnEk1SItGEwQc/s1600/Duchamp+jogando+xadr%25C3%25AAz.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhXzVtQTO5c03UJodBZ0oMcpQkR_TOimE_Ety3o68QvXvgm1x9rhNtLSHm4jHTDF1GuE_SQCNas5pS6HXAbU34qTGiedtGRN1ns2XT604LGBI_cDZ5hc__wXsIt-w6G74RnEk1SItGEwQc/s400/Duchamp+jogando+xadr%25C3%25AAz.jpg" width="368" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Marcel Duchamp jogando xadrês</td></tr>
</tbody></table><div style="text-align: justify;"><div class="MsoNormal"><b><span style="font-family: Arial, sans-serif;"><a href="http://www.blogger.com/goog_1570667535"> </a></span></b><span style="font-family: Arial, sans-serif;"><a href="http://pt.wikipedia.org/wiki/Marcel_Duchamp">Marcel Duchamp</a> nasceu em 1887 em Blainville na Seine –Maritime. Em 1902, começa a pintar paisagens de Blainville. As suas primeiras obras mais importantes mostram influência de Cézanne e dos pintores fauvistes. Também foi influenciado pelo simbolismo e futurismo. É influenciado pela cronofotografia – técnica de fotografia aplicada a assuntos em movimento e que consiste na obtenção de imagens a intervalos regulares. Faz quadros de jogadores de xadrez . Em 1911 faz “Homem triste...” e o esboço a óleo para “Nu descendo uma escada”. A primeira pintura de uma máquina é o “Moinho de Café”. </span><b><span style="font-family: Arial, sans-serif; font-size: 16pt;"><o:p></o:p></span></b></div><div class="MsoNormal"><span style="font-family: Arial, sans-serif;"> Em 1912 pinta o “Nu descendo uma escada”, que é recusado no Salão dos Independentes. Os quadros sobre xadrez evoluem para o “Rei e a Rainha Rodeados por Nus Rápidos”. Começa a fazer anotações e a guardá-las. Em 1913 começa a fazer desenhos mecânicos, estudos a óleo e anotações que irão resultar na “Noiva...”. Monta uma roda de bicicleta sobre um banco de cozinha . Faz “3 Paragens padrão”. Em Nova Yorque o “Nu ...” faz escândalo e torna-o célebre. Em 1916 inventa o termo “readymade”. Em 1917 “A Fonte” é recusada no Salão dos Independentes. Com outros publica a revista de inspiração Dada “The Blind Man”. Em 1920, em N.Y., trabalha com Man Ray em experiências cinematográficas e nos seus objetos de ótica de precisão, como por ex. a “Placa de vidro rotativa”, que é um dispositivo com motor para fazer experiências de efeitos óticos. Surge “RroseSelavy”, duplo feminino de M.D., fotografado por Man Ray. Em 1934 publica a “Caixa Verde” com réplicas das anotações e de esboços. Em 1941 publica “Caixa numa Mala”, uma seleção representativa da sua obra através de reproduções em miniatura, contidas numa caixa desdobrável. Em 1945 o Museu de Arte Moderna de N.Y. compra “A passagem da Virgem à Noiva” – É a primeira vez que um museu adquire uma obra sua. Em 1946 começa a trabalhar nos “Dados “ que leva 20 anos a fazer. Em 1959 organiza com Breton a exposição Internacional do Surrealismo em Paris. Morre em 1968 e pede para porem na sepultura “Aliás são sempre os outros que morrem”. Com a Revolução Modernista nas primeiras décadas do séc.XX, há a suspensão dos valores clássicos, as pessoas no início do séc. assistem a uma mudança rápida do mundo que as rodeia – a industrialização enche o mundo de formas novas, produtos novos, e altera a paisagem. Há as descobertas das ciências micros. O real deixa de ser fixo, existindo uma outra dimensão que não nos é dada ao olhar – dimensão microscópica da realidade. Há esgotamento do realismo ótico.<o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal"><span style="font-family: Arial, sans-serif;">Surgem as primeiras imagens mecânicas – a fotografia, o cinema, que permitiam reproduzir a realidade. Assim, o primeiro modernismo vai rejeitar a sujeição a qualquer norma representativa, a qualquer padrão clássico e temas, sendo formado por artistas chamados de vanguarda. Estes criam uma arte experimental e socorrem-se de tudo.<o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal"><span style="font-family: Arial, sans-serif;"> O Corpo artístico cada vez é mais desordenado e cada vez é maior o, esforço para organizá-lo. A primeira dificuldade em analisar a arte tem a ver com o facto de a arte ser formada por objetos que pertencem a universos diferentes . O objeto artístico serve diversas finalidades e os materiais podem ser muito diversos.<o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal"><span style="font-family: Arial, sans-serif;"> Com Francis Picabia foi um precursor importante do dadaísmo. Este nasceu em parte do desencantamento que a guerra provocou, e de uma negação dos valores aceites da arte e da literatura, que os dadaístas consideravam os produtos duma civilização decadente.<o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal"><span style="font-family: Arial, sans-serif;"> Havia espírito de protesto, de provocação. Muitos manifestos “dada” proclamavam a espontaneidade, a liberdade e a anarquia. Este movimento agitou pelo absurdo, pela ironia, pelo sarcasmo, um certo número de hábitos e de ideias preconcebidas, e suscitou algumas modificações radicais na arte e na estética.<o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal"><span style="font-family: Arial, sans-serif;"> A obra de M.D. compreende três dimensões: produção de sentidos, material do quotidiano, relação com o observador. Isola os objetos do seu contexto familiar, da sua função originária e recontextualiza-os, transformando-os noutra coisa . É sempre possível fazer uma nova interpretação das suas obras. Ele utiliza o título que joga com o próprio objeto – o urinol passou a ser chamado “ A fonte ” e tem a particularidade de ser um objeto que enquanto fonte, o seu jato de água tem o trajeto de dentro para fora e como urinol recebe o líquido num trajeto oposto. Na revista “The Blind Man” de 1917, M.D. escrevia que Mutt (assinatura da fonte) escolhera a “fonte” , tendo desaparecido o seu sentido utilitário, e que havia criado um pensamento novo para este objeto . Que Mutt tenha feito com as suas mãos o objeto, não tem importância. A obra só se completa com o espectador, realiza-se através da relação deste com o objeto. O espectador participa da obra e cria sentidos.<o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal"><span style="font-family: Arial, sans-serif;"> M.D. reunia os objetos que considerava significativos. Descontextualizando os objetos e assim fazendo criar neles novos sentidos, produz-se um efeito de instabilidade semântica, fazendo com que o objeto seja e ao mesmo tempo não seja o que parece ser, e há produção de uma série de processos mentais de memória e esquecimento. Os elementos da realidade física são apropriados e usados como material para a arte. São usados materiais provenientes de fora dos materiais tradicionais artísticos e são usados como um dos elementos do conteúdo; são manipulados como se fossem significados. Há procedimentos de construção que não cabem no princípio de organização tradicional, ou seja, na “Gestalt”. Há abandono do princípio da composição. O princípio organizativo dos elementos é a materialização de uma ideia. O sentido destas obras não está localizado no objeto para ser descoberto pelo espectador, é produzido no encontro entre este e a obra. Não têm sentido fixo, têm instabilidade de evocações que são produzidas quando são observadas; são obras “abertas”. Abalam qualquer princípio de identidade, podem ser uma coisa e outra coisa ao mesmo tempo – “são máquinas celibatárias que pedem alguém que as complete”, como diz Gilles Deleuze. Estes objetos desafiam, inquietam, e estão de acordo com Fernando Pessoa quando diz que o espectador é tão autor da obra como o próprio autor.<o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal"><span style="font-family: Arial, sans-serif;"> </span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, sans-serif;">M. Duchamp</span><span style="font-family: Arial, sans-serif;"> não pretendia impor uma nova linguagem revolucionária, mas propor uma atitude de espírito. <o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, sans-serif;">M. Duchamp</span><span style="font-family: Arial, sans-serif;">. : “não acredito na função criativa do artista. Este é um homem como qualquer outro, a sua ocupação é fazer certas coisas. A palavra “arte” vem do sânscrito, significa “fazer”. Toda a gente faz alguma coisa e aqueles que fazem coisas sobre uma tela com uma moldura são chamados artistas. Antigamente eram nomeados por uma palavra que eu prefiro: artesãos. Somos todos artesãos ”.<o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal"><span style="font-family: Arial, sans-serif;"> Não se reproduz o real, é um trabalho com fragmentos da realidade, toma uma posição na própria construção da realidade. Não são janelas sobre o mundo, ou espelhos do mundo , são partes do mundo, acrescentam ao mundo. Na relação do espectador com a obra, o recetor participa na criação da obra. A arte é uma coisa que acontece entre espectador participante e um conjunto de estímulos que age sobre ele.<o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal"><span style="font-family: Arial, sans-serif;"> Foi cartoonista e vendeu desenhos humorísticos , na maior parte dos casos provocadores e baseando-se muitas vezes em trocadilhos verbais e visuais. No início dos anos 60 tornou-se uma personalidade influente no mundo da arte. Alguns artistas recusavam-se a aceitar a sua obra incondicionalmente, como foi o caso de Joseph Beuys que afirmou que o silêncio de </span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, sans-serif;"> Duchamp</span><span style="font-family: Arial, sans-serif;"> era sobrestimado. Duchamp manteve durante toda a vida a atitude de não comentar as interpretações dadas à sua arte.<o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal"><span style="font-family: Arial, sans-serif;"> </span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, sans-serif;"> Duchamp</span><span style="font-family: Arial, sans-serif;"> pode considerar-se como tendo provocado a rotura modernista no início do séc. Ele desmaterializa a obra, todo o universo que a envolve. Faz centrar a discussão sobre o processo e não sobre o resultado da obra. Entre 1914/16, há quatro operações de alteração no seu trabalho: mudar o objeto fazia mudar o estatuto do objeto e a sua perceção (colocá-lo num museu; torná-lo peça de museu) .<o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal"><span style="font-family: Arial, sans-serif;"> Rotação espacial do objeto (urinol invertido).<o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal"><span style="font-family: Arial, sans-serif;"> Alterações do sentido (o nome do objeto remete para outra significação do objeto). Mecanismo emissor ( em vez de recetor, passou a ser emissor do sentido).<o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal"><span style="font-family: Arial, sans-serif;"> O modo como a peça surge é definidor do sentido da peça.<o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal"><span style="font-family: Arial, sans-serif;"> A partir de 1918 preocupa-se com o movimento ligado à ocupação espacial. A vulgaridade do objeto é importante no processo.<o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal"><span style="font-family: Arial, sans-serif;"> </span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, sans-serif;">Duchamp</span><span style="font-family: Arial, sans-serif;"> substitui a questão do belo pela questão de ser ou não ser arte, colocada pela primeira vez no “Escorredor de Garrafas” . </span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, sans-serif;">Duchamp</span><span style="font-family: Arial, sans-serif;"> retira ao objeto a funcionalidade, a manufatura e a categoria de “belo”. Levanta a questão da permissividade – qualquer um “eventualmente” pode ser artista. M.D. nunca teve um trabalho sistemático, quis romper com a sistematização. O seu trabalho está todo interligado como uma teia. Há remissões e ligações de peça para peça . </span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, sans-serif;">Duchamp</span><span style="font-family: Arial, sans-serif;"> nunca passou para o estatuto do ato criativo, apenas se importou com o estatuto do objeto. <o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal"><span style="font-family: Arial, sans-serif;"> Na “Crítica da Faculdade de julgar”, Kant dizia que um juízo de gosto pode ser discutido porque existe em nós uma espécie de apetência para o “bom senso”. O sentido comum a que chegamos é o cimento da sociedade, isto é que liga as comunidades humanas. Esta interpretação de Kant permitiu a Shiller escrever as “Cartas para a educação da humanidade” e dizer que nós precisamos de uma sociedade que seja muito mais sedimentada numa educação estética, porque na educação estética existe uma espécie de tensão com tendência para o diálogo e também para o sentido comum para determinar a sua atividade. O problema posto com </span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, sans-serif;">Duchamp</span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, sans-serif;">, é que este divorcia a prática artística desta tentativa de encontro de um sentido comum, que era um dos fundamentos da estética da modernidade.</span></div><div class="MsoNormal"><span style="font-family: Arial, sans-serif;"> A aquisição da modernidade é posta pelo problema da transformação do representativo da obra, num problema referencial. As obras já não representam, mas presentificam. Presentificando têm universos de referência.<o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal"><span style="font-family: Arial, sans-serif;"> A “fonte” foi proposto como objeto artístico mas ao mesmo tempo era um objeto encontrado e transformado pela posição em que era apresentado e assinado como R. Mutt, havendo a hipótese de este ser o nome da firma que tinha fabricado a peça . O trabalho foi recusado e ficou levantada a questão da fronteira entre aquilo que é arte e o que não o é . O problema que </span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, sans-serif;">Duchamp</span><span style="font-family: Arial, sans-serif;"> levantou foi o do estatuto negocial da arte; a arte não é algo colado aos objetos, não é uma essência interna dos objetos, mas é um estatuto negocial que determinado tipo de objetos tem em determinadas circunstâncias. Esse estatuto negocial que ele desnudou apresentando o urinol, de algum modo inicia um processo de separação, por um lado do universo da estética e por outro lado do universo da arte. Em relação a este objeto a única pergunta que não era admissível era sobre o juízo de gosto. Era uma pergunta sem sentido porque ele estava a cumprir num determinado momento um determinado papel na própria negociação do estatuto daquele objeto . Há pela primeira vez um divórcio entre o universo da estética e o universo da arte.<o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal"><span style="font-family: Arial, sans-serif;"> “Desde que os generais já não morrem a cavalo, os pintores já não são obrigados a morrer nos seus cavaletes” . <o:p></o:p></span></div></div><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhugEjiueM2LOXBcD6uE7opXZCRh3PTjuzEi0NsmLzrqFwX9-R2prYhYgeTHHD0CEjDf1Xaj1gunHM28sDPc0axXY5Ltth_Z71XHOHusq6HSc9K4QOrTgVHvNSw44rFcIgQ4qGNBc7GXKg/s1600/MarcelDuchamp-Sadyoungmaninatrain.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhugEjiueM2LOXBcD6uE7opXZCRh3PTjuzEi0NsmLzrqFwX9-R2prYhYgeTHHD0CEjDf1Xaj1gunHM28sDPc0axXY5Ltth_Z71XHOHusq6HSc9K4QOrTgVHvNSw44rFcIgQ4qGNBc7GXKg/s1600/MarcelDuchamp-Sadyoungmaninatrain.jpg" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">"Jovem triste num combóio" - 1911</td></tr>
</tbody></table><div class="MsoNormal"><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, sans-serif;">“<u>Jovem Triste num Combóio</u>” – 1911, autorretrato, a silhueta é uma espécie de decomposição formal, um corte com lamelas que se sucedem paralelamente e que deformam o objeto. Há a ideia de movimento do combóio e do homem que está num corredor e que se desloca; a deformação é por </span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, sans-serif;">Duchamp </span><span style="font-family: Arial, sans-serif;">chamada de paralelismo elementar. Esta obra mostra já a intenção de introduzir os jogos de palavras : triste, train. O espaço resulta da interseção dos movimentos do combóio e da figura.<o:p></o:p></span></div></div><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgOyqmhFJ31Vu1VfE__BxcASrQchMsyrQzY-HrimgsA-Cqrx6VE1ixSAuOWpQKGrMpUK584PdLWQNJWPsaBvzvGZ-KxC9FjwxUUlGMNhJaey_iqoVWuj9lAPEhZ7En5X5-mIbUElJSzaec/s1600/Duchamp_-_Nude_Descending_a_Staircase.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgOyqmhFJ31Vu1VfE__BxcASrQchMsyrQzY-HrimgsA-Cqrx6VE1ixSAuOWpQKGrMpUK584PdLWQNJWPsaBvzvGZ-KxC9FjwxUUlGMNhJaey_iqoVWuj9lAPEhZ7En5X5-mIbUElJSzaec/s640/Duchamp_-_Nude_Descending_a_Staircase.jpg" width="385" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">"Nu descendo as escadas" - 1912</td></tr>
</tbody></table><div class="MsoNormal"><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, sans-serif;">“<u>Nu descendo as Escadas</u>”—1912 Nesta obra queria criar uma imagem estática de movimento . É uma abstração , uma dedução articulada no interior da pintura, sem que se saiba se uma personagem real desce ou não uma escada igualmente real. No fundo, o movimento é o olho do espectador que o incorpora ao quadro. A pintura tem a influência da cronofotografia ; os diferentes movimentos são indicados com um sistema de pontilhados. O “Nu ... “ foi recusado no Salão dos Independentes de 1912 . Impuseram-lhe a mudança de título como condição para a admissão da pintura.<o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, sans-serif;"> Quando terminou esta obra fez “Moinho de Café” que antecipa os seus desenhos mecânicos.<o:p></o:p></span></div></div><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgFhQlFc3XEUGShXp7SyXL_0Knr4Z4xUWyjKUeZNCQT2Lq76j7O-P7-fOOtKjbnPx4R2CgZBu5mwZd0iluImgBeRRQYhf9lC6uJ6YOEI88gOgCQHxIN906Sh4P1LTZ4Bg37Tg1Mj4Nk-1o/s1600/Anoiva.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgFhQlFc3XEUGShXp7SyXL_0Knr4Z4xUWyjKUeZNCQT2Lq76j7O-P7-fOOtKjbnPx4R2CgZBu5mwZd0iluImgBeRRQYhf9lC6uJ6YOEI88gOgCQHxIN906Sh4P1LTZ4Bg37Tg1Mj4Nk-1o/s640/Anoiva.jpg" width="377" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">"Noiva" - 1912</td></tr>
</tbody></table><div class="MsoNormal"></div><div class="MsoNormal"><br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, sans-serif;">“<u>Noiva</u>” – 1912 O esboço preliminar de “A Noiva Despida pelos Celibatários”, mostra uma figura no centro a ser atacada por duas outras figuras. As linhas sugerem um movimento agressivo. M.D. explorou a ideia de virgem em dois desenhos que ele transformou na pintura “A Passagem de virgem a Noiva” – Combinação de formas viscerais e mecânicas.</span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, sans-serif;">No período de 12/13, fez , entre outros, a Virgem nº1 e a Virgem nº2, a Passagem da Virgem à Noiva, o primeiro estudo para a Noiva ..., as primeiras pesquisas para a Máquina Celibatária, o primeiro projeto para o Grande Vidro. A Máquina Celibatária tem sistema de medida e cálculo no espaço, que passou a ter uma importância cada vez maior na sua obra.<o:p></o:p></span></div></div><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjk_Jf2DSvuMbC5tLe4DibYJyCUsWUwGYp1HBNiClla7GHcuqMoF5OTWEbi_3t6iRhyphenhyphenXbZ24YHI_ctYU_qqXb-xNaJ7ogkSxquQF0Eiw3-W7LpwGHwL2zAqxrl-nPiAlsbtnv3FOU_y0Tg/s1600/Rodadebicicleta.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjk_Jf2DSvuMbC5tLe4DibYJyCUsWUwGYp1HBNiClla7GHcuqMoF5OTWEbi_3t6iRhyphenhyphenXbZ24YHI_ctYU_qqXb-xNaJ7ogkSxquQF0Eiw3-W7LpwGHwL2zAqxrl-nPiAlsbtnv3FOU_y0Tg/s400/Rodadebicicleta.jpg" width="266" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">"Roda de bicicleta" - 1913</td></tr>
</tbody></table><div class="MsoNormal"><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, sans-serif;">Duchamp</span><span style="font-family: Arial, sans-serif;"> a partir de 1913, com a “Roda de Bicicleta” desloca a crítica da pintura e da imagem para a crítica do próprio objeto artístico, através dos jogos de palavras e da invenção do ready-made . Uns e outros, frequentemente associados, constituem uma rutura com os meios convencionais da produção artística. A procura de referências extrapictóricas, como as linguísticas e os objetos já feitos, envolve uma negação e uma afirmação. A ambiguidade é a essência do gesto do artista. Uma tal operação implica uma crítica radical à conflitualidade entre sujeito e objeto. Converte os meios de comunicação urbana, a linguagem verbal e objectual, em agentes de não significação para os investir de um estatuto artístico. Ainda é vulgar associar o ready-made à chamada morte da arte ou à antiarte. </span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, sans-serif;">Duchamp</span><span style="font-family: Arial, sans-serif;"> prefere chamar-lhe “ an-artístico”, por oposição à classificação da arte em géneros. Para D., o ready-made é uma confluência de circunstâncias só aplicáveis a um único caso e ocasião, a fim de neutralizar a repetitividade situacionista do gosto. Daí a sua insistência nos critérios de indiferenciação estética que orientariam as escolhas dos ready-mades. A palavra ready-made que significa « já acabado » surge em 1915, quando </span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, sans-serif;">Duchamp</span><span style="font-family: Arial, sans-serif;"> foi para os E.U.<o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, sans-serif;"> A escolha do ready-made tinha a ver com a indiferença, com a ausência de emoção estética, porque o gosto para </span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, sans-serif;">Duchamp</span><span style="font-family: Arial, sans-serif;"> era um hábito, a repetição de uma coisa já aceite. O seu primeiro ready-made americano chama-se “Em antecipação do Braço Partido”—Pá para neve (1915).<o:p></o:p></span><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"></div><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhOJu3i3GHaDS5Rpe9wsE0VYP0k_R-SAQVfiTcAM7OPs2EDDbwLQz_sY_HCK2soGaoZ78DfLLrjdB65uwU-zXbPVDjv5qlBDIG512nBpTNbsFWxA7gRllgu-dnPNoTRZYniIVSG9f7Yvak/s1600/mai8_2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhOJu3i3GHaDS5Rpe9wsE0VYP0k_R-SAQVfiTcAM7OPs2EDDbwLQz_sY_HCK2soGaoZ78DfLLrjdB65uwU-zXbPVDjv5qlBDIG512nBpTNbsFWxA7gRllgu-dnPNoTRZYniIVSG9f7Yvak/s400/mai8_2.jpg" width="300" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, sans-serif;"><span class="Apple-style-span" style="font-size: x-small;">“Em antecipação do Braço Partido” - 1915</span></span></td></tr>
</tbody></table></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, sans-serif;"> “O artista só existe se for conhecido. Dou tanta importância àquele que olha a obra como àquele que a faz”. Ele nomeava as suas obras de “coisas”. Distância em relação à sua própria obra. Condição essencial para o seu desejo de uma total liberdade individual. Segundo Walter Benjamin o conhecimento é um processo mecânico e anula a distância. As obras de arte têm uma “aura” particular que vive da distância.</span><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj2n9UGuIs11BhMrx9vNNnOwPojumAGHnIAeyKBKnF-qvuoDmAFgivGLAz1ro-rxM4Urepk-ysq-hNWsREALDIo-pd7wPkPUu6Fp_wy9WshlIdWgDpiRY63HLXlY-5WOUlE1qfLsadwkLA/s1600/Marcel+Duchamp%252C+Air+de+Paris%252C+1919+%25281964+version%2529.+Glass+and+wood%252C+14.5+x+8.5+x+8.5+cm..jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj2n9UGuIs11BhMrx9vNNnOwPojumAGHnIAeyKBKnF-qvuoDmAFgivGLAz1ro-rxM4Urepk-ysq-hNWsREALDIo-pd7wPkPUu6Fp_wy9WshlIdWgDpiRY63HLXlY-5WOUlE1qfLsadwkLA/s320/Marcel+Duchamp%252C+Air+de+Paris%252C+1919+%25281964+version%2529.+Glass+and+wood%252C+14.5+x+8.5+x+8.5+cm..jpg" width="298" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">"50 cc de ar de Paris"</td></tr>
</tbody></table><span style="font-family: Arial, sans-serif;"><br />
</span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, sans-serif;">Ao chegar a N.Y., </span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, sans-serif;">Duchamp</span><span style="font-family: Arial, sans-serif;">. levava um balão de vidro a que chamou “50cm de Ar de Paris”. O ar de Paris só tem significado fora de Paris. </span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, sans-serif;">Duchamp</span><span style="font-family: Arial, sans-serif;"> fez um presente para Walter Arensberg que consistia numa ampola de vidro que tinha contido um remédio e tinha sido aberto, para lhe ser retirado o líquido. Esta foi depois reparada por um farmacêutico de paris, pelo que o seu conteúdo passou a ser ar de Paris . <o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, sans-serif;"> Alguns dos primeiros ready-mades em 1916 foram exibidos pendurados no bengaleiro da galeria de arte, criando-se assim uma associação destes à ideia de roupas e corpos, assim como à noiva suspensa. Fotos do estúdio mostram alguns dos ready-mades suspensos do teto, pregados ao chão ou colocados num canto.<o:p></o:p></span></div></div><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhs5xCSzmojc-NoPHCLHKiUuU4zsx_ChiHo8Es2TcI03WrBKKAk36HxnYnPulRChKpBMqwS5rRhkK3xUVZchY_3omXhbX7KQ0HuF5hmKZdtTtByU5k2jHKmUiVHlGvqlNjtE1Rk44EGgbo/s1600/escorredor+de+garrafas.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhs5xCSzmojc-NoPHCLHKiUuU4zsx_ChiHo8Es2TcI03WrBKKAk36HxnYnPulRChKpBMqwS5rRhkK3xUVZchY_3omXhbX7KQ0HuF5hmKZdtTtByU5k2jHKmUiVHlGvqlNjtE1Rk44EGgbo/s320/escorredor+de+garrafas.jpg" width="235" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">"Suporte de garrafas"</td></tr>
</tbody></table><div class="MsoNormal"><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, sans-serif;">“<u>Suporte de Garrafas</u>” (original desaparecido) – opera no espaço apenas. É colocado na sua posição normal, só o lugar muda.<o:p></o:p></span></div></div><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhZVE4fyMG5avkMCm3qIoVmB83VQvyFuibE3nJDbVImtYSiVNm7D5zvnNW8VURsZoqWaNtL7pBK454oKO6LCFwlmnU3whuxLXQIbFJqlA3xVsOSNK9jMiovM1KkHf2FizuiKGoJR1FSZ1Q/s1600/Barulhosecreto.bmp" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhZVE4fyMG5avkMCm3qIoVmB83VQvyFuibE3nJDbVImtYSiVNm7D5zvnNW8VURsZoqWaNtL7pBK454oKO6LCFwlmnU3whuxLXQIbFJqlA3xVsOSNK9jMiovM1KkHf2FizuiKGoJR1FSZ1Q/s320/Barulhosecreto.bmp" width="290" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Barulho secreto - 1916</td></tr>
</tbody></table><div class="MsoNormal"></div><div class="MsoNormal"><br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, sans-serif;">“<u>Com Barulho Secreto</u>”—1916 Consiste num novelo de cordel apertado entre duas chapas. Dentro do novelo Walter Arensberg pôs um objeto desconhecido para Duchamp, que por sua vez inscreveu nas chapas de latão duas frases cujo sentido foi ocultado a Arensberg através da supressão de letras. O objeto chocalha , mas permanece secreto.</span></div></div><div class="MsoNormal"><u><span style="font-family: Arial, sans-serif; font-size: 12pt;">Cabide </span></u><span style="font-family: Arial, sans-serif; font-size: 12pt;"> “<u>Armadilha</u>” – 1917 Colocado no chão torna-se objeto perigoso .</span></div><div class="MsoNormal"><br />
</div><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi5ECq5WuneYvoxoqDC6LTceXO0RFi3zE0h80R0RHzjfvuLjmgLkZtkq8w8w3vmvKPVytovrHcGsN5q55BGFl9bGaupr8LdrKIQrIWyAN-4tXfhh_w0xYa-aXascRYx22HikCvVKW57_X8/s1600/Duchamp_Fountaine--.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="277" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi5ECq5WuneYvoxoqDC6LTceXO0RFi3zE0h80R0RHzjfvuLjmgLkZtkq8w8w3vmvKPVytovrHcGsN5q55BGFl9bGaupr8LdrKIQrIWyAN-4tXfhh_w0xYa-aXascRYx22HikCvVKW57_X8/s320/Duchamp_Fountaine--.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">"A Fonte" - 1917 </td></tr>
</tbody></table><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, sans-serif;">“<u>A Fonte</u>” – 1917 Foi colocada sobre o lado plano. A assinatura “R. Mutt” foi inspirada em Mutt e Jeff, personagens de histórias aos quadradinhos. M.D. poderia estar a jogar com o nome da empresa onde comprou o urinol, a “Mott Works” alterando ligeiramente a ortografia. A peça nem foi mencionada no catálogo da exposição. A foto da “Fonte” saiu na revista “The Blind Man” (publicada por M.D.entre outros) , onde o caso “R. Mutt” foi defendido : A “Fonte”do Sr. R.Mutt não é imoral, é absurda, tem tanto de imoral como uma <o:p></o:p></span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, sans-serif;">banheira. É um objeto que se vê todos os dias nas montras dos canalizadores. Se o Sr. Mutt fez a “Fonte” com as suas próprias mãos ou não, isso não tem qualquer importância. Ele escolheu-a . Pegou num artigo corrente do quotidiano , colocou-o de forma que faz desaparecer o significado utilitário sob o novo título e ponto de vista --- deu-lhe um novo sentido.</span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"> <span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, sans-serif;">A América estava avançada nas canalizações e no princípio do século o canalizador era uma figura que aparecia com frequência na B.D. americana. A “Fonte” integra a oposição entre os líquidos fontanários e os líquidos urinários, entre aquilo que o corpo expele e aquilo que o corpo ingere.</span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, sans-serif;"> Por volta de 1920, os readymades tornaram-se mais complicados. Em vez de comprar objetos manufaturados para os rotular e assinar, D. passou a fazer ou a mandar fazer várias construções e montagens.<o:p></o:p></span></div><br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj-62B8oXUX4asz5svucYB_SvQkwYKh49FRWas4cnkHps0fCYkWyMmqviBWoOkuKjyoKqONlFdgDJaWkQK86kESQFATRAQ5t7g-7gZAQ4l0ZUXkEkZjma21VfGegXx0hmntN7siL1998Aw/s1600/freshwidow.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj-62B8oXUX4asz5svucYB_SvQkwYKh49FRWas4cnkHps0fCYkWyMmqviBWoOkuKjyoKqONlFdgDJaWkQK86kESQFATRAQ5t7g-7gZAQ4l0ZUXkEkZjma21VfGegXx0hmntN7siL1998Aw/s320/freshwidow.jpg" width="240" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-size: x-small;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, sans-serif;">“</span><span style="font-family: Arial, sans-serif; text-align: justify;">Fresh widow</span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, sans-serif; text-align: justify;">” – 1920</span></span></td></tr>
</tbody></table><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, sans-serif;">“<u>Fresh widow</u>” – 1920 a janela é vista como uma máquina no sentido de ser acionada por nós, ao abrir e fechar. Aqui há um conceito de máquina que funciona sem propósito, sem função de abrir ou de se ver através dos vidros . os vidros são cobertos de couro negro e deveriam ser engraxados todas as manhãs, para brilharem como vidros. Através de “Fresh widow” não é possível ver mais do que nada. A consciência da obscuridade é a condição do desejo de ver mais além da visão ocular ou do vidro transparente. O desejo é apenas uma questão de ótica; aquilo que vemos é a imagem do nosso desejo. “Viuva de Fresco” era um pequeno modelo do que os americanos chamavam “French Window” – (janela à francesa). Foi o primeiro trabalho que D. assinou com o seu segundo “eu” feminino , “Rrose Sélavy”, que ele tinha inventado em N.Yorque em 1920 .<o:p></o:p></span></div><br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjK7bnK46e_VKY_oreUUBwnsqTISYjf4vROPRcZqm1snDGCaYFNLRk4g1q_HKvXX9p6cZh5yxvK7OME5ptJbgMDCsV80Sd_OkGbR3X0RZ25ZA7o6UGiC_kfvyNA6pxsBMn3sXznkUpSCP8/s1600/marcel-duchamp-como-rrose-selavy-foto-man-ray-1920.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjK7bnK46e_VKY_oreUUBwnsqTISYjf4vROPRcZqm1snDGCaYFNLRk4g1q_HKvXX9p6cZh5yxvK7OME5ptJbgMDCsV80Sd_OkGbR3X0RZ25ZA7o6UGiC_kfvyNA6pxsBMn3sXznkUpSCP8/s400/marcel-duchamp-como-rrose-selavy-foto-man-ray-1920.jpg" width="312" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-size: x-small;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, sans-serif;">“</span><u style="font-family: Arial, sans-serif; text-align: justify;">Rrose Sélavy</u><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, sans-serif; text-align: justify;">”—1920</span></span></td></tr>
</tbody></table><div class="MsoNormal"><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, sans-serif;">“<u>Rrose Sélavy</u>”—(1920) é e não é o próprio Duchamp. Além de simbolizar a reversibilidade dos sexos, R.S. tem vida própria. Existe na sua própria imagem à semelhança da “vamp” do cinema, vestindo-lhe a pose fatal, é autora de obras como “ Fresh widow”, e o seu nome aparece num falso cartaz de aviso de procura. Mas as fotos de identificação, uma de frente e outra perfil, nele coladas, são de M.D.. A obra à procura do seu autor.<o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, sans-serif;"> Rrose é anagrama de eros. Ligou o travesti ao erotismo, o qual se liga à sua obra, de um modo geral. <o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, sans-serif;"> Em entrevista a Pierre Cabanne , disse: “Eu desejava mudar a minha identidade e primeiramente pensei adotar um nome judeu. Eu era católico, e esta passagem de uma religião para outra já significava uma mudança. Mas não encontrei nenhum nome judeu de que gostasse ou que despertasse a minha fantasia, e de repente tive uma ideia : Por que não mudar de sexo ? Era muito mais fácil ! E foi assim que surgiu o nome “Rrose Sélavy”. O nome tem a ver com o jogo de palavras “Eros c’est la vie”(Eros é a vida) ou “arroser la vie” (beber à vida).<o:p></o:p></span></div></div><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgfYOgz3EiM3zhg3Hd2f2nNrPfDnnQLWZUIELR5D4g-31la3adq8h0rPU8vTrkcOgQdO-PQmnHXirDCApX3Edp9PVc2-LTB5ajXwqjO1NX-HmKWcqsTnzKyIfiEh1LrHMnC7RZ6IQJOFkM/s1600/Porque+n%25C3%25A3o+espirrar+Rrose+S%25C3%25A9lavy.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgfYOgz3EiM3zhg3Hd2f2nNrPfDnnQLWZUIELR5D4g-31la3adq8h0rPU8vTrkcOgQdO-PQmnHXirDCApX3Edp9PVc2-LTB5ajXwqjO1NX-HmKWcqsTnzKyIfiEh1LrHMnC7RZ6IQJOFkM/s1600/Porque+n%25C3%25A3o+espirrar+Rrose+S%25C3%25A9lavy.jpg" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-size: x-small;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, sans-serif;">“</span><span style="font-family: Arial, sans-serif; text-align: justify;">Porque não espirrar Rrose Sélavy?</span></span></td></tr>
</tbody></table><div class="MsoNormal"><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, sans-serif;">“<u>Porque não espirrar Rrose Sélavy?</u> – Readymade com cubos de mármore no formato de cubos de açucar, com um termómetro e um osso de choco dentro duma gaiola.<o:p></o:p></span></div></div><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiReBXaVSO6NXBB-XoVsWWWzm2xYYdKCywQpgXPTRO7ZgmH7OrLqX4hwdW8PfY5PG1lp-3V-rh6wFiTlpmDQa2j_iVNqqB3sVAwWBbOCSzGIn7Es4bXynjJSuCekVVKh1dCgzgRpEmAaNc/s1600/250px-duchamp_plaques.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiReBXaVSO6NXBB-XoVsWWWzm2xYYdKCywQpgXPTRO7ZgmH7OrLqX4hwdW8PfY5PG1lp-3V-rh6wFiTlpmDQa2j_iVNqqB3sVAwWBbOCSzGIn7Es4bXynjJSuCekVVKh1dCgzgRpEmAaNc/s400/250px-duchamp_plaques.jpg" width="305" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-size: x-small;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, sans-serif;">“</span><span style="font-family: Arial, sans-serif; text-align: justify;">Chapas Rotativas de Vidro</span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, sans-serif; text-align: justify;">” – 1920</span></span></td></tr>
</tbody></table><div class="MsoNormal"><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, sans-serif;">“<u>Chapas Rotativas de Vidro</u>” (Ótica de Precisão) – 1920 Cinco chapas de vidro pintadas que rodam em volta de um eixo metálico parecendo ser um simples círculo quando vistas à distância de um metro.<o:p></o:p></span></div></div><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgu_B3B3NnYONq-QrKAho8DNZ6QHHFWgTCY80YVDlpJTsxCWz_6bJEhsZSzhgRGsyUlAUgDAGMwJREFDj95Ope2gEo-zWXiYigFQ35ksVbSlXmygLf4fpBDG_U9-dE5BvK3LXWjKAAl30U/s1600/marcel+duchamp+o+grande+vidro.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgu_B3B3NnYONq-QrKAho8DNZ6QHHFWgTCY80YVDlpJTsxCWz_6bJEhsZSzhgRGsyUlAUgDAGMwJREFDj95Ope2gEo-zWXiYigFQ35ksVbSlXmygLf4fpBDG_U9-dE5BvK3LXWjKAAl30U/s400/marcel+duchamp+o+grande+vidro.jpg" width="260" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">"O Grande Vidro" - 1915/23</td></tr>
</tbody></table><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, sans-serif;"><br />
</span><div class="MsoNormal"><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, sans-serif;">“<u>O Grande Vidro</u>” – 1915/23 – O vidro interessava-me como suporte pela transparência; a cor, que é visível do outro lado, perde a possibilidade de se oxidar. A perspetiva para mim é importante; é uma perspetiva matemática, científica, baseada em cálculos e dimensões.</span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, sans-serif;">Está dividido em dois domínios, separados pela linha do horizonte : o da Noiva, em cima, o dos solteiros, em baixo. A noiva é autossuficiente porque está munida dum “motor-desejante”. Os solteiros são sombras e reflexos de cima, dependem da Noiva, pois é esta que lhes excita o destino do “desejo atormentado” do seu “motor de explosão”, acionado por uma energia de origem desconhecida como a água e o gás de iluminação. O domínio da noiva é bidimensional tem a indeterminação de dimensão e as formas livres da ideia duma quarta dimensão luminosa, mas desconhecida . O movimento dos Solteiros é de eterno retorno, “num movimento de sobressalto” do vaivém do “Glissière” com moinho de água movido por uma cascata invisível . A Noiva é aparição. Os Solteiros são formas vazias , nove moldes machos, que na sua ânsia de visão da Noiva disparavam nove tiros óticos sobre ela. Mas estes não atingem a Noiva e os Solteiros apenas têm acesso mental a este instante do seu desnudamento . A obra tem o subtítulo irónico de “demora em vidro” .<o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, sans-serif;"> O “Grande Vidro” é um paradigma da noção de obra do seu autor, da obra enquanto “ideia de fabricação dum universo infinito. O seu início é indeterminado e ambíguo, pois é composto pela obra propriamente dita e pelas notas que a antecederam e acompanharam a realização física do objeto , reunidas na “Boîte Verte” . São duas obras independentes que entre si estabelecem relações de mútuas interferências, numa pluralidade de sentidos, a evitar o discurso centrado e a progressão para um sentido lógico terminal. Por outro lado, as notas de “Boîte Verte” além de contraditórias estão reunidas ao acaso e sem sequência cronológica. A obra “definitivamente inacabada” é então um conjunto simultaneamente disperso e coeso de instantes, onde cada instante é definitivo, quer em relação àqueles que o precederam quer em relação àqueles que se lhe sucederam, numa relação incontornável de reenvios . O próprio D. afirmaria que o criador não tem controle total sobre o processo criativo em desenvolvimento. Durante o ato da criação, o artista vai da intenção à realização, passando por um meandro de reações totalmente subjetivas. A luta em direção à realização é uma série de esforços, de angústias, de satisfações, de rejeições, de decisões, que não podem nem devem ser totalmente conscientes, pelo menos no plano estético. O resultado desta luta é uma diferença entre a intenção e a sua realização, diferença da qual o artista não é de modo nenhum consciente. A obra é pois um aparato de signos que só o observador pode pôr em movimento. Daí a célebre afirmação de D. : “O espectador é quem faz a obra”. Durante 1913 começou a trabalhar nos primeiros verdadeiros planos para o “Grande Vidro”. Eram esquemas cheios de números e linhas que lembram desenhos mecânicos e planos de arquitetura. De forma intermitente trabalhou esta obra até 1923. Em 1915 comprou a chapa retangular de vidro deitou-a horizontalmente sobre suportes de madeira e começou a marcar as silhuetas das imagens mecânicas e dos objetos que ele tinha desenhado para a peça. A figura da noiva foi a primeira. <o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, sans-serif;"> Definiu os contornos com arame de chumbo que fixou com verniz ao vidro pelo lado de trás. Ele trabalhava apenas a superfície do reverso do vidro, partindo do princípio que deveria ser visto pelo lado liso.<o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, sans-serif;"> Vários escritores foram de especial importância, nomeadamente os que tinham começado a fazer experiências de linguagem. </span><span lang="EN-GB" style="font-family: Arial, sans-serif;">Raymond Roussel (poeta, ator, dândi) . </span><span style="font-family: Arial, sans-serif;">Nos seus livros usou o método de livre associação. M.D. admirava-o porque ele produzia coisas que ele nunca tinha visto antes. Fundamentalmente, foi Roussel o responsável pelo seu vidro. Foi ao seu livro “Impressões de África” que foi buscar a inspiração.<o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, sans-serif;"> Materiais: óleo, verniz, folha de chumbo, fio de chumbo, pó, sobre dois painéis de vidro montados com molduras de alumínio, madeira e aço. Tem aproximadamente o tamanho de uma fachada de loja e refere a mudança da utilização do vidro e do metal na arquitetura da época. Os seus domínios superior e inferior estão separados através de um horizonte designado como as “as roupas da noiva”. A noiva está suspensa, talvez por uma corda numa gaiola isolada, ou crucificada . Os celibatários mantêm-se na zona inferior. Há similitude entre estes e as ilustrações dos catálogos de moda da época. Há uma correspondência decisiva entre as formas usadas por D. em “ 9 Moldes Málicos” e essas ilustrações dos princípios do séc. A noiva compõe-se de várias partes que se supõe trabalharem juntas como os componentes de um motor. Os três quadrados flutuantes foram concebidos com a ajuda de bocados de tecido de cortina que D. pendurou metro a metro sobre um radiador e que fotografou como modelos, e a que ele chamou “pistões de corrente de ar”. Os celibatários parecem artigos de vestuário pendurados. M.D. chama-lhes “Moldes Málicos”. Os cones estão coloridos pelo pó que se acumulou nas suas superfícies de vidro, durante os meses em que estiveram pousados no chão do seu estúdio . Uma foto de Man Ray documenta a “criação do pó”. O pó foi fixado com verniz. <o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, sans-serif;"> Para Duchamp a máquina celibatária é uma máquina que se move por si própria, sem propósito. Esta ideia é transmitida para o “Grande Vidro” e identifica essa máquina como um desejo . Uma máquina celibatária funciona movida por uma situação que a desperta.<o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, sans-serif;"> As especulações então iniciadas por M.D. sobre a Física, a Mecânica, a linguagem, as geometrias pluridimensionais e o xadrez constituem formas de configuração do interior das imagens reais. Trata-se de traçar as sucessivas regras de sucessivos jogos que esvaziam pela ironia e o aleatório, os sentidos lógico e científico atribuíveis a tais disciplinas de explicação regulada do mundo.<o:p></o:p></span></div></div><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgxxYLWhmPbPA2T_64LW0W8IZPwHfJLzBe-JpeUgT9M1jhWnAtkCgpaubscnPWZdRT0aphVzxjUWGPa49nn78KNYG3213RdvEIAN3fMG58kuWnL8uHIYX9MijmJyRcBG1ikNDZltL4B4Uk/s1600/trituradordechocolaten%25C2%25BA2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="294" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgxxYLWhmPbPA2T_64LW0W8IZPwHfJLzBe-JpeUgT9M1jhWnAtkCgpaubscnPWZdRT0aphVzxjUWGPa49nn78KNYG3213RdvEIAN3fMG58kuWnL8uHIYX9MijmJyRcBG1ikNDZltL4B4Uk/s320/trituradordechocolaten%25C2%25BA2.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-size: x-small;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, sans-serif;">“</span><span style="font-family: Arial, sans-serif; text-align: justify;">Triturador de chocolate,nº2</span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, sans-serif; text-align: justify;">” – 1914</span></span></td></tr>
</tbody></table><div class="MsoNormal"><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, sans-serif;">“<u>Triturador de chocolate,nº2</u>” – 1914 -- <o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, sans-serif;">M.D. diz que considera a pintura como um meio de expressão, entre outros, e não como um fim. Noutros termos, <i>“a pintura não deve ser exclusivamente visual ou retiniana. Por isso jogo xadrez. Encontrei pontos de semelhança entre a pintura e o xadrez. Quando se joga xadrez é como esboçar alguma coisa ou como construir a mecânica que fará perder ou ganhar.”<o:p></o:p></i></span></div></div><div class="MsoNormal"></div><div class="MsoNormal"><br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, sans-serif;">Em o “Grande Vidro” e “Etant_donnes” – espreitar por dois orifícios colocados à altura do olhar na porta fechada e corroída pela passagem do tempo. Em ambas as obras, trata-se de ver através da transparência do vidro.<o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, sans-serif;"> A cascata e o gás de iluminação e os dois símbolos tradicionais da água e do fogo, são signos persistentes no universo de D. , metáforas do conhecimento e da vitalidade.<o:p></o:p></span></div></div><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgjC5jGnkNSBd8BQu_Vn3BB8ZFjKfeb8-_anhtVJ0lV36uzouEZMdKebh6k9WsPUWpRL-Z-G3CcUrqsWL9_BcgNNlKzwsUpdL676NkztytRrSb6TeQDozDFz2DfWQrbfMCgnrBohoouLps/s1600/untitled.bmp" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgjC5jGnkNSBd8BQu_Vn3BB8ZFjKfeb8-_anhtVJ0lV36uzouEZMdKebh6k9WsPUWpRL-Z-G3CcUrqsWL9_BcgNNlKzwsUpdL676NkztytRrSb6TeQDozDFz2DfWQrbfMCgnrBohoouLps/s400/untitled.bmp" width="291" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, sans-serif;"><span class="Apple-style-span" style="font-size: x-small;">“Etant donnes” Interior da câmara para além da porta - 1946-1966</span></span></td></tr>
</tbody></table><div class="MsoNormal"><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, sans-serif; font-size: 12pt;"><a href="http://www.thesmartset.com/files/flash/Ideas/Idle_Chatter/ID_IC_MEIS_DUCHA/ID_IC_MEIS_DUCHA_FL_001.html"> “Étant donnés”</a> (Dados : 1-. Queda de água, 2 - Gás de iluminação) – Tem uma forte conotação sexual, servindo-se do erotismo como mecanismo, o qual utiliza de modo consciente. “Dados” é devolvida a quem a vê. Jean Paul Sartre, no seu livro “O Ser do Nada” diz que “no momento em que espreito por uma fechadura estou a ser apenas um olhar sobre o objeto que vejo. É uma maneira do sujeito se anular a si próprio. A quem está a ser observado está a ser roubada a liberdade. Os “Dados” coloca o problema de distância como estabelecimento de uma relação de fruição estética.</span><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhhIPxQOkgblk3dwHIAYC3n2cbdtYVH2K3s0p6GL1vfWOVc269Q6NdyAswa2vVnFX8Dl_JYKqBZK5iWfo0FsC3YU1ce5WUjwL5-dAXMXTQ_ZOESTF1H50A7Isqduz6hIMX4JM2aqs_igN8/s1600/%25C3%25A9tant-donn%25C3%25A9s-by-marcel-duchamp-1946-1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="255" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhhIPxQOkgblk3dwHIAYC3n2cbdtYVH2K3s0p6GL1vfWOVc269Q6NdyAswa2vVnFX8Dl_JYKqBZK5iWfo0FsC3YU1ce5WUjwL5-dAXMXTQ_ZOESTF1H50A7Isqduz6hIMX4JM2aqs_igN8/s320/%25C3%25A9tant-donn%25C3%25A9s-by-marcel-duchamp-1946-1.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, sans-serif; font-size: x-small;">“Etant donnes” - Porta exterior</span></td></tr>
</tbody></table><span style="font-family: Arial, sans-serif; font-size: 12pt;"><br />
</span><br />
<span style="font-family: Arial, sans-serif; font-size: 12pt;"> Ao espreitarmos pelo buraco da porta estamos presos numa armadilha psicológica. Ao olharmos pelo orifício passamos a funcionar como se o nosso destino fosse o nosso olhar; objectualizamos o que vemos e transformamo-nos também num objeto por estarmos também a ser observados. O que M.Duchamp faz é despoletar uma sensação contraditória, entre o domínio público e o privado. “Dados” afirma-se como uma exposição da diluição de fronteiras entre os vários géneros artísticos, ao combinar materiais ( velha porta de madeira, tijolos, ramos secos, veludo, pele, alumínio, linóleo, vidro, acrílico, lâmpadas normais, fluorescentes e de gás , motor e técnicas de expressão artística – cujo efeito visual global é o da instabilização das noções de “aqui” e “ali”, de “cima” e de “baixo” de “interior” e de “exterior” de “esquerda” e de “direita”. A própria obra de </span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, sans-serif; font-size: 16px;">Duchamp</span><span style="font-family: Arial, sans-serif; font-size: 12pt;"> afirma uma outra noção de obra, a de “Obra Aberta” , na expressão teórica posteriormente consagrada por Umberto Eco . Esta foi a última obra, arrastando-se por um período de vinte anos, e a sua existência só foi divulgada após a sua morte em 1968. O erotismo escondido do “Grande Vidro”, aqui se tornava em sexualidade aberta, e o observador seria de uma forma mais agressiva desafiado a abandonar o seu ponto de vista de recetor passivo. O corpo de mulher parece inchado, o cabelo sobre a cara esconde a sua identidade. Parece ter sido violada. Segura uma lanterna a gás acesa. O fundo tem paisagem com um curso de água que lembra a atmosfera de “Mona Lisa”. A figura feminina está coberta de couro fino para dar à pele uma aparência tão real quanto possível. No diorama o observador é surpreendido no papel de voyeur.</span><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEicxNce_-_nioqIyDe70YO9hx-x-PugOcT_3hdzQ3fZo0I6tHTuqhYR-VVh1ifgOf1V0uk7-XE3jxI1OiPA8E8COkIA7UuGS5eSA0VsDb33Tvj8KlS0fgixD3UEQ06OSs9KFROqYm2uZs0/s1600/image-baquie.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEicxNce_-_nioqIyDe70YO9hx-x-PugOcT_3hdzQ3fZo0I6tHTuqhYR-VVh1ifgOf1V0uk7-XE3jxI1OiPA8E8COkIA7UuGS5eSA0VsDb33Tvj8KlS0fgixD3UEQ06OSs9KFROqYm2uZs0/s320/image-baquie.jpg" width="252" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Esquema da obra de Duchamp "Étant Donnés"</td></tr>
</tbody></table><span style="font-family: Arial, sans-serif; font-size: 12pt;"><br />
</span></div></div><div class="MsoNormal"><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, sans-serif;"><br />
</span></div></div><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi_7rHa8I4c8R3ruS3_NepwYnENyX918qXZ15Hy6dyvt5eoIHPk76_UGB4KEihv1TKyanxyIMZq5mg4bjVnKrk9F1U1TpZjKRpL_vve0h5IQdCm94idD44TZI2GQRrS7zEPYYqNxDtalmM/s1600/marcel_duchamp_372x495%255B2%255D.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi_7rHa8I4c8R3ruS3_NepwYnENyX918qXZ15Hy6dyvt5eoIHPk76_UGB4KEihv1TKyanxyIMZq5mg4bjVnKrk9F1U1TpZjKRpL_vve0h5IQdCm94idD44TZI2GQRrS7zEPYYqNxDtalmM/s1600/marcel_duchamp_372x495%255B2%255D.jpg" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Marcel Duchamp - 1957</td></tr>
</tbody></table><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjER_8j9Xm30ScGxLMnKlBjLokDmNdFTCIfxmvrcNSU47wMUCmNdlL2kWTDiu7cKKZab5HsGZAbq16iMw-TwgCVdkljt1ZsEYvEe6Awea5hy8jCxp6ep_v4mmDG-ysHXA4EFvCGDu3Q7UM/s1600/Logo-AD-reduzido.bmp" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjER_8j9Xm30ScGxLMnKlBjLokDmNdFTCIfxmvrcNSU47wMUCmNdlL2kWTDiu7cKKZab5HsGZAbq16iMw-TwgCVdkljt1ZsEYvEe6Awea5hy8jCxp6ep_v4mmDG-ysHXA4EFvCGDu3Q7UM/s1600/Logo-AD-reduzido.bmp" /></a></div><div class="MsoNormal"><span style="font-family: Arial, sans-serif;"><br />
</span></div><br />
<br />
<br />
</div>António Damásiohttp://www.blogger.com/profile/08778327206941284777noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8171405610691890218.post-85535607081210354602011-11-14T16:08:00.000-08:002011-11-16T14:59:01.504-08:00MOVIMENTOS ARTÍSTICOS - SURREALISMO<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on"><div dir="rtl" style="text-align: justify;"><br />
<h1 dir="ltr" style="margin-left: 0cm; tab-stops: 16.0cm 460.7pt; text-align: justify;"><span class="Apple-style-span"><h1 style="font-family: Calibri; font-size: medium; font-weight: normal; margin-left: 0cm; text-align: justify;"><span style="font-family: Calibri; font-size: 12pt; font-weight: normal;"> </span></h1><div><div class="MsoNormal"><span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><span class="Apple-style-span" style="font-weight: normal;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Calibri, sans-serif;"> </span></span><b><span style="font-family: Calibri, sans-serif;">SURREALISMO</span></b></span></div><b><span style="font-family: Calibri, sans-serif; font-size: 12pt;"> </span></b> <br />
<div class="MsoNormal" style="font-family: Calibri; font-size: medium; font-weight: normal;"><span style="font-family: Arial, sans-serif;"> Com raízes profundas no dadaismo e na pintura metafísica, o surrealismo foi por excelência a corrente artística moderna da representação do irracional e do subcinsciente. <o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="font-family: Calibri; font-size: medium; font-weight: normal;"><span style="font-family: Arial, sans-serif;"> Considerado como um dos fundadores e principal expoente do surrealismo, André Breton influenciado pelas ideias de Freud, defendia uma arte em que era dado ao inconsciente o principal papel como forma de expressar a realidade subjetiva do artista.<o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="font-family: Calibri; font-size: medium; font-weight: normal;"><span style="font-family: Arial, sans-serif;"> A livre associação e a análise dos sonhos, métodos da psicanálise freudiana, foram a base dos procedimentos do surrealismo.<o:p></o:p></span><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjwiM9NVCUz6PBOowkX5t0oSjen2uegf0Oo7hDFZ7xE8GiYlaMZexNf0qOcheVL4pF_kA5dRxLQhGmgX2v8K0JRMmwBFL9JDloAgrQo1aLaVFfTfMYh4oizAw9VUq5biST5IsGukTtpl-k/s1600/200px-Sigmund_Freud_LIFE.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjwiM9NVCUz6PBOowkX5t0oSjen2uegf0Oo7hDFZ7xE8GiYlaMZexNf0qOcheVL4pF_kA5dRxLQhGmgX2v8K0JRMmwBFL9JDloAgrQo1aLaVFfTfMYh4oizAw9VUq5biST5IsGukTtpl-k/s400/200px-Sigmund_Freud_LIFE.jpg" width="281" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Sigmund Freud</td></tr>
</tbody></table><span style="font-family: Arial, sans-serif;"><br />
</span></div><div class="MsoNormal" style="font-family: Calibri; font-size: medium; font-weight: normal;"><span style="font-family: Arial, sans-serif;"> O primeiro manifesto surrealista foi escrito por Breton em 1924 dando a conhecer através dele uma nova maneira de compreender a “arte” baseada no “automatismo psíquico”, segundo o qual pretendia demonstrar um “estado puro” em que a transmissão verbal ou escrita ou por outro meio, do funcionamento do pensamento era feita sem controle da razão e desprovida de qualquer preocupação estética ou moral.<o:p></o:p></span><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi_KUrgsPn37zu3EK_wLFKHWY_JF121QyOsxFv-MOrEKk4e6jBt2C8LXtTjf7TdUGAVkG64F8LC4nXMQ2dupHcb7cGfVhdzGngSHyokw75lrRgwexR9Z6UUfo2dT1YFHI7uMEtnh6Du05k/s1600/andre-breton_28724t.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi_KUrgsPn37zu3EK_wLFKHWY_JF121QyOsxFv-MOrEKk4e6jBt2C8LXtTjf7TdUGAVkG64F8LC4nXMQ2dupHcb7cGfVhdzGngSHyokw75lrRgwexR9Z6UUfo2dT1YFHI7uMEtnh6Du05k/s400/andre-breton_28724t.jpg" width="318" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">André Breton</td></tr>
</tbody></table><span style="font-family: Arial, sans-serif;"><br />
</span></div><div class="MsoNormal" style="font-family: Calibri; font-size: medium; font-weight: normal;"><span style="font-family: Arial, sans-serif;"> Nele propõe o restauro dos sentimentos humanos e do instinto como ponto de partida para uma nova linguagem artística. Para tal o homem teria de ter uma visão totalmente introspetiva de si mesmo e encontrar um ponto onde as realidades internas e externas fossem percebidas de um modo totalmente isento de contradições.<o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="font-family: Calibri; font-size: medium; font-weight: normal;"><span style="font-family: Arial, sans-serif;"> Segundo Breton foi ele e o escritor Soupault que deram o nome de <i>“surrealismo” </i>a este novo movimento e modo de expressão em honra de Guillaume Apollinaire.<o:p></o:p></span></div><div style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: white; background-image: initial; background-origin: initial; font-family: Calibri; font-size: medium; font-weight: normal; line-height: 14.25pt; margin-bottom: 0.0001pt; margin-left: 0cm; margin-right: 0cm; margin-top: 0cm;"><span style="font-family: Arial, sans-serif;"> Neste manifesto são enumerados os princípios do movimento surrealista tais como o a isenção da lógica e a adoção de uma realidade superior, chamada "maravilhoso”.<o:p></o:p></span></div><div style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: white; background-image: initial; background-origin: initial; font-family: Calibri; font-size: medium; font-weight: normal; line-height: 14.25pt; margin-bottom: 0.0001pt; margin-left: 0cm; margin-right: 0cm; margin-top: 0cm;"><span style="font-family: Arial, sans-serif;"> No Surrealismo encontramos um apagamento total ou conflito das categorias estéticas tradicionais como belo, o sublime, o horrível, ou uma valorização destas categorias.<o:p></o:p></span></div><div style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: white; background-image: initial; background-origin: initial; font-family: Calibri; font-size: medium; font-weight: normal; line-height: 14.25pt; margin-bottom: 0.0001pt; margin-left: 0cm; margin-right: 0cm; margin-top: 0cm;"><span style="font-family: Arial, sans-serif;">Tal como em Spinoza a “contradição” é a mais importante estratégia surrealista. O surrealismo identifica-se através de valores e estados que são puramente internos e que são lapsos de consciência, sonho, associação livre, estados de êxtase, estados hipnóticos e estados de automatismo. Estes estados não dependem da vontade, são do domínio do inconsciente e do sonho. <o:p></o:p></span></div><div style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: white; background-image: initial; background-origin: initial; font-family: Calibri; font-size: medium; font-weight: normal; line-height: 14.25pt; margin-bottom: 0.0001pt; margin-left: 0cm; margin-right: 0cm; margin-top: 0cm;"><span style="font-family: Arial, sans-serif;"> O “sonho” não possui a mesma linguagem do pensamento, representa-se simbolicamente por meio de símiles (comparações) e metáforas (associações). O discurso do sonho é semelhante ao discurso poético. Estas formas de representação (símiles e metáforas) fazem parte dum processo de deslocação. No sonho existe uma compactação do tempo e do espaço, tudo e todos podem viver ao mesmo tempo no mesmo sítio. Passado e presente, vida e morte.<o:p></o:p></span><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg-e1gKXaqGdpny56nwt5cYQYXE7mlyE8NedRX24zFJlzPHG2bl1IejT9nA_tMuhcwkONiLMtpDn7h9ggWP2Mo8Am6A4Q3n9nSGxb3CrBKSzN2DbgvuvHoRDx5BPJfYzb9ixGbAf2878IE/s1600/Sothebys-AndreBreton.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="381" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg-e1gKXaqGdpny56nwt5cYQYXE7mlyE8NedRX24zFJlzPHG2bl1IejT9nA_tMuhcwkONiLMtpDn7h9ggWP2Mo8Am6A4Q3n9nSGxb3CrBKSzN2DbgvuvHoRDx5BPJfYzb9ixGbAf2878IE/s400/Sothebys-AndreBreton.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Manifesto do Surrealismo</td></tr>
</tbody></table><span style="font-family: Arial, sans-serif;"><br />
</span></div><div style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: white; background-image: initial; background-origin: initial; font-family: Calibri; font-size: medium; font-weight: normal; line-height: 14.25pt; margin-bottom: 0.0001pt; margin-left: 0cm; margin-right: 0cm; margin-top: 0cm;"><span style="font-family: Arial, sans-serif;"> Para compreender o surrealismo temos duas noções que são o “automatismo” e o <o:p></o:p></span></div><div style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: white; background-image: initial; background-origin: initial; font-family: Calibri; font-size: medium; font-weight: normal; line-height: 14.25pt; margin-bottom: 0.0001pt; margin-left: 0cm; margin-right: 0cm; margin-top: 0cm;"><span style="font-family: Arial, sans-serif;">“maravilhoso”. Foi André Breton que em 1924 introduziu a noção de maravilhoso pela primeira vez no seu manifesto. Para ele o maravilhoso assenta em dois princípios: na beleza compulsiva e no acaso objectivo. A beleza compulsiva aparece em 1928 na novela <i>“Nadja”</i> de Breton e o acaso objectivo nas novelas <i>“Les vases comunicants</i>” (1932) e <i>“L’amour fou” (</i>1937). Estes conceitos embora não nomeados ou referenciados, são hoje utilizados na produção artística. Para Aragon e Breton, o maravilhoso é ambíguo e indiscernível, não se sabe se é objectivo ou subjectivo. É algo que encanta os surrealistas não pela sua presença mas pela sua estranheza que resulta duma deslocação envolta em contradição. É a “inquietante estranheza” de Freud, e nela encontramos duas instâncias: Na primeira o maravilhoso como beleza convulsiva, que é uma estranha confusão entre o animado e o inanimado, entre a vida e a morte. Na segunda o maravilhoso como acaso ou repetição que se torna objectivo quando as circunstâncias se mantêm, como na associação de objectos por analogia indecifrável (Brassai). A repetição nos casos patológicos de histeria, ecolalia, etc. Há filmes que ilustram os tratamentos da histeria feitos por Charcot em 1919. Douglas Gordon utiliza também este tipo de filmes.</span><span style="font-family: Arial, sans-serif; font-size: 11pt;"><o:p></o:p></span></div><h1 style="font-family: Calibri; font-size: medium; font-weight: normal; margin-bottom: 0.0001pt; margin-left: 0cm; margin-right: -0.05pt; margin-top: 0cm;"><span style="font-family: Arial, sans-serif; font-size: 12pt; font-weight: normal;"> Partindo da ideia de “tábula rasa” para definir modernidade, o surrealismo não é moderno porque recupera situações históricas como a herança medieval do “maravilhoso” e do “grotesco” que é aquilo que não se pode nomear, é ambíguo e indefinido, é uma categoria estética da contradição. Assim, o surrealismo embora representando a vanguarda, não é moderno porque não opera uma rotura em relação ao passado, recupera-o. A ideia de modernidade liga-se por seu lado à ideia de revolução que aparece primeiro introduzida pela física e astro-física a propósito da mobilidade dos corpos celestes segundo Galileu. Mais tarde o segundo momento é o da revolução francesa a partir da qual tudo é alterado na sociedade desde a nomenclatura dos meses aos horários laborais e de refeições e à moda. Um terceiro momento foi a revolução russa que se liga ao construtivismo e ao futurismo de Maiakowsky. O “maravilhoso” é um termo que é duplo de “miraculoso” .O miraculoso afecta a sensibilidade duma maneira verdadeira mas tem origem divina. O maravilhoso afecta a sensibilidade duma maneira verdadeira mas não tem origem divina. <o:p></o:p></span></h1><h1 style="font-family: Calibri; font-size: medium; font-weight: normal; margin-bottom: 0.0001pt; margin-left: 0cm; margin-right: -0.05pt; margin-top: 0cm;"><span style="font-family: Arial, sans-serif; font-size: 12pt; font-weight: normal;"> A procura do maravilhoso tem a ver com a 1ª e 2ª Guerras Mundiais e as suas memórias. Para Breton é necessário reencontrar o encantamento (o maravilhoso) face às vicissitudes da guerra. Aos surrealistas não interessa o miraculoso, o divino, mas a essência da origem do mundo. Interessam-se também pela alquímia e pelo método analógico, pela procura de semelhanças. A alquímia parte dum processo de metamorfose interior que tem a ver com a memória colectiva.<o:p></o:p></span></h1><h1 style="font-family: Calibri; font-size: medium; font-weight: normal; margin-bottom: 0.0001pt; margin-left: 0cm; margin-right: -0.05pt; margin-top: 0cm;"><span style="font-family: Arial, sans-serif; font-size: 12pt; font-weight: normal;"> </span><span style="font-family: Arial, sans-serif; font-size: 12pt; font-weight: normal;">O segundo Manifesto do Surrealismo foi publicado em 1930, e tratava diretamente dos acontecimentos que se sucederam após a publicação do primeiro manifesto, e do esclarecimento da posição política e dos princípios surrealistas. A cumplicidade com os comunistas, e a desconfiança destes e a possível traição que pode ter acontecido por parte de membros que se diziam adeptos do surrealismo, são assuntos tratados nos textos.<o:p></o:p></span></h1><div class="MsoNormal" style="font-family: Calibri; font-size: medium; font-weight: normal;"><br />
</div><div class="MsoNormal" style="font-family: Calibri; font-size: medium; font-weight: normal;"><br />
</div><div class="MsoNormal" style="font-family: Calibri; font-weight: normal;"><b><span style="color: red; font-family: Arial, sans-serif; font-size: small;">“É vital que o homem se passe, de armas e bagagens para o lado do homem”<o:p></o:p></span></b></div><div class="MsoNormal" style="font-family: Calibri; font-weight: normal;"><b><span style="font-family: Arial, sans-serif;"><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;"><span class="Apple-style-span" style="color: red;">“Será preciso começar por retirar da guerra todos os seus títulos de nobreza”</span><o:p></o:p></span></span></b></div><div class="MsoNormal" style="font-family: Calibri; font-size: medium; font-weight: normal;"><br />
</div><div class="MsoNormal" style="font-family: Calibri; font-size: medium; font-weight: normal;"><span style="font-family: Arial, sans-serif;"> Estas frases foram extraídas de “<i>Arcano 17”</i> texto escrito em 1944 por André Breton, enquanto assistia à libertação de Paris da dominação nazi.<o:p></o:p></span><br />
<span style="font-family: Arial, sans-serif;"><br />
</span><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiqQ62hv-uHFWLj4HuaWfxLvoNCU1oLX9uVWFSQx-VURaVw4T2IBR6VInOmQEU3SzJYop1Etjo9oDncD0lBPGHsWBXqOcRg4cdsnh-cREfwHPLazbA3-3t27L5HqrT8FZG1xBefCsZEelk/s1600/Robert+Capa--+A+alegria+dos+franceses+na+libera%25C3%25A7%25C3%25A3o+de+Paris%252C+foto+de+26+de+agosto+de+1944.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiqQ62hv-uHFWLj4HuaWfxLvoNCU1oLX9uVWFSQx-VURaVw4T2IBR6VInOmQEU3SzJYop1Etjo9oDncD0lBPGHsWBXqOcRg4cdsnh-cREfwHPLazbA3-3t27L5HqrT8FZG1xBefCsZEelk/s1600/Robert+Capa--+A+alegria+dos+franceses+na+libera%25C3%25A7%25C3%25A3o+de+Paris%252C+foto+de+26+de+agosto+de+1944.jpg" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Robert Capa-- A alegria dos franceses na liberação de Paris.<br />
26 de agosto de 1944</td></tr>
</tbody></table><span style="font-family: Arial, sans-serif;"><br />
</span><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjZKx80Ta65vQE92ceVcK46_lBE2IKxwHxDZezIQ8wkoNYNk-ByakNfNeJXM7oeb21aZeCFavSKcGGJ-g6AkbBFBrwOHC9Ee-xu_liMluNJC5TCQo4lwJTAIV5SYF4R0aollmLezytECjA/s1600/Logo-AD-reduzido.bmp" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjZKx80Ta65vQE92ceVcK46_lBE2IKxwHxDZezIQ8wkoNYNk-ByakNfNeJXM7oeb21aZeCFavSKcGGJ-g6AkbBFBrwOHC9Ee-xu_liMluNJC5TCQo4lwJTAIV5SYF4R0aollmLezytECjA/s1600/Logo-AD-reduzido.bmp" /></a></div><span style="font-family: Arial, sans-serif;"><br />
</span></div></div></span></h1></div></div>António Damásiohttp://www.blogger.com/profile/08778327206941284777noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8171405610691890218.post-32954737174760751572011-04-30T16:24:00.000-07:002011-11-16T14:58:20.862-08:00DADA - Documentos de um movimento artístico<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on"><br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="apple-style-span"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="color: blue; font-family: 'Trebuchet MS'; font-size: 18pt;">Manifesto DADA de<a href="http://pt.wikipedia.org/wiki/Tristan_Tzara"> Tristan Tzara</a> - 1918<o:p></o:p></span></b></span><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiz20IsVB0N0dv9zE0IYXL87o1mQUHszjhIr64_xgzbeUL0LI42vRVDhosFZnsMlDT9z6vwBS8ecwy4KAblLQVMYzbwPWnSyKY98p9jVYAP3cTEO57MmhHVwkkc42J58fmD_MtiWVIkYqI/s1600/tristan_tzara.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiz20IsVB0N0dv9zE0IYXL87o1mQUHszjhIr64_xgzbeUL0LI42vRVDhosFZnsMlDT9z6vwBS8ecwy4KAblLQVMYzbwPWnSyKY98p9jVYAP3cTEO57MmhHVwkkc42J58fmD_MtiWVIkYqI/s400/tristan_tzara.jpg" width="285" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Tristan Tzara</td></tr>
</tbody></table></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="apple-style-span"><span style="font-family: 'Trebuchet MS';"> A palavra mágica – <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">DADA</b> – que para os jornalistas abriu a porta de um mundo nunca visto, para nós não tem a mais pequena importância.</span></span><span style="font-family: 'Trebuchet MS';"><br />
<o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: 'Trebuchet MS';"> <span class="apple-style-span">Para lançares um manifesto tens de ter: <o:p></o:p></span></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="apple-style-span"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: 'Trebuchet MS'; font-size: 14pt;"> A,</span></b></span><span class="apple-style-span"><span style="font-family: 'Trebuchet MS';"> </span></span><span class="apple-style-span"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: 'Trebuchet MS'; font-size: 16pt;">B</span></b></span><span class="apple-style-span"><span style="font-family: 'Trebuchet MS';"> e </span></span><span class="apple-style-span"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: 'Trebuchet MS'; font-size: 16pt;">C</span></b></span><span class="apple-style-span"><span style="font-family: 'Trebuchet MS';"> e de os detonar contra </span></span><span class="apple-style-span"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: 'Trebuchet MS'; font-size: 16pt;">1</span></b></span><span class="apple-style-span"><span style="font-family: 'Trebuchet MS';">, </span></span><span class="apple-style-span"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: 'Trebuchet MS'; font-size: 16pt;">2</span></b></span><span class="apple-style-span"><span style="font-family: 'Trebuchet MS';"> e </span></span><span class="apple-style-span"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: 'Trebuchet MS'; font-size: 16pt;">3</span></b></span><span class="apple-style-span"><span style="font-family: 'Trebuchet MS';">.<o:p></o:p></span></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><br />
</div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="apple-style-span"><span style="font-family: 'Trebuchet MS';"> Melhora-te e alisa as penas das asas de modo a conquistares e circulares os </span></span><span class="apple-style-span"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: 'Trebuchet MS'; font-size: 16pt;">As</span></b></span><span class="apple-style-span"><span style="font-family: 'Trebuchet MS';">, </span></span><span class="apple-style-span"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: 'Trebuchet MS'; font-size: 16pt;">Bs</span></b></span><span class="apple-style-span"><span style="font-family: 'Trebuchet MS';"> e </span></span><span class="apple-style-span"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: 'Trebuchet MS'; font-size: 16pt;">Cs</span></b></span><span class="apple-style-span"><span style="font-family: 'Trebuchet MS';"> de caixa alta ou caixa baixa, assinala, grita, injuria, organiza a prosa numa forma que seja absoluta e irrefutavelmente óbvia, prova o seu</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="font-family: 'Trebuchet MS';"> </span></span><span class="apple-style-span"><i><span style="font-family: 'Trebuchet MS';">nec plus ultra</span></i></span><span class="apple-style-span"><span style="font-family: 'Trebuchet MS';">e afirma que as inovações se parecem com a vida do mesmo modo que as últimas aparições de uma meretriz provam a essência de Deus. A sua existência já tinha sido provada pelo acordeão, a paisagem e as palavras suaves.<o:p></o:p></span></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="apple-style-span"><span style="font-family: 'Trebuchet MS';"> Impor o próprio </span></span><span class="apple-style-span"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: 'Trebuchet MS'; font-size: 16pt;">A</span></b></span><span class="apple-style-span"><span style="font-family: 'Trebuchet MS';">, </span></span><span class="apple-style-span"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: 'Trebuchet MS'; font-size: 16pt;">B</span></b></span><span class="apple-style-span"><span style="font-family: 'Trebuchet MS';">, e </span></span><span class="apple-style-span"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: 'Trebuchet MS'; font-size: 16pt;">C</span></b></span><span class="apple-style-span"><span style="font-family: 'Trebuchet MS';"> é normal – e por isso lamentável. Toda a gente o faz, em forma de madona de falso cristal, ou através de um sistema monetário, ou de preparados farmacêuticos, sendo uma perna nua um convite<o:p></o:p></span></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="apple-style-span"><span style="font-family: 'Trebuchet MS';">a uma Fonte ardente e estéril.</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="font-family: 'Trebuchet MS';"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="font-family: 'Trebuchet MS';">O amor à inovação é uma espécie de cruz agradável, a sua evidência de uma atitude naïf do não-quero-saber, uma passagem, positiva, um sinal sem qualquer nexo. Mas esta necessidade também não é do seu tempo. Ao dar à arte o ímpeto supremo da simplicidade – a inovação – estamos a ser humanos e verdadeiros na nossa relação com os prazeres mais inocentes; com a impulsividade e a vibração que crucificam o tédio. Nestes iluminados e atentos cruzamentos, em alerta, que esperaram durante anos, na floresta. Estou a escrever um manifesto e não quero nada, e contudo digo certas coisas, e por princípio sou contra princípios (que quantificam a medida dos valores morais de cada frase – isso é demasiado fácil; a aproximação era papel dos impressionistas).<o:p></o:p></span></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="apple-style-span"><span style="font-family: 'Trebuchet MS';"> Ou contra manifestos, tal como Escrevo este manifesto para demonstrar que se podem realizar acções opostas ao mesmo tempo, num único, e fresco movimento. Sou contra a acção; e em relação à contradição conceptual, e à sua afirmação também, não sou contra nem a favor, e não me vou explicar, detesto o senso comum.<o:p></o:p></span></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="apple-style-span"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: 'Trebuchet MS';">DADA</span></b></span><span class="apple-style-span"><span style="font-family: 'Trebuchet MS';"> – é uma palavra que atira as ideias ao ar de modo a que possam ser abatidas; todos os burgueses são dramaturgos que inventam diferentes assuntos e que, em vez de situar determinadas personagens ao nível da sua inteligência, como crisálidas em cadeiras, tentam encontrar causas e temas (de acordo com o seu qualquer método psicanalítico que praticam) para dar peso ao seu argumento – uma história que se define e se conta a si própria.</span></span><span style="font-family: 'Trebuchet MS';"><br />
<span class="apple-style-span">Todos os espectadores são argumentistas, se algum deles tentar explicar qualquer palavra (a saber!) do seu fortificado refúgio de complicações tortuosas, permite que os instintos sejam manipulados. Daí as angústias da vida conjugal.<o:p></o:p></span></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="apple-style-span"><span style="font-family: 'Trebuchet MS';">Para sermos directos: o divertimento de barrigas vermelhas nas azenhas de crânios vazios.<o:p></o:p></span></span><br />
<div style="text-align: center;"><span class="apple-style-span"><span style="font-family: 'Trebuchet MS';"><span class="Apple-style-span" style="font-family: 'Times New Roman';"><b><span style="color: red; font-family: 'Trebuchet MS'; font-size: 18pt;"><br />
</span></b></span></span></span></div><div style="text-align: center;"><span class="apple-style-span"><span style="font-family: 'Trebuchet MS';"><span class="Apple-style-span" style="font-family: 'Times New Roman';"><b><span style="color: red; font-family: 'Trebuchet MS'; font-size: 18pt;">DADA NÃO QUER DIZER NADA !</span></b></span></span></span></div><div style="text-align: center;"><span class="apple-style-span"><span style="font-family: 'Trebuchet MS';"><span class="Apple-style-span" style="font-family: 'Times New Roman';"><b><span style="color: red; font-family: 'Trebuchet MS'; font-size: 18pt;"><br />
</span></b></span></span></span></div></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgYx44QkVJws3RyjFvH3eZGkAcjcUU2UyqyF2vgv9Nso3VjXyu9YROhhVMLdS9CQUBlQmsDwTOCfD2z0MzYzc4heDqYUSM88AniYhn3kq0P3yDhpecr9y4iNJJV1UpaHNBuYkfjMSdG9no/s1600/personalidades-poetas-franca-paul-eluard-capa-da-revista-do-movimento-dadaista.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgYx44QkVJws3RyjFvH3eZGkAcjcUU2UyqyF2vgv9Nso3VjXyu9YROhhVMLdS9CQUBlQmsDwTOCfD2z0MzYzc4heDqYUSM88AniYhn3kq0P3yDhpecr9y4iNJJV1UpaHNBuYkfjMSdG9no/s400/personalidades-poetas-franca-paul-eluard-capa-da-revista-do-movimento-dadaista.jpg" width="290" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Capa da revista do movimento dadaista</td></tr>
</tbody></table><span style="font-family: 'Trebuchet MS';"><br />
</span><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgLSMM75ZyGd01NFE4_z1pmljCBRmzU-UHvMLAsDcmKG5kRtvVxhbqsP8tYpelo_QDymONTf9dR4XndJELDWZ4qW5ZmoTSpyexYcR98FErRFFfslLu6k1034Ti8-Teh2RXFk96arq2j_s0/s1600/Logo-AD-reduzido.bmp" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgLSMM75ZyGd01NFE4_z1pmljCBRmzU-UHvMLAsDcmKG5kRtvVxhbqsP8tYpelo_QDymONTf9dR4XndJELDWZ4qW5ZmoTSpyexYcR98FErRFFfslLu6k1034Ti8-Teh2RXFk96arq2j_s0/s1600/Logo-AD-reduzido.bmp" /></a></div><span style="font-family: 'Trebuchet MS';"><br />
</span><br />
<div style="text-align: center;"><span style="font-family: 'Trebuchet MS';"><span class="Apple-style-span" style="color: red; font-size: large;"><b><br />
</b></span></span></div><span style="font-family: 'Trebuchet MS';"> </span></div></div>António Damásiohttp://www.blogger.com/profile/08778327206941284777noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8171405610691890218.post-58545244734691374952011-04-30T16:22:00.000-07:002011-11-16T14:57:37.869-08:00Aplicações da FOTOGRAFIA – Ciência<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on"><div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 0cm 0pt; text-align: justify;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-size: 14pt;">A descoberta do raio X</span></b></div><div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 0cm 0pt; text-align: justify;"><br />
</div><span style="font-size: 14pt;"></span><br />
<div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 0cm 0pt; text-align: justify;"><span style="font-size: 14pt;"><span style="font-size: small;">No princípio de Janeiro de 1895, o professor <span class="apple-style-span"><span style="color: black;">Willhelm Conrad Roentgen</span></span></span><span class="apple-style-span"><span style="color: black; font-family: Arial, sans-serif; font-size: 10.5pt;"><strong> </strong></span></span><span style="font-size: small;">da Universidade de Wurtzbourg realizou a mais paradoxal das descobertas, a de um processo que permitia fotografar objectos dissimulados atrás de ecrãs completamente opacos. O jornal francês “Le Rappel” divulgou assim esta espantosa notícia pela primeira vez aos seus leitores sobre as experiências do sábio alemão, enviada pelo seu correspondente em Viena:</span></span></div><div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 0cm 0pt; text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-size: 19px;"><br />
</span></div><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="font-size: 14pt; margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhmU1AveowKNIehDRv2bcPnEJWqrediFc0YuxSqUxxjNdSNph5wsAHn1f0Sv9xP3QQSqsWCeQuaK5OrUFiX-jB9nXBamSA1rLwaNztlmO0A9Agc3qmtUHf82xPuh1YJj_ofcEAynxSfr3w/s1600/fisico_9.gif" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="320" q6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhmU1AveowKNIehDRv2bcPnEJWqrediFc0YuxSqUxxjNdSNph5wsAHn1f0Sv9xP3QQSqsWCeQuaK5OrUFiX-jB9nXBamSA1rLwaNztlmO0A9Agc3qmtUHf82xPuh1YJj_ofcEAynxSfr3w/s320/fisico_9.gif" width="228" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-size: small;">Professor <span class="apple-style-span"><span style="color: black;">Willhelm </span></span>Roentgen</span></td></tr>
</tbody></table><div class="MsoNormal" style="font-size: 14pt; margin-bottom: 0pt; margin-left: 0cm; margin-right: 0cm; margin-top: 0cm; text-align: justify;"><span style="font-size: small;"> <i style="mso-bidi-font-style: normal;"><strong>“ Viena, segunda-feira, 6 de Janeiro de 1895. </strong></i></span></div><div class="MsoNormal" style="font-size: 14pt; margin-bottom: 0pt; margin-left: 0cm; margin-right: 0cm; margin-top: 0cm; text-align: justify;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><strong><span style="font-size: small;"> Mr. Roentgen, professor da Universidade de Wurtzbourg, fez uma descoberta das mais importantes, cujos detalhes chegaram já a Viena, e que diversas celebridades científicas examinam com a maior atenção.</span></strong></i></div><div class="MsoNormal" style="font-size: 14pt; margin-bottom: 0pt; margin-left: 0cm; margin-right: 0cm; margin-top: 0cm; text-align: justify;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><strong><span style="font-size: small;"> Mr. Roentgen serviu-se da luz emitida por um tubo de Crookes, no qual fez o vácuo; uma corrente eléctrica atravessa-o e actua sobre uma placa fotográfica normal. Os raios luminosos invisíveis, cuja existência foi já demonstrada, oferecem então a particularidade de poderem atravessar a madeira e outras substâncias de matéria orgânica, embora não possam atravessar os metais e os ossos de animais e seres humanos. Ele serviu-se destas particularidades de ser possível fotografar os ossos e os metais que serão tapados por madeira ou lã. Além disso, sendo a carne humana uma matéria orgânica, os raios luminosos invisíveis emitidos por um destes tubos de Crookes actuam sobre ela como sobre a sua cobertura e é, portanto, possível fotografar os ossos de uma mão, por exemplo, sem que a carne que os cobre apareça na placa. Há já aqui em Viena fotografias feitas assim.</span></strong></i></div><div class="MsoNormal" style="font-size: 14pt; margin-bottom: 0pt; margin-left: 0cm; margin-right: 0cm; margin-top: 0cm; text-align: justify;"><br />
</div><div class="MsoNormal" style="font-size: 14pt; margin-bottom: 0pt; margin-left: 0cm; margin-right: 0cm; margin-top: 0cm; text-align: justify;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><strong><span style="font-size: small;"> Mostram os ossos da mão com os anéis que traziam (os metais, como disse não são atravessados pelos raios) mas mostram mais do que isto.</span></strong></i></div><div class="MsoNormal" style="font-size: 14pt; margin-bottom: 0pt; margin-left: 0cm; margin-right: 0cm; margin-top: 0cm; text-align: justify;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><strong><span style="font-size: small;"> Não são agradáveis de ver, mas sob o ponto de vista científico, isto abre um vasto campo à ciência.</span></strong></i></div><div class="MsoNormal" style="font-size: 14pt; margin-bottom: 0pt; margin-left: 0cm; margin-right: 0cm; margin-top: 0cm; text-align: justify;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><strong><span style="font-size: small;"> Entre as aplicações desta nova descoberta está assente que se tornou imediatamente possível aos cirurgiões determinar, com a ajuda deste novo método fotográfico, a posição exacta de uma bala que esteja alojada no corpo humano, ou de tornar visíveis as fracturas dos ossos antes de começar uma operação. E há outros casos muito variados aos quais este método pode ser aplicado, por exemplo no caso de uma doença óssea.”</span></strong></i></div><div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0pt; margin-left: 0cm; margin-right: 0cm; margin-top: 0cm; text-align: justify;"><div style="font-size: 14pt;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span lang="EN-GB" style="font-size: 8pt;">In “Le découvert des Rayons X – George Vitoux, 1896”</span></i></b><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span lang="EN-GB"> </span></i></b></div><div style="font-size: 14pt;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span lang="EN-GB" style="font-size: 8pt;"><br />
</span></i></b></div><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="font-size: 14pt; margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhxNyqEOcAUpxNp103GG0GeiCV-fjUcFRlcR5CIRmpwx1TBPCD6N89JZgDMr6R6_6_WtbLzLEgKo6FNbQi9esegMED5YO4JfQF83j1HId8JCI0Ih6RBqT1WZ3Jla_A6bLsOXP6zJ98tdxM/s1600/Anna_Berthe_Roentgen.gif" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhxNyqEOcAUpxNp103GG0GeiCV-fjUcFRlcR5CIRmpwx1TBPCD6N89JZgDMr6R6_6_WtbLzLEgKo6FNbQi9esegMED5YO4JfQF83j1HId8JCI0Ih6RBqT1WZ3Jla_A6bLsOXP6zJ98tdxM/s400/Anna_Berthe_Roentgen.gif" width="272" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">A primeira radiografia</td></tr>
</tbody></table></div><div class="MsoNormal" style="font-size: 14pt; margin-bottom: 0pt; margin-left: 0cm; margin-right: 0cm; margin-top: 0cm; text-align: justify;"></div><div class="MsoNormal" style="font-size: 14pt; margin-bottom: 0pt; margin-left: 0cm; margin-right: 0cm; margin-top: 0cm; text-align: justify;"><span class="apple-style-span"><span style="color: black;"><span style="font-size: small;">Roentgen era engenheiro mecânico formado em 1868 na Escola Politécnica de Zurich. Entretanto, apesar de nunca ter frequentado um curso básico de Física doutora-se em Filosofia com a tese “Estudo sobre Gases”. O seu grande interesse por experiência sobre mutações físicas, o ensino e, a grande habilidade de conduzir pesquisas sobre os raios catódicos aproximou-o de outros pesquisadores como: Hertz, Hittorf e Crooks e, com eles desenvolveu experiências que permitiram comprovar os efeitos desses raios sobre placas fotográficas. Em 8 de novembro de 1895, Roentgen repetiu a experiência de Lenard empregando um tubo de Crookes provido com um tipo de máscara. Trabalhando em seu laboratório caseiro verificou que uma parte dos raios catódicos produzidos escapava do tubo passando pela máscara. </span></span></span><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgsulNbwgIZNyLzAaQwiG5aDwgKz-Lx6ql2BFfAcKP2Hse9BglfQKqtU1vYEHKmxf2yX3jgpz-oX9x8SqrS5Yer59CHsX-uh5uuQguc910uyu0-bqTrhpIrQQlWNVDdi0N08Kxm1OTcbz0/s1600/tubo+de+crookes.png" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="329" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgsulNbwgIZNyLzAaQwiG5aDwgKz-Lx6ql2BFfAcKP2Hse9BglfQKqtU1vYEHKmxf2yX3jgpz-oX9x8SqrS5Yer59CHsX-uh5uuQguc910uyu0-bqTrhpIrQQlWNVDdi0N08Kxm1OTcbz0/s400/tubo+de+crookes.png" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Tubo de Crookes</td></tr>
</tbody></table><span class="apple-style-span"><span style="color: black;"><span style="font-size: small;">Da mesma forma que Lenard fizera, colocou uma lâmina de alumínio delgada, revestida com uma película de platinocianeto de bário, próxima da máscara do tubo de Crookes comprovando que através da máscara haviam escapado raios catódicos suficientes para provocar uma leve fluorescência. Intrigado com o fenómeno, Roentgen começou a pesquisar se seria necessário abrir uma janela na parede de vidro do tubo para que os raios catódicos escapassem. Como os raios catódicos eram invisíveis, pensou que seria necessário usar um tipo de tela para a sua detecção. Entretanto, como achava que haveria um menor fluxo de raios catódicos emanando da parede de vidro do que através da máscara coberta com tiras delgadas de alumínio devido à intensa luminosidade do tubo de Crookes, pensou que talvez não fosse possível observar a ténue fluorescência da tela. Assim, Roentgen cobriu o tubo de Crookes com um cartão negro para impedir toda a luminosidade indesejada além de obscurecer o ambiente do seu laboratório.</span></span></span></div><div class="MsoNormal" style="font-size: 14pt; margin-bottom: 0pt; margin-left: 0cm; margin-right: 0cm; margin-top: 0cm; text-align: justify;"><span class="apple-style-span"><span style="color: black;"><span style="font-size: small;"> Ao excitar o tubo, verificou uma emanação amarelo-esverdeada cintilando intensamente. Incrédulo, repetiu a experiências por diversas vezes concluindo que o cátodo do tubo não era responsável pela fluorescência convencendo-se finalmente que se tratava de um raio desconhecido o qual foi por ele denominado de raios-X.</span></span></span></div><div class="MsoNormal" style="font-size: 14pt; margin-bottom: 0pt; margin-left: 0cm; margin-right: 0cm; margin-top: 0cm; text-align: justify;"><span style="color: black;"><span style="font-size: small;"> <span class="apple-style-span">Na realidade os raios-X são um tipo de onda eletromagnética duma determinada porção do espectro de radiofrequência, consistindo numa rápida variação dos campos de força e eletromagnético. Logo após a descoberta dos raios-X, concentraram-se esforços para sua aplicação na medicina. Originalmente, o diagnóstico</span> <span class="apple-style-span">por Raios-X era indicado apenas para ortopedia. Os primeiros anos da sua descoberta foram de tentativas e erros devido à precariedade dos equipamentos e, principalmente do desconhecimento dos seus efeitos sobre os seres humanos. Entretanto, já na segunda década do século XX registaram-se grandes avanços como o do aparecimento de dispositivos geradores de raios-X, conhecidos como ampolas, agora mais elaboradas, além de sistemas de cálculos para controlo da dosagem. Assim, para <i style="mso-bidi-font-style: normal;">roentengrafias</i> de qualidade satisfatória do sistema ósseo a excitação do aparelho exigia baixa tensão de corrente, cerca de 70 kV. À medida que o conhecimento da técnica roentengráfica se aprofundava começou a ser aplicada para diagnósticos em outras áreas como, gastrenterologia e pneumologia. No diagnóstico de doenças do tórax, como por exemplo da tuberculose, em virtude das áreas em observação serem móveis e profundas, exigia excitações com tensões mais elevadas e menor tempo de exposição surgindo assim a fluoroscopia. Os novos aparelhos surgidos desta crescente tecnologia aliados com o processo de contraste eram agora capazes de focalizar a área de observação com grande precisão, permitindo identificação de abscessos profundos como tumores malignos, fraturas etc. </span></span></span></div><div class="MsoNormal" style="font-size: 14pt; margin-bottom: 0pt; margin-left: 0cm; margin-right: 0cm; margin-top: 0cm; text-align: justify;"><span class="apple-style-span"><span style="color: black;"><span style="font-size: small;"> A descoberta de Roentgen foi a primeira grande aplicação dos fenómenos elétricos em</span></span></span></div><div class="MsoNormal" style="font-size: 14pt; margin-bottom: 0pt; margin-left: 0cm; margin-right: 0cm; margin-top: 0cm; text-align: justify;"><span class="apple-style-span"><span style="color: black;"><span style="font-size: small;">medicina sendo a precursora da moderna radiologia e, do diagnóstico por imagem com a invenção em 1972 da tomografia axial transversa computorizada.</span></span></span></div><div class="MsoNormal" style="font-size: 14pt; margin-bottom: 0pt; margin-left: 0cm; margin-right: 0cm; margin-top: 0cm; text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><span class="apple-style-span"><span style="color: black;">A descoberta dos raios-X foi uma consequência direta da avançada evolução da Física no campo da Eletrologia ocorrida no final do século XIX, que paralelamente abriu novas possibilidades de pesquisa e, assim, permitiu que as ténues correntes de origem biológica começassem a ser medidas e registadas com maior precisão.</span></span><span style="color: black;"></span></span><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjBpb3laCNV4Y4bEgqjdXgwp6KkLpUFBH6tHAwzWA8AK-2xB1IRQbH9krQW6SfQYdLU1cKLyJ2BXQlTOy-FvLL4a59y5yjTVB3PPGyU9crrxVTQH79Hd07BBPzkQ-tQQ4l-FHz-S-g4VqY/s1600/William_Crookes.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjBpb3laCNV4Y4bEgqjdXgwp6KkLpUFBH6tHAwzWA8AK-2xB1IRQbH9krQW6SfQYdLU1cKLyJ2BXQlTOy-FvLL4a59y5yjTVB3PPGyU9crrxVTQH79Hd07BBPzkQ-tQQ4l-FHz-S-g4VqY/s400/William_Crookes.jpg" width="324" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;">William Crookes</span></td></tr>
</tbody></table></div><div class="MsoNormal" style="font-size: 14pt; margin-bottom: 0pt; margin-left: 0cm; margin-right: 0cm; margin-top: 0cm; text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><span class="apple-style-span"><span style="color: black;"> Usando um dispositivo conhecido como tubo de Crookes, o raio catódico foi descoberto por William Crookes que </span></span><span style="color: black;">nasceu em Londres, no dia 17 de junho de 1832 e se afirmou como químico e físico. Frequentou o<span class="apple-converted-space"> </span><em>Royal College of Chemistry</em><span class="apple-converted-space"> </span>em Londres e trabalhou na área da espectroscopia.</span></span></div><div class="MsoNormal" style="font-size: 14pt; margin-bottom: 0pt; margin-left: 0cm; margin-right: 0cm; margin-top: 0cm; text-align: justify;"><span class="apple-style-span"><span style="color: black;"><span style="font-size: small;"> Durante as suas experiências Crookes deixou acidentalmente algumas embalagens contendo chapas fotográficas virgens próximo onde havia instalado o seu tubo. </span></span></span></div><div class="MsoNormal" style="font-size: 14pt; margin-bottom: 0pt; margin-left: 0cm; margin-right: 0cm; margin-top: 0cm; text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><span class="apple-style-span"><span style="color: black;"> Algum tempo depois, ao usar estas chapas fotográficas verificou que algumas tinham sido sensibilizadas. Entretanto, nunca lhe ocorrera que a sensibilização das películas pudesse ser uma consequência da radiação emanada do tubo rarefeito. A história da ciência esta repleta de subtilezas, pois da mesma forma que Crookes, outro físico de renome, Phillip Lenard, não percebeu porque é que uma lâmina delgada de alumínio revestida com uma película de platino cianeto de bário ficava fluorescente na presença de raios catódicos produzidos pelo tubo de Crookes quando na sua proximidade.</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="color: black;"> </span></span></span><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjf6bacfqXTaZNx_OWgrt74Ol9qzt2p24P4DPQDBQSc4B3TQ6FJdJLaqq8pyVbj870LOD2JOuoezjweP_oo7gI2UpwYDcwaN0rHCUiNNyXCX_lT_Mt_wJAS4aJgZWaSWrMeWABtYHMbVek/s1600/image202.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="382" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjf6bacfqXTaZNx_OWgrt74Ol9qzt2p24P4DPQDBQSc4B3TQ6FJdJLaqq8pyVbj870LOD2JOuoezjweP_oo7gI2UpwYDcwaN0rHCUiNNyXCX_lT_Mt_wJAS4aJgZWaSWrMeWABtYHMbVek/s400/image202.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Aparelho primitivo de raio X</td></tr>
</tbody></table><span style="font-size: small;"><span class="apple-converted-space"><span style="color: black;"><br />
</span></span></span><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh4KUSlBV7-ISZqbtvwLZma_66hTyILgpdXn2tycJ1lJCBr3bqIW993zG_Vuwx0W0G_lWHVT4bPiEBnSRgpaWXiI1ZsEgZozH1aqIRx8W9mY0p1onyj4qNWv9MNiKsyzJvRx4OLtIE-g3M/s1600/Logo-AD-reduzido.bmp" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh4KUSlBV7-ISZqbtvwLZma_66hTyILgpdXn2tycJ1lJCBr3bqIW993zG_Vuwx0W0G_lWHVT4bPiEBnSRgpaWXiI1ZsEgZozH1aqIRx8W9mY0p1onyj4qNWv9MNiKsyzJvRx4OLtIE-g3M/s1600/Logo-AD-reduzido.bmp" /></a></div><span style="font-size: small;"><span class="apple-converted-space"><span style="color: black;"><br />
</span></span></span></div><div class="MsoNormal" style="font-size: 14pt; margin-bottom: 0pt; margin-left: 0cm; margin-right: 0cm; margin-top: 0cm; text-align: justify;"><br />
</div><div class="MsoNormal" style="font-size: 14pt; margin-bottom: 0pt; margin-left: 0cm; margin-right: 0cm; margin-top: 0cm; text-align: justify;"></div></div>António Damásiohttp://www.blogger.com/profile/08778327206941284777noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8171405610691890218.post-23184032443168649182011-03-18T15:54:00.000-07:002011-11-16T14:56:57.912-08:00PERCEPÇÃO E EXPERIÊNCIA ESTÉTICA<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on"><br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial;"><span class="Apple-style-span" style="font-size: 19px;"><b><br />
</b></span></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"> <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: Arial; font-size: 14pt;">A percepção é o acto básico da mente, em que estão envolvidos dois aspectos principais, o sujeito e o objecto ou acontecimentos (dos quais fazem sempre parte os objectos).<o:p></o:p></span></b></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: Arial; font-size: 14pt;"> O objecto é externo e está normalmente separado da mente embora as lembranças e associações que remetem para o objecto façam parte dos dados memorizados por nós.<o:p></o:p></span></b></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: Arial; font-size: 14pt;"> É para o objecto, seja ele de que natureza for, que converge a nossa percepção, que é traduzida em estímulos e sensações captados pelos sentidos: visão, tacto, audição, olfacto, paladar, etc. Mas é a percepção visual que interessará analisar em primeiro lugar.<o:p></o:p></span></b></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: Arial; font-size: 14pt;"> O campo de visão apreende normalmente um conjunto de objectos e não um só, o que transforma a percepção num acto de discriminação. O cérebro recebe assim a reflexão de objectos que deixam as suas marcas que poderão mais tarde ser «relembradas» pela mente que tem a capacidade de as reproduzir. Estes vestígios do conhecimento que temos do objecto irão completar pela sua relevância o modelo exigido, através de processos de associação. Esta associação liga um acto presente de percepção a outros do passado que estão armazenados na mente e que são relembrados pela memória, mas nem sempre esta associação é directa e consciente, por vezes provém de elementos escondidos na mente inconsciente.<o:p></o:p></span></b></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: Arial; font-size: 14pt;"> Os fenómenos perceptivos são normalmente vistos segundo três atitudes ou pontos de vista da psicologia, que se ligam tradicionalmente ao estudo fisiológico, à teoria gestáltica e à teoria behaviorista.<o:p></o:p></span></b></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: Arial; font-size: 14pt;"> Do ponto de vista fisiológico existe uma tentativa de reduzir os fenómenos da percepção aos mecanismos neuropsicológicos. Do ponto de vista gestáltico dá-se ênfase às forças centrais hipotéticas, no sentido de abranger um vasto campo de fenómenos perceptivos. Do ponto de vista behaviorista salienta-se o papel da aprendizagem no comportamento perceptivo. Estes três pontos de vista não se excluem uns aos outros na compreensão da percepção mas completam-se. <o:p></o:p></span></b></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: Arial; font-size: 14pt;"> Embora os pontos de vista fisiológico e behaviorista sejam importantes, não são os que mais importa focar agora, sendo antes o que se relaciona à «forma» (gestalt) o que interessa mais à percepção estética.<o:p></o:p></span></b><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjUdj3mFhhouAthGTteP-aoZTz7GJxJrpyT2BgKXjDhDxED4GfowzyPWMjKxW_Cecd8Eq6KN4mLa_8yYJGkwqBpeWTpEmOaTnUgdqrxwdv3RmiWS74AVmaxg1-4GAz1o0L7dXLjpeDh8So/s1600/maxw.gif" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjUdj3mFhhouAthGTteP-aoZTz7GJxJrpyT2BgKXjDhDxED4GfowzyPWMjKxW_Cecd8Eq6KN4mLa_8yYJGkwqBpeWTpEmOaTnUgdqrxwdv3RmiWS74AVmaxg1-4GAz1o0L7dXLjpeDh8So/s320/maxw.gif" width="230" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: Arial; font-size: x-small;">Max Wertheimer</span></td></tr>
</tbody></table></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: Arial; font-size: 14pt;"> A teoria da <a href="http://pt.wikipedia.org/wiki/Gestalt">Gestalt</a> é baseada nas investigações e textos produzidos por <a href="http://pt.wikipedia.org/wiki/Max_Wertheimer">Max Wertheimer</a>,<a href="http://pt.wikipedia.org/wiki/Kurt_Koffka"> Kurt Koffka</a> e<a href="http://pt.wikipedia.org/wiki/Wolfgang_K%C3%B6hler"> Wolfgang Kohler</a> que concluem que as partes são definidas pelo todo e que toda a experiência, incluindo a experiência estética, está relacionada com certas estruturas básicas que não podem ser subdivididas. </span></b><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhs1d8nJ2_-sRhlzGkx3Hq0m7wPhIosg45-uODX5sdb0-qYqPw2pGpw-V020duAGbfiWg1DPOCE6np4XVnT4bQKNyXDavglL_ls5yWNTX5YPebFBhlvZuuXoW9SgkXmMoxHx9RY3BdOghs/s1600/wkohler.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhs1d8nJ2_-sRhlzGkx3Hq0m7wPhIosg45-uODX5sdb0-qYqPw2pGpw-V020duAGbfiWg1DPOCE6np4XVnT4bQKNyXDavglL_ls5yWNTX5YPebFBhlvZuuXoW9SgkXmMoxHx9RY3BdOghs/s320/wkohler.JPG" width="237" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: Arial; font-size: x-small;"> Wolfgang Kohler</span></td></tr>
</tbody></table><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: Arial; font-size: 14pt;">A Gestalt opõe-se à ideia de «empatia», ou seja, sustenta que nós não projectamos na obra de arte as nossas qualidades estéticas e emocionais, mas que são essas qualidades que lá se encontram à nossa espera.<o:p></o:p></span></b><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiPv49Je3cMi1UmqaQiwT50vX7kX7qF9ByXvQPy1ISBLI1WCOHfeTPpL72z1vBE106gCfRBpM1N_zOuv5HhoKsl77uhXUFEIrEt2a60ZWF98kDFBT7O6-CFNreM1dYkZIcI1T72gCQER38/s1600/koffka.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiPv49Je3cMi1UmqaQiwT50vX7kX7qF9ByXvQPy1ISBLI1WCOHfeTPpL72z1vBE106gCfRBpM1N_zOuv5HhoKsl77uhXUFEIrEt2a60ZWF98kDFBT7O6-CFNreM1dYkZIcI1T72gCQER38/s320/koffka.jpg" width="209" /></a></div><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: Arial; font-size: 14pt;"><br />
</span></b></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: Arial; font-size: 14pt;"> Segundo Koffka, a percepção é artística. </span></b><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span style="font-family: Arial; font-size: 14pt;">“ Sob o impacto de um mosaico de estimulações que invadem as retinas dos olhos, o sistema nervoso do organismo produz processos de organização de modo a que o modelo produzido seja o melhor possível nas condições existentes </span></i><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: Arial; font-size: 14pt;">( a «boa-forma» ) </span></b><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span style="font-family: Arial; font-size: 14pt;">... A percepção tende para o equilíbrio e para a simetria; ou de outra maneira, o equilíbrio e a simetria são características perceptuais do mundo visual que serão compreendidas, sempre que as condições exteriores o permitirem; quando assim não é, o não equilíbrio, a falta de simetria, serão experimentados como uma característica de objectos ou de todo o campo, juntamente como uma necessidade sentida de melhor equilíbrio. “</span></i><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: Arial; font-size: 14pt;"> A estética é pois considerada como um factor de sentimento na percepção conjuntamente com outros processos mentais, ou seja “ </span></b><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span style="font-family: Arial; font-size: 14pt;">Uma disposição para sentir a perfeição de um acontecimento experimentado como sendo certo e adequado, constitui aquilo a que temos chamado o factor estético da percepção. “ (segundo Koffka)<o:p></o:p></span></i></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: Arial; font-size: 14pt;"> </span></b><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span style="font-family: Arial; font-size: 14pt;">“ Toda a graça e movimento e harmonia da vida - a disposição moral da própria alma – são determinadas pelo sentimento estético, pelo reconhecimento do ritmo e da harmonia. (...) “A ausência de graça, de ritmo e harmonia está intimamente ligada a um mau estilo e a um mau carácter.” (Platão)<o:p></o:p></span></i></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><br />
</div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: Arial; font-size: 14pt;"> A percepção estética não se limita apenas ao que o espectador vê na obra de arte, mas existe antes da obra existir, ou seja, é o artista que em primeiro lugar percepciona esteticamente a obra. <o:p></o:p></span></b></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: Arial; font-size: 14pt;"> Perante a tela nua, o pintor antevê mentalmente o que nela irá aparecer ao seu olhar e aos demais olhares a que será exibida, embora nem sempre o resultado final seja exactamente o que foi pensado no início, pois a obra vai surgindo através da sua estrutura e das forças e tensões recíprocas das linhas, manchas, formas e cores que se vão construindo e sugerindo umas em relação às outras. A obra vai-se desenvolvendo através do aparecer e desaparecer, do construir e anular, do fazer surgir, do apagar e do refazer constantes, dos acidentes ou incidentes até que por fim se dê por terminada.<o:p></o:p></span></b></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: Arial; font-size: 14pt;"> A experiência estética comporta em si duas vertentes, a emocional e a perceptiva (dos sentidos) que se completam e que nos ajudam a compreender a obra de arte. É a experiência da compreensão que normalmente referimos quando analisamos uma obra e a fruímos esteticamente. A emoção confunde-se então muitas vezes com a compreensão, remetendo-nos para campos diversos como a reflexão ou o pensamento. Este modo de nos relacionar-mos com os objectos e o mundo que nos rodeia, reporta às origens da metafísica de Platão que, segundo ele, estava dividido em dois campos, um o da tranquilidade e dos sentidos, no qual não existe um conhecimento verdadeiro, mas uma “opinião” (do domínio da “doxa”) o outro é o do conhecimento verdadeiro, da certeza, da ciência, das ideias, (ou formas) é o campo intelectivo. <o:p></o:p></span></b></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: Arial; font-size: 14pt;"> Para se entender o que é uma experiência estética têm necessariamente de ser referenciadas algumas categorias essenciais como a forma, a metáfora e o sentido que estão intimamente relacionadas. <o:p></o:p></span></b></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: Arial; font-size: 14pt;"> Quando se pensa numa forma, temos sempre a sensação de que a forma dum objecto artístico existe como substituição para uma ideia, porque estamos sempre à espera de encontrar um sentido. Portanto a forma é um processo de substituição de sentido, ou seja, é algo que é um processo de substituição para uma ideia, porque estamos sempre à espera de encontrar um sentido. A forma é um processo de substituição de sentido, ou seja, é algo que é substituído por aquela forma que é uma metáfora de algo. O processo artístico é por isso um jogo constante de presenças metafóricas de substituição de sentidos. Assim, o processo de produção de sentidos é uma articulação e remissão entre sentidos e referências de sentidos, é um processo metafórico. Tanto na arte como na linguagem, não existem sentidos literais, porque ao falarmos, também falamos de coisas que ilustram referências a outras coisas.<o:p></o:p></span></b><br />
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: Arial; font-size: 14pt;"><br />
</span></b><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgo68Ngy1XhVxHenxZyzsD8hWQjiXboVkWYt5bcsG_iGydrV6gfk0EC96cFufhJghyBjLbip5g7J3UQFiX6RsigoAlZ4jPSy9gDFFH7Kdb3FfWmODF2Ei-SgWuOuTKXgHh_JnIXe0bjc3Y/s1600/Logo-AD-reduzido.bmp" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgo68Ngy1XhVxHenxZyzsD8hWQjiXboVkWYt5bcsG_iGydrV6gfk0EC96cFufhJghyBjLbip5g7J3UQFiX6RsigoAlZ4jPSy9gDFFH7Kdb3FfWmODF2Ei-SgWuOuTKXgHh_JnIXe0bjc3Y/s1600/Logo-AD-reduzido.bmp" /></a></div><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: Arial; font-size: 14pt;"><br />
</span></b></div><div class="MsoNormal"><br />
</div></div>António Damásiohttp://www.blogger.com/profile/08778327206941284777noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-8171405610691890218.post-58455721540925829242011-03-18T15:50:00.000-07:002011-11-16T14:55:44.531-08:00A IMAGEM NUA E AS PEQUENAS PERCEPÇÕES<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial;">A IMAGEM NUA</span><br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial;"><br />
</span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b><span style="font-family: Arial;">Segundo <a href="http://pt.wikipedia.org/wiki/Jos%C3%A9_Gil">José Gil</a>, a imagem nua é toda aquela a que falta a significação verbal e que tende e apela ao sentido.<o:p></o:p></span></b><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj6w1Nf-bcA-FXT4v2j_D8XeMpy9rF25_Nk14-m44HIi4T4qiDtP9wM-oSuXBp21q35Q3dzP3Pvba-bUs79RXEH6N__2JtKYigXssPYCdWign7Bpscv0FaQFyyOC6Kh1rtPhUXLH4N4jwo/s1600/jose_gil.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="212" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj6w1Nf-bcA-FXT4v2j_D8XeMpy9rF25_Nk14-m44HIi4T4qiDtP9wM-oSuXBp21q35Q3dzP3Pvba-bUs79RXEH6N__2JtKYigXssPYCdWign7Bpscv0FaQFyyOC6Kh1rtPhUXLH4N4jwo/s320/jose_gil.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">José Gil</td></tr>
</tbody></table></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b><span style="font-family: Arial;">Estamos então (segundo J.Gil) mergulhados num mundo de imagens-nuas, sendo a maior parte das nossas percepções e dos nossos sonhos compostos por elas, a que se associam pensamentos imperceptíveis, os chamados «pensamentos voadores» (<a href="http://afilosofia.no.sapo.pt/12leibniz.htm">Leibniz</a>) que</span></b><b><span style="font-family: Arial;"> te</span></b><b><span style="font-family: Arial;">riam mais tarde muita importância na associação livre e na cura analítica e no material imagético das técnicas de publicidade, do cinema e das artes. São elas que transportam significações mudas e informações mais ricas por vezes que as mensagens verbais.</span></b><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhRXqQjwCZw9iQuVKiQ1IIK6NRDj519sVv7fCvB1ehfrG4ZpIK6HzA0f_bprV_10Ov7WMhL-eIfRSmlZ_sbw_-ei5rj0ZS4Pl_88UbuzitgDTJBcW6pvn0UYOhJuOoEWTMvFudDAy2Fm9I/s1600/leibniz.png" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhRXqQjwCZw9iQuVKiQ1IIK6NRDj519sVv7fCvB1ehfrG4ZpIK6HzA0f_bprV_10Ov7WMhL-eIfRSmlZ_sbw_-ei5rj0ZS4Pl_88UbuzitgDTJBcW6pvn0UYOhJuOoEWTMvFudDAy2Fm9I/s400/leibniz.png" width="306" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: sans-serif; line-height: 24px;"></span><br />
<h1 class="firstHeading" id="firstHeading" style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: initial; background-image: none; background-origin: initial; border-bottom-color: rgb(170, 170, 170); border-bottom-style: solid; border-bottom-width: 1px; color: black; font-weight: normal; line-height: 1.2em; margin-bottom: 0.1em; margin-left: 0px; margin-right: 0px; margin-top: 0px; overflow-x: hidden; overflow-y: hidden; padding-bottom: 0px; padding-top: 0px; width: auto;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: sans-serif; line-height: 24px;"><span class="Apple-style-span" style="font-size: x-small;">Gottfried Leibniz</span></span></h1></td></tr>
</tbody></table><b><span style="font-family: Arial;"> As imagens-nuas arrastam consigo conteúdos não conscientes de sentido, de não consciência, mas não do inconsciente freudiano.</span></b></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b><span style="font-family: Arial;"> Estas imagens produtoras de «pequenas percepções» estão associadas a forças e provocam um apelo de sentido estimulando o espírito à procura da significação verbal ausente que irá preencher o seu vazio ou nudez. <o:p></o:p></span></b></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b><span style="font-family: Arial;"> Nalgumas obras, como os readymade de Duchamp, o apelo ao sentido é neutralizado pela inadequação das inscrições ou títulos que lhes são postos. Gera-se assim uma oscilação entre imagem e inscrição, na procura dum sentido entre uma e outra que nunca se encontra. No urinol ( Fonte ), faltava o jacto de água (ou urina) , no “Porta garrafas” não existem garrafas, etc.<o:p></o:p></span></b></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b><span style="font-family: Arial;"> Duchamp problematizou não só aquilo que se entende por obra de arte, expondo objectos de uso comum, mas a adequação da palavra à imagem. O título ou inscrição não ajuda à compreensão do objecto, não supera aquilo que falta à sua compreensão, não o completa, mas por outro lado reforça essa falta nomeando-a verbalmente e neutralizando o apelo ao sentido através dessa inadequação entre imagem e título.<o:p></o:p></span></b></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b><span style="font-family: Arial;"> Aqui não se trata de imagens-nuas, porque o visual não corresponde à palavra, porque esta não atribui sentido ou significado ao objecto que nos é dado a observar e é através da oscilação e da procura de sentido entre estes dois elementos que Duchamp nos mostra que uma obra adquire sentido quando existe uma certa relação com o seu sentido verbal.<o:p></o:p></span></b></div><div class="MsoBodyText"> <b><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"> </span></b><b><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">A introdução das noções de «força» e «inconsciente» modificou os conceitos clássicos da fenomenologia, principalmente os de «visível» e «invisível.</span></b></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b><span style="font-family: Arial;"> Existe uma confusão e querela entre o estatuto do invisível e dos seus níveis ontológico e fenomenológico a que <a href="http://pt.wikipedia.org/wiki/Maurice_Merleau-Ponty">Merleau Ponty</a> não conseguiu dar uma resposta definitiva. Ele não identifica totalmente o invisível com o inconsciente, deixando indeterminada essa definição, ou remete o visível para a fenomenologia e o invisível para a ontologia. <o:p></o:p></span></b><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhalks1GVPw1atm8cdbuo43ms8W33mVZ_CgUbTGNXe3I9QHhpadmpldCxyRVqL-SA5JrqE-ZlFCfoh31m_HJAr5mpeSlPYwFOoFXNT5H0MMUyBtFKAy-P0j4Yjj-fGGllc1elrjFTnR1EU/s1600/Merleau2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="295" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhalks1GVPw1atm8cdbuo43ms8W33mVZ_CgUbTGNXe3I9QHhpadmpldCxyRVqL-SA5JrqE-ZlFCfoh31m_HJAr5mpeSlPYwFOoFXNT5H0MMUyBtFKAy-P0j4Yjj-fGGllc1elrjFTnR1EU/s320/Merleau2.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: Arial; font-size: x-small;">Merleau Ponty</span></td></tr>
</tbody></table></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b><span style="font-family: Arial;"> Merleau Ponty não conferia ao «invisível» uma autonomia clara. Para ele o invisível</span></b><i><span style="font-family: Arial;"> “é a impercepção da percepção”, </span></i><b><span style="font-family: Arial;">para J.Gil o invisível </span></b><i><span style="font-family: Arial;">“ é o experimentar de modo inconsciente, é um experienciar para além da consciência .” </span></i><b><span style="font-family: Arial;">Existe assim, segundo J.Gil, um risco em deixar suspensa a apreensão do invisível da presença do visível. Para ele a percepção do invisível é uma “visibilidade segunda”, é o “avesso” do visível (o forro deste).<o:p></o:p></span></b></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b><span style="font-family: Arial;"> É na estética que a percepção do invisível se torna central, pois é na arte, (principalmente na pintura segundo P. Klee) que reside o destino de tornar o invisível, visível, pois é no segundo que se descobre o primeiro. A estética vê o invisível à partida.<o:p></o:p></span></b></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><br />
</div><div class="MsoBodyText"><span style="font-weight: normal;"><span class="Apple-style-span" style="font-size: x-small;"> </span> AS PEQUENAS PERCEPÇÕES<span class="Apple-style-span" style="font-size: x-small;"><o:p></o:p></span></span></div><div class="MsoBodyText"><br />
</div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><i><span style="font-family: Arial;"><span class="Apple-style-span" style="color: blue;"><b>“As pequenas percepções são afins da percepção artística, são sensações ínfimas, imperceptíveis que acompanham a apreensão de uma forma (pictural, musical ou outra) “ (José Gil)</b></span></span></i></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b><span style="font-family: Arial;"> Para José Gil a percepção estética, enquanto sistema perceptivo instável é revelada através das “pequenas percepções”. Estas são sensações ínfimas, imperceptíveis situadas no centro da própria percepção, também definidas por «fenómenos de fronteira ou de limiar» e são fenómenos “não- conscientes” para os quais terá de ser formulado um novo conceito de experiência, mas não a experiência do sujeito consciente.<o:p></o:p></span></b></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b><span style="font-family: Arial;"> <span class="Apple-style-span" style="color: blue;"> </span></span></b><i><span style="font-family: Arial;"><span class="Apple-style-span" style="color: blue;"><b>“As pequenas percepções garantem a passagem do não-verbal ao linguístico (dum ritmo cromático a um ritmo poético, do gesto verbal ao gesto corporal) Os «signos intervalos» surgem quando se manifesta uma fusão significante/significado ou relação (adequada ou não) entre um título dum quadro e a imagem que o designa. Estes são sempre aderências (ou restos) da expressão ao conteúdo ( e vice versa)." </b></span></span></i><br />
<i><span style="font-family: Arial;"><span class="Apple-style-span" style="color: blue;"><b>(José Gil)</b></span><o:p></o:p></span></i></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b><span style="font-family: Arial;"> O fenómeno «não-consciente» da comunicação artística caracteriza-se por ser próprio de «fenómenos de limiar» ou de fronteira. Estes fenómenos são apreendidos numa primeira aproximação como pertencentes ao campo das pequenas percepções e não possuem espaço de operatividade próprio, pois dependem em geral do movimento destas por se situarem na fronteira que separa e sobrepõe a consciência e o inconsciente. A ideia do “não-consciente” implica, através das pequenas percepções a consideração das forças e não das formas, ou do modo como as primeiras se inscrevem nas segundas, revelando-nos um fenómeno artístico definido por uma percepção de forças. <o:p></o:p></span></b></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b><span style="font-family: Arial;"> Na articulação da noção de “força” e de noção de “pequenas percepções”, reside a autonomia conferida ao invisível, segundo José Gil, o que não acontecia em Merleau Ponty, onde o invisível (polo negativo) dependia do modelo perceptivo do visível (polo positivo). As noções de “força” e “intensidade” vêm assim transformar as noções clássicas de “visível” e “invisível” .<o:p></o:p></span></b></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b><span style="font-family: Arial;"> <span class="Apple-style-span" style="background-color: white;"><span class="Apple-style-span" style="color: blue;"> </span></span></span></b><i><span style="background-color: white; font-family: Arial;"><b><span class="Apple-style-span" style="color: blue;">“ A experiência estética é antes de mais nada uma experiência específica de dissolução do sujeito. É uma experiência de forças e intensidades, porque implica processos de intensidade e génese de formas que constituem a própria emergência dos signos. Sou contra uma estética que semiotiza completamente a obra, porque me parece que o que se joga na obra de arte é precisamente como nascem, como se formam os signos”<o:p></o:p></span></b></span></i></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b><span style="background-color: white; font-family: Arial;"><span class="Apple-style-span" style="color: blue;"> “</span></span></b><i><span style="font-family: Arial;"><b style="background-color: white;"><span class="Apple-style-span" style="color: blue;">O olhar está sempre em oscilação entre uma percepção das formas tal como elas se apresentam e uma percepção que não é trivial. Esse equilíbrio instável é próprio da estética. Olhamos para um quadro e vemos aquilo que nos é dado pela percepção trivial. De repente o olhar tem uma espécie de vertigem e passa para um outro olhar, é aí que a percepção deixa de ser trivial e se torna estética. Ao mesmo tempo aparecem as pequenas percepções, que não são da ordem da claridade perceptiva, estão (tal como o inconsciente) no centro da claridade e da consciência, mas são estas pequenas percepções as vias de acesso que revelam os outros sistemas perceptivos meta-estáveis. ” (José Gil)</span></b><span class="Apple-style-span" style="font-size: medium;"><o:p></o:p></span></span></i><br />
<i><span style="font-family: Arial;"><b style="background-color: white;"><span class="Apple-style-span" style="color: blue;"><br />
</span></b></span></i><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjPU9zSUormMmKqELpgZjYPfeRL8v1nDSeyirVZMlBj7PmBzSxABkJzrsQFvX5l-aWBq792LhSGVHjLE1z4A-mTspnj8j2D72HyTaqUTvYb8WCW13qlVz3TJUajDyXVTKoeyJbLmQUXmZ0/s1600/Logo-AD-reduzido.bmp" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjPU9zSUormMmKqELpgZjYPfeRL8v1nDSeyirVZMlBj7PmBzSxABkJzrsQFvX5l-aWBq792LhSGVHjLE1z4A-mTspnj8j2D72HyTaqUTvYb8WCW13qlVz3TJUajDyXVTKoeyJbLmQUXmZ0/s1600/Logo-AD-reduzido.bmp" /></a></div><i><span style="font-family: Arial;"><b style="background-color: white;"><span class="Apple-style-span" style="color: blue;"><br />
</span></b></span></i></div></div>António Damásiohttp://www.blogger.com/profile/08778327206941284777noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-8171405610691890218.post-14186039921539263602011-03-18T15:09:00.000-07:002011-11-16T14:54:48.310-08:00A DEFINIÇÃO DA ARTE E O OBJECTO ARTÍSTICO<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on"><br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial;"><span class="Apple-style-span" style="font-size: 19px;"><b><br />
</b></span></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial; font-size: 14pt;"> </span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"> Existe cada vez mais uma enorme dificuldade em definir aquilo que é ou não é «arte». As práticas e objectos a que se pode dar a denominação de obra de arte são em tal número e diversidade que é difícil, senão impossível, proceder a essa classificação e encontrarmos um consenso e critérios que a definam.<o:p></o:p></span></b></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"> Este consenso, no qual se irá fundamentar a estética da modernidade, é difícil atingir e varia com a época histórica, a sociedade e a passagem do tempo. Do ponto de vista sociológico é considerado como «arte» aquele objecto que uma comunidade reconhece como tal, o que é manifestamente insuficiente como critério de classificação por se poder questionar com facilidade. Porquê aquele objecto e não outro? <o:p></o:p></span></b></div><div class="MsoBodyText" style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"> <b> Do ponto de vista histórico, o consenso atinge-se mais facilmente quando se analisa uma obra que não é nossa contemporânea. Existe sempre menos consenso (ou não existe) acerca das obras hodiernas ou recentes. O consenso aumenta portanto com a distância temporal, embora cada época histórica tenha um ponto de vista diferente, que pode ser sociológico, filosófico ou ideológico. Para Marx a ideologia filtra os conhecimentos que temos acerca do mundo, tornando-se num mecanismo que nos mostra dum modo dirigido e alienado aquilo que nos rodeia. Do ponto de vista filosófico teria de se partir de um modelo de comparação tomado como «arte», ou escolher um modelo (de entre muitos) que reunisse as características essenciais. O problema do consenso é posto também em relação ao juízo de gosto que é discutível. Kant na <i>Crítica da Faculdade de Julgar</i> coloca o problema da relação entre o sujeito e o objecto, dizendo que ao julgarmos esse objecto “belo”, estamos a chamar “belo” à sua representação e às memórias que temos doutros objectos e não ao próprio objecto.</b><span style="font-weight: normal;"><o:p></o:p></span></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"> O conceito de «arte» a sua fruição e juízo, assim como as oscilações do gosto que lhes estão associados traduzem-se em diversos tipos de emoções estéticas e adquirem vários significados e valores ao longo do tempo conforme a época e a evolução das sociedades e cultura em que são produzidos.<o:p></o:p></span></b></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"> A obra de arte evoluiu com o tempo e com as mudanças religiosas, sociais e políticas. De início considerado como objecto ritual e mágico e depois objecto de culto, «sagrado» inacessível e afastado do homem, que servia de veículo de representação às ideias e manifestações espirituais das diversas religiões, passou mais tarde a objecto «belo», mais acessível, acerca do qual se emite um «juízo» e de cuja fruição através da percepção (e simultaneamente da dissolução da percepção) se obtém um «prazer».<o:p></o:p></span></b></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><b>Para <a href="http://pt.wikipedia.org/wiki/Jos%C3%A9_Gil">José Gil</a> </b><i>“ a percepção da obra de arte não é um misto de prazer e de cognição nem um acto que visa um fenómeno particular visível, descrito segundo os conceitos clássicos da teoria do conhecimento. É um tipo de experiência caracterizada pela <u>dissolução da percepção</u>. O espectador vê primeiro como sujeito percepcionante e depois dum modo que o faz participar na obra.”</i></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"> A origem da «aura» da obra de arte está, segundo Walter Benjamin, no carácter de inacessibilidade do objecto de culto, «sagrado». Com a substituição dos valores culturais a «aura» passa a ser diferente através do culto da beleza e da autenticidade. A função mais artística da obra é assumida pela maior proximidade com o público. A obra de arte deixa de ser venerada como objecto sagrado, distante e absoluto e submete à nossa apreciação e análise do pensamento aquilo que é representado, e a função e importância que tem para nós.<o:p></o:p></span></b></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"> Para Kant, o juízo estético não é legislativo, não deve ser feito fora da presença do objecto, deve ser desinteressado e feito em liberdade.<o:p></o:p></span></b></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"> A obra de arte desperta em nós não só um prazer imediato mas um julgamento acerca da «ideia» que lhe está subjacente, do seu conteúdo, dos meios expressivos utilizados, e da adequação recíproca destes elementos.<o:p></o:p></span></b></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"> Com o advento da reprodução mecânica que revolucionou os meios de produção dos objectos e a invenção da fotografia e do cinema, a «aura» que envolvia o objecto artístico perdeu-se com a anulação da distância entre este e o sujeito. A partir daí o sujeito participa do objecto que lhe é cada vez mais acessível, pela maior proximidade e democraticidade do consumo.<o:p></o:p></span></b></div><div class="MsoBodyText" style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"> <b> O conceito de eternidade intemporal de obra de arte, foi posto de parte por Umberto Eco, que procurou articular dois conceitos: a estética e a sociologia, provando que por definição, uma obra de arte tem de ser um sistema aberto próximo da ideia de sistema aberto numa não determinação. Assim, a obra de arte, tem em si, como qualquer sistema, a característica de abertura, uma troca de informação entre a organicidade do sistema e tudo o que a rodeia (o seu ecossistema). É posta a tónica na leitura ou fruição duma obra, como acto de seriação constante, entra em fechamento, em entropia e morre. A ideia de obra como objecto que não tenha trocas com o ecossistema é contrária à ideia de obra de arte pois os fluxos sempre possíveis de serem dinamizados fazem com que a obra viva eternamente. Este fechamento e abertura coloca implicitamente a ideia de ordem e desordem, sendo qualquer artista um provocador de roturas e estas a emergência do novo. </b></span></div><div class="MsoBodyText" style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><b> Segundo Umberto Eco, a arte pode provocar desordem no interior do paradigma ou na emergência do novo. A ordem é o problema da metonímia, o discurso da continuidade, fechado. Um discurso aberto, que é o discurso da obra de arte, é um discurso descontínuo, metafórico e altamente ambíguo. É a própria sociedade na sua dinâmica que instaura paradigmas e consubstancia uma estética que define uma obra como arte. </b></span></div><div class="MsoBodyText" style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><b> Os vários tipos de leitura/fruição da obra desencadeiam processos de categorização (actos discriminatórios) na forma como se vai construindo uma obra de arte. Estas fruições têm a ver com as várias culturas, hábitos, crenças, tradições, conhecimentos e cognições que os fruidores têm em cada momento de fruição. Quantas mais leituras, mais perspectivas, novas relações, nenhuma sendo conclusiva ou exclusiva mas complementares. </b></span></div><div class="MsoBodyText" style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><b> Considerando as características dos diversos fruidores e a sua quantidade, haverá sempre novas perspectivas e consequentemente novos conteúdos informativos. </b></span></div><div class="MsoBodyText" style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><b> O objecto de arte segundo Umberto Eco é altamente informativo para além de comunicativo. Cada leitura cria uma tensão dinâmica entre o máximo de compreensão necessária para acedermos a essa obra. A sociedade necessita de um certo tempo para aprender e descodificar a emergência do “novo”. </b></span></div><div class="MsoBodyText" style="text-align: justify;"><i><span style="font-weight: normal;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">“ O objecto cultural em qualquer das suas modalidades, é sempre mais instável e polémico do que parece, porque nele se intersectam múltiplas percepções e assim nele se realiza a própria interacção cruzada entre quem o propõe, quem o avalia, quem o procura: a percepção do criador sobre a sua obra, percepção dos pares onde primeiro circula e dos que a julgam, percepção dos públicos que com ela se enfrentam. <u>Obra aberta</u> portanto, de fechamento partilhado com cada um dos interlocutores a acabando por si, quantas vezes, no limiar de horizontes incoincidentes. E obra aberta ainda na medida em que a incessante reconstrução dos modos de ver, ouvir, entender e sentir faz parte das oscilações históricas do gosto, tornando frágil, precário e provisório todo o tipo de fechamento.” (Idalina Conde) <o:p></o:p></span></span></i><br />
<i><span style="font-weight: normal;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><br />
</span></span></i><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjykBN-aurRjMQCAefJNSD1FNVA9hyphenhyphen4AdkvG0nyCu9TqWalZZYhpfjW-GsFkrak875S2qo96A0weWQPtaDkT42njnaJuBgcMuXZxxsqvSr_wA1JNEe6JcqhrrWL4W9U002DupamII_Iv98/s1600/Logo-AD-reduzido.bmp" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjykBN-aurRjMQCAefJNSD1FNVA9hyphenhyphen4AdkvG0nyCu9TqWalZZYhpfjW-GsFkrak875S2qo96A0weWQPtaDkT42njnaJuBgcMuXZxxsqvSr_wA1JNEe6JcqhrrWL4W9U002DupamII_Iv98/s1600/Logo-AD-reduzido.bmp" /></a></div><i><span style="font-weight: normal;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><br />
</span></span></i></div><div class="MsoNormal"><br />
</div></div>António Damásiohttp://www.blogger.com/profile/08778327206941284777noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8171405610691890218.post-85244572146569729572011-03-03T16:53:00.000-08:002011-11-16T14:51:46.440-08:00ARTISTAS PORTUGUESES - JÚLIO POMAR<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on"><br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh8ESGK0p8PcedsWOoYvc6vMktknX05XYOK9zyNl5VQERKy4PCChkdHV-9TXGeBX8QiUDz_jyXBoSLjuyQ7jnorhwsDV9WNwVMlYToG2640046w5MPF5CLOo5cpf4ItNvee2hhUgDR3AGM/s1600/250px-Julio_Pomar.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh8ESGK0p8PcedsWOoYvc6vMktknX05XYOK9zyNl5VQERKy4PCChkdHV-9TXGeBX8QiUDz_jyXBoSLjuyQ7jnorhwsDV9WNwVMlYToG2640046w5MPF5CLOo5cpf4ItNvee2hhUgDR3AGM/s1600/250px-Julio_Pomar.jpg" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><b><span class="Apple-style-span" style="color: #cc0000; font-size: large;"><a href="http://pt.wikipedia.org/wiki/J%C3%BAlio_Pomar">Júlio Pomar</a><br />
</span></b></td></tr>
</tbody></table><div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen='allowfullscreen' webkitallowfullscreen='webkitallowfullscreen' mozallowfullscreen='mozallowfullscreen' width='320' height='266' src='https://www.blogger.com/video.g?token=AD6v5dy0yjcV2S5KLB9na3B3Zdmu7dAoC5-gz8JgW-1WizNcz-_Mf5TZjqtFqQ0sEb2O7-xyMIWq5sXC4Z5BKpQsGw' class='b-hbp-video b-uploaded' frameborder='0'></iframe></div><div><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen='allowfullscreen' webkitallowfullscreen='webkitallowfullscreen' mozallowfullscreen='mozallowfullscreen' width='320' height='266' src='https://www.blogger.com/video.g?token=AD6v5dytQADRbsIz62bYSKNr_FRlaxm4Jxnq_DWAJh_nieHo_YOFuw7LrQozCz4RK80XkIA9a7CZw9Ax50ul_hsk_w' class='b-hbp-video b-uploaded' frameborder='0'></iframe></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"> </span><br />
<span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">A década de 80 é considerada das mais importantes na obra de Júlio Pomar, quer pela sua qualidade e quantidade , quer pela variedade de temas que aborda , que vão desde os aspectos da cultura popular expressos em trabalhos realizados após as viagens que fez ao Brasil em 87 e 88, até temas de carácter mais erudito, como as séries “Os Tigres”, a “Mitologia”, os “Corvos” e os “Retratos” ( Camões, F. Pessoa, Mário Soares,etc.) <o:p></o:p></span><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi0HMVc9uQRt-blP_xVrYasZ367ZB-uNiwgLtX-acQrcbUCAG_ty5CX8jO-vDYvXOVS_mKEj6RNWclaZBZ-C93zfL9bwPvBHey9ZJuHI-FDtByhhjnPgDqeoew4Ngw5BQEsQcZ8LflgmJs/s1600/16.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="275" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi0HMVc9uQRt-blP_xVrYasZ367ZB-uNiwgLtX-acQrcbUCAG_ty5CX8jO-vDYvXOVS_mKEj6RNWclaZBZ-C93zfL9bwPvBHey9ZJuHI-FDtByhhjnPgDqeoew4Ngw5BQEsQcZ8LflgmJs/s400/16.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">"O Luxo", 1979, Tela da série "Os tigres"- Júlio Pomar</td></tr>
</tbody></table></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"> Muitas destas obras foram feitas e refeitas por diversas vezes antes de dadas por terminadas . O artista exerce uma autocrítica constante sobre a sua obra, levando-o num processo simultaneamente aditivo e subtractivo, a fazer e desfazer, a pintar e repintar o trabalho até que ao seu olhar surja por fim concluído.<o:p></o:p></span><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiUiNwa0Racdnii-iopnxEkTiHqlRMml53ItXwTgm1vWgLEwFV8dSfw6DLo5V-6dtcMweXat_nMsWo9sr5oT3Zp7mVLaHbcHM5B2tXwh2tQagQy1PUYsmlsNXtjiZbyWmcQrGR9MRgKvak/s1600/Mascarados+de+Piren%25C3%25B3polis+XIV%252C+1987.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiUiNwa0Racdnii-iopnxEkTiHqlRMml53ItXwTgm1vWgLEwFV8dSfw6DLo5V-6dtcMweXat_nMsWo9sr5oT3Zp7mVLaHbcHM5B2tXwh2tQagQy1PUYsmlsNXtjiZbyWmcQrGR9MRgKvak/s640/Mascarados+de+Piren%25C3%25B3polis+XIV%252C+1987.jpg" width="419" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">"Mascarados de Pirenópolis XIV", 1987 - Júlio Pomar</td></tr>
</tbody></table></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"> Nos seus quadros existe um permanente apelo não só ao que é do domínio da experiência perceptiva , mas também do domínio do táctil. Segundo ele,<i>” a pintura passa antes de mais pelos olhos ” </i>e diz também que <i>“ o olho passa pelo comércio da mão, pelo tocar , a pintura é táctil é um convite à mão “.<o:p></o:p></i></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><i> </i> Para ele a pintura é um conjunto de marcas de uma ou mais matérias coloridas sobre uma superfície que pode vir a produzir uma imagem. O conjunto das linhas, manchas de cor e texturas dadas pelos empastes de tinta , relacionam-se sempre duma forma dinâmica pela alternância entre figura e fundo. <o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"> Frequentemente, na sua obra, o que nos é dado à percepção é uma troca constante entre o que é forma e o que é espaço.<o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"> Embora nas suas obras exista sempre uma presença da imagem figurativa, esta não pode ser considerada nos moldes tradicionais e académicos. Existem dois aspectos diferentes que fazem a sua pintura, por um lado a presença dum tema aglutinador à volta do qual a obra se vai construindo com figuras por vezes incongruentes ou aparentemente sem relação ( como os tigres com guarda-chuva de 79/80 ) com raízes certamente no Surrealismo, por outro lado o método de trabalho que está ligado ao Expressionismo Abstracto .</span><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiqMj1GCQ8O16UTa0ZTpqbtvvI80M8LekVqCGt8ONt-aAbb3E2IGArWIFDfykB9e4FLeU-3A_O8aHzWL66u5tCpl5ezSQd5_L4mabxXsOBB2oye4uIPfb12tDm4Ab0gzaVQgYvMu4S8JH8/s1600/j%25C3%25BAlio+pomar+soares.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiqMj1GCQ8O16UTa0ZTpqbtvvI80M8LekVqCGt8ONt-aAbb3E2IGArWIFDfykB9e4FLeU-3A_O8aHzWL66u5tCpl5ezSQd5_L4mabxXsOBB2oye4uIPfb12tDm4Ab0gzaVQgYvMu4S8JH8/s400/j%25C3%25BAlio+pomar+soares.jpg" width="313" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Retrato de Mário Soares - Júlio Pomar</td></tr>
</tbody></table></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"> É precisamente para a simbiose figurativo / abstracto , a meu ver uma das características de maior importância na sua obra , que tento chamar a atenção através da abordagem dos seus trabalhos mais recentes, nomeadamente no que se refere à percepção e à importância das pequenas percepções e das suas propriedades do “invisível sensível” (de que fala M. Ponty). Na leitura das obras as pequenas percepções podem desempenhar , segundo José Gil, um papel idêntico a um código de tradução que traduz de imediato o não verbal noutra linguagem não verbal; as cores em sons, as figuras em gestos, a pintura em poesia, etc.<o:p></o:p></span></div><div class="MsoBodyText"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"> <i> </i><i>Para Pomar é no «ver» que a imagem habita prioritariamente e para ele é esse o ofício do pintor, «ver», o que o leva a alterar a tela e a recomeçar de novo inúmeras vezes, até que a evidência legível do objecto primário se desvaneça, se dilua noutras formas e noutros modos de ver. “Mutação e “Transformação” são pois para ele os processos operatórios .</i></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"> Somos então levados a «ver» de dois modos diferentes correspondentes a duas atitudes perceptivas. Uma em que encontramos os sinais, as ínfimas percepções, as sensações que restam e acompanham a apreensão da forma, do objecto do qual temos conhecimento prévio ou que se relaciona com o título ou tema da obra , outra em que olhamos apenas as formas simplesmente, por si próprias, desligadas de outro sentido que não sejam elas próprias e a que José Gil chama atitude “pré-estética” ou de abstracção. <o:p></o:p></span><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"></div><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi6dx5ZW5-XWA2szNVbxqizH7bfkpX67HNiTbJY0vVcx1L-qhS9bIfJqIf9WIxlRYE9vNe5khv7N7IztpWrdMaZjgkFo39bFcGFh7PQnnKHKSaha3cOfPCTHBHcw-MZRatW8OZpYo-eEZ8/s1600/ng1129438.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><span class="Apple-style-span" style="color: black; font-size: x-small;"><img border="0" height="227" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi6dx5ZW5-XWA2szNVbxqizH7bfkpX67HNiTbJY0vVcx1L-qhS9bIfJqIf9WIxlRYE9vNe5khv7N7IztpWrdMaZjgkFo39bFcGFh7PQnnKHKSaha3cOfPCTHBHcw-MZRatW8OZpYo-eEZ8/s400/ng1129438.jpg" width="400" /></span></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Júlio Pomar no seu atelier</td></tr>
</tbody></table></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"> A estrutura das suas obras contém em si uma desarticulação ou desestruturação. As formas assumem-se como uma substituição metafórica do sentido. Ao mesmo tempo que “mostra”, o artista “esconde” num jogo de relações de texturas, cores e formas que alternam entre a aparência objectiva, reconhecível e a sua metamorfose em alguma “coisa”, em algo abstracto quase “invisível” (ou quase “visível”).</span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"> <i>“As marcas na tela formam uma narrativa – a narrativa pictórica, a qual não representa nem conta nada, a não ser a sua própria produção enquanto complexo de gestos, de procuras, de acções múltiplas. Por muito ilusionista que seja a representação, o corpo do representado só será visto depois da pele da superfície. “(J.Pomar)</i></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"> Para Júlio Pomar não existe nas suas obras uma relação fixa ou definitiva entre a imagem e a superfície pictórica . Esta relação assume-se dum modo inquieto, sem limites . Para ele a realidade é agarrada na tela e não representada nela .</span><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgy1T_nPIafSFd_-sLURgSIixgORoipLTdHMiSO6bKaseIDlT9IYuxS3utRpWIRTLbSGm9JM5Ust5_m2RlbKSCMnfs4ZzWf3KaoDPs3GySgi_LcHLtyPgWPngIeDuiMU_-jDdPQuIrq12w/s1600/Edgar+Poe%252C+Fernando+Pessoa+e+o+Corvo%252C+1985.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgy1T_nPIafSFd_-sLURgSIixgORoipLTdHMiSO6bKaseIDlT9IYuxS3utRpWIRTLbSGm9JM5Ust5_m2RlbKSCMnfs4ZzWf3KaoDPs3GySgi_LcHLtyPgWPngIeDuiMU_-jDdPQuIrq12w/s640/Edgar+Poe%252C+Fernando+Pessoa+e+o+Corvo%252C+1985.jpg" width="419" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">"Edgar Poe, Fernando Pessoa e o Corvo", 1985 - Júlio Pomar</td></tr>
</tbody></table></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><i><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">“ O representado, se existe, apresenta-se como engodo do «visto» . A obra tende a permanecer aberta, pois o olhar interroga e trabalha o «visto». <o:p></o:p></span></i></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><i><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"> </span></i><i><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">“A abstracção é-me difícil. Digo muitas vezes «coisas». Não me desligo do tocável”. (J.Pomar)</span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial; font-size: medium;"><o:p></o:p></span></i></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial;"><span class="Apple-style-span" style="font-size: 19px;"><b><br />
</b></span></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial; font-size: 9pt;"><span class="Apple-style-span" style="color: red;">Nota: Os textos em itálico são excertos de frases da autoria de Júlio Pomar extraídos de : ”Cahiers de la Différence nº 4” , “Da Cegueira dos pintores” e “Entrevista com Helena Vaz da Silva” </span><o:p></o:p></span><br />
<span style="font-family: Arial; font-size: 9pt;"><span class="Apple-style-span" style="color: red;"><br />
</span></span><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhGIfXkpbu7wFxkRzO3qdwZVQ9NCD9T8i0dcjLLjsVORlncPn_-UE3j4F78Okvw-Zv4lLAWYjnlqyrKZhf7QzFsHeDaflaliEZ1cRXFyOV-zEu8fRgf8XqCnQOvrW1JB0YKhsRfNqhFw1A/s1600/Logo-AD-reduzido.bmp" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhGIfXkpbu7wFxkRzO3qdwZVQ9NCD9T8i0dcjLLjsVORlncPn_-UE3j4F78Okvw-Zv4lLAWYjnlqyrKZhf7QzFsHeDaflaliEZ1cRXFyOV-zEu8fRgf8XqCnQOvrW1JB0YKhsRfNqhFw1A/s1600/Logo-AD-reduzido.bmp" /></a></div><span style="font-family: Arial; font-size: 9pt;"><span class="Apple-style-span" style="color: red;"><br />
</span></span><br />
<span style="font-family: Arial; font-size: 9pt;"><span class="Apple-style-span" style="color: red;"><br />
</span></span><br />
<span style="font-family: Arial; font-size: 9pt;"><span class="Apple-style-span" style="color: red;"><br />
</span></span></div></div></div></div>António Damásiohttp://www.blogger.com/profile/08778327206941284777noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8171405610691890218.post-26782229626228905362011-02-23T16:10:00.000-08:002011-02-28T23:55:41.403-08:00ESTÉTICA - Desmaterialização da obra de Arte<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><b><span class="Apple-style-span" style="font-family: Georgia, 'Times New Roman', serif;"><span class="Apple-style-span" style="color: red; font-size: x-large;">SER </span><span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large;">OU</span><span class="Apple-style-span" style="color: red; font-size: x-large;"> </span><span class="Apple-style-span" style="color: blue; font-size: x-large;">NÃO SER</span></span></b></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><b>OBRA DE ARTE</b></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh9h-8t7Q31DWAXnkePPRFOj9WNzzZmvzoeqmGbTJtCfaOyg2juS9gbigQm591l9r9xhIlmgBE5LL3dqzULQglJ3akR1PiW2bMFBx3WZ4o-unc-6L-jb4Xhj8DSXbJ90YJRaghSWr3Yhhs/s1600/descartes.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh9h-8t7Q31DWAXnkePPRFOj9WNzzZmvzoeqmGbTJtCfaOyg2juS9gbigQm591l9r9xhIlmgBE5LL3dqzULQglJ3akR1PiW2bMFBx3WZ4o-unc-6L-jb4Xhj8DSXbJ90YJRaghSWr3Yhhs/s320/descartes.jpg" width="228" /></a></div><br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial; font-size: 12pt;"> A ideia de desmaterialização associa-se à ideia de “<u>perca</u>”. Esta ideia tornou-se fundamental no séc. XX e nos últimos 40 anos. A ideia de “perca” é a ideia fundamental na concepção do processo artístico. Consideram-se <u>duas formas de procedimento do acto criativo</u>. Por um lado o processo criativo <u>como adição ou acumulação</u> em relação a outra concepção que se começa a esboçar nos primeiros anos da década de 60 e que associa o acto criativo, não a um processo de acumulação ou aditivo, mas a um <u>processo subtrativo ou de</u> “<u>perca</u>”.Quando utilizamos esta palavra (perca) é inevitável associarmos a esta ideia uma conotação psicanalítica , no sentido em que o processo criativo se baseia mais sobre uma falta ou ausência do que sobre a acumulação da presença física dum objecto numa sala, ou fazer com que o objecto seja o resultado duma acumulação.<o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial; font-size: 12pt;"> Esta perca é uma perca da materialidade do objecto. Há menos objectos materiais nas exposições, menos matéria, e a matéria que existe é mais sintética e menos analiticamente acumulada. Esta “perca” ou ausência surge em favor duma crescente importância duma figura de estilo, dum recurso que é o “<u>conceito</u>”.<o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial; font-size: 12pt;"> Por “conceito” podemos nesta fase genericamente entender “sujeito. Quer dizer, há uma certa materialidade em função dum crescendo da importância da “ideia”. Não propriamente da “ideia”, mas duma “ideia da ideia”.<o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial; font-size: 12pt;"> A esta “ideia da ideia” um grande número de artistas e teóricos dos anos 60 chamou “<u>conceito</u>”.<o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial; font-size: 12pt;"> O “conceito” não surge ou não é o lado mental do processo artístico e a matéria não é o lado físico do processo artístico. Na realidade os artistas quando falam do seu trabalho não fazem intuitivamente uma divisão entre o que têm de dizer e aquilo que fazem. É frequente os artistas, ao falarem do seu trabalho, usarem expressões como: “no plano das ideias”... “no plano do imaginário”... “em termos conceptuais este trabalho refere-se”... (“a isto ou aquilo”) .<o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial; font-size: 12pt;"> Quer dizer que está enraizado no nosso vocabulário, na nossa maneira de falar, uma forma cartesiana de nos ligarmos com as Obras de Arte. Olhamo-las como se elas fossem pessoas, e depois aplicamos-lhes a divisão entre a “<a href="http://blog.domingosfaria.net/2009/08/as-meditacoes-de-descartes.html">rés cogitans</a>” e a “<a href="http://blog.domingosfaria.net/2009/08/as-meditacoes-de-descartes.html">rés extensa</a>” que <a href="http://pt.wikipedia.org/wiki/Ren%C3%A9_Descartes">Descartes</a> estabeleceu para melhor compreender o mundo. Esta forma de nos relacionarmos com as obras de arte é extremamente redutora, porque a maior parte da “rés cogitans” da Obra de Arte não vive noutro lado senão na “rés extensa”. Isto é, não há ideia duma Obra que não se manifeste numa forma qualquer de existência.<o:p></o:p></span><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"></div></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"></div><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj578dIxSXvg8YpicdrxHEwrMc2Tp4WU2O1HQrN8dcrlPnOg-Q4XV2sVhZXuuukdqn_0OId4M7EfW7llW2nrZzbA9xL_e4-MyfcyTsqz7rNJb8WybU2a-CtMjvgO-C4YWt2i7pUeedV4Fs/s1600/escorredor+de+garrafas.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj578dIxSXvg8YpicdrxHEwrMc2Tp4WU2O1HQrN8dcrlPnOg-Q4XV2sVhZXuuukdqn_0OId4M7EfW7llW2nrZzbA9xL_e4-MyfcyTsqz7rNJb8WybU2a-CtMjvgO-C4YWt2i7pUeedV4Fs/s400/escorredor+de+garrafas.jpg" width="293" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Marcel Duchamp - Escorredor de garrafas</td></tr>
</tbody></table><span style="font-family: Arial; font-size: 12pt;"> A “perca” sente-se em relação à ausência ou diminuição da materialidade, logo, em função da importância da “ideia” em detrimento da matéria. Essa “ideia” manifesta-se pela ausência de narração ou falência do processo narrativo, e ausência de história. Já não basta aproveitar a grande herança do modernismo que tinha sido tomar a história como sintoma ou indício da grande complexidade do “ser” em geral. A versão que temos mais acabada deste grande eixo de preocupação moderna podemos encontrá-la em James Joyce por um lado e por outro em Marcel Duchamp . <o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial; font-size: 12pt;"> Todas as micro-narrativas que M.Duchamp constrói são uma espécie de véu levantado sobre a grande complexidade que é o “ser”.<o:p></o:p></span><br />
<span style="font-family: Arial; font-size: 12pt;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: 'Times New Roman'; font-size: small;"><span style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: white; background-image: initial; background-origin: initial; font-family: Arial; font-size: 12pt;"> No mesmo sentido, segundo a </span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial; font-size: 16px;">concepção de</span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial; font-size: 16px;"> Joyce, da narração de um período absolutamente concentrado da história da vida de alguém pode-</span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial; font-size: 16px;">se</span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial; font-size: 16px;"> intuir da grande complexidade que é qualquer tipo de relação seja ela qual for.</span></span></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial;"><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;"> Nos anos 60, a maior parte dos artistas e criadores não estão preocupados em sinalizar essa complexidade, estão preocupados em prescindir da narratividade como elemento central de qualquer processo criativo. </span></span><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj_BSFMB6l6W3i7usGYIOrgipFhuGDNaptdJs32vjfSpe7QZ_ZSMQgy2NacIUCHas7IpRDRT1ZmLtCjZGVRWXNhlfoYO3hMVnZqApnCq3l66-AWpd36YNH27aMEtctHlXF41KKn6zv_Ztk/s1600/sol-lewitt-123454321.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="241" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj_BSFMB6l6W3i7usGYIOrgipFhuGDNaptdJs32vjfSpe7QZ_ZSMQgy2NacIUCHas7IpRDRT1ZmLtCjZGVRWXNhlfoYO3hMVnZqApnCq3l66-AWpd36YNH27aMEtctHlXF41KKn6zv_Ztk/s320/sol-lewitt-123454321.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Sol Lewit</td></tr>
</tbody></table><span style="font-family: Arial;"><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;"><a href="http://pt.wikipedia.org/wiki/Sol_LeWitt">Sol Le Wit</a> fala de artistas conceptuais com <b>“C”</b> maiúsculo e artistas conceptuais com <b>“c”</b> minúsculo. Com <b>“C”</b> maiúsculo são os que prescindem de qualquer actividade física na produção do seu trabalho. Artistas conceptuais com <b>“c”</b> minúsculo, que é o caso dele próprio, não prescindem de continuar a produzir desenhos e esculturas como suporte do seu processo criativo continuando a ser conceptuais. </span></span><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjjw4NRjIk6wkeIxYkYgxDmx6U0NwM0x9YJFRJpFXKfVc1m2qDxYgMA87CWNFfGgc8wLW14cc50qkcXJiwc7JcxRcSOEEvGcWIbLnGNvI6SNjt1tpMrSxu_hBWwjwcmHHUE3dQw4BUs_nA/s1600/300px-Donald_judd.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjjw4NRjIk6wkeIxYkYgxDmx6U0NwM0x9YJFRJpFXKfVc1m2qDxYgMA87CWNFfGgc8wLW14cc50qkcXJiwc7JcxRcSOEEvGcWIbLnGNvI6SNjt1tpMrSxu_hBWwjwcmHHUE3dQw4BUs_nA/s400/300px-Donald_judd.jpg" width="246" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Donald Judd</td></tr>
</tbody></table><span style="font-family: Arial;"><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;">Um bom exemplo de artista conceptual com <b>"C"</b> </span>maiúsculo<span class="Apple-style-span" style="font-size: small;"> e que a dado momento da sua carreira prescinde do <o:p></o:p></span></span><span class="Apple-style-span" style="color: #40454b;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">contacto directo na produção das obras que idealiza é <a href="http://en.wikipedia.org/wiki/Donald_Judd">Donald Judd</a> cujas peças passam a ser</span></span><span class="Apple-style-span" style="color: #40454b; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"> inteiramente produzidas em fábricas a partir dos seus projectos. A ele </span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><span class="Apple-style-span" style="color: #40454b;">Interessa-lhe a tridimensionalidade da escultura e a relação que os objectos estabelecem com o espaço e com o solo. Nos seus trabalhos minimalistas, que resultam de uma radical simplificação das formas, dos materiais e das cores, o artista pretende acentuar as qualidades físicas e plásticas, sem imitar ou expressar nada para além da realidade física e sensível das formas. Produziu séries de esculturas repetitivas em forma de caixas rectangulares de contraplacado, madeira , alumínio ou ferro. Estas "Pilhas" eram colocadas em paredes ou no chão. Produziu também peças de mobiliário despojadas de decoração e reduzidas à expressão formal mais simples. </span></span><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjK2Gygaow6Qcf1tTcmnx75l5SkLUF03LEXjObkwOUSR-YidtozGo1VS46Co_b6q0CSKLnE1NUud6Jl5J0im0IlNhgnHPUANbg48jTBFO0c8AtNwE7WCGpYgo1zPvmZABytku7OVrreiy8/s1600/1444788918_96afe664f5.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjK2Gygaow6Qcf1tTcmnx75l5SkLUF03LEXjObkwOUSR-YidtozGo1VS46Co_b6q0CSKLnE1NUud6Jl5J0im0IlNhgnHPUANbg48jTBFO0c8AtNwE7WCGpYgo1zPvmZABytku7OVrreiy8/s400/1444788918_96afe664f5.jpg" width="300" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Donald Judd</td></tr>
</tbody></table></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial; font-size: 12pt;"> O termo “conceptual” tem portanto valores muito diferentes para diferentes criadores ao longo dos anos 60, mas temos como instancia mais globalizante esta acepção da importância da ideia como rescisão com a ideia de narrativa. Nos anos 60 encontramo-nos sob a égide da abstracção, tomada no seu sentido radical. Assim surgem uma série de proposições e micro tendências chamadas “abstraccionismo radical”. Este abstraccionismo radical quer prescindir de qualquer vertente significante ou seja esta obra “não quer dizer” , “não significa”, ela é um campo de “possibilidade pura” , o campo total de possibilidade”. Esta rescisão com o elo que sempre ligou o criador à narrativa, tem vertentes que são próprias e vertentes que são irónicas, isto é, há artistas que partem da ideia de que o seu trabalho não deve fazer referência nenhuma a um processo narrativo de qualquer tipo, há outros artistas que fazem o contrário, centram o elo com o processo narrativo a partir da utilização de pinturas narrativas que são, ou paradoxais, ou inúteis, ou irrisórias, ou não têm nenhuma importância para a presença da obra ou para a relação com o espectador. Os dois exemplos mais curiosos desta segunda vertente vêm da Califórnia, onde há uma ligação particular com a memória do surrealismo. <o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial; font-size: 12pt;"></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial; font-size: 12pt;"><a href="http://en.wikipedia.org/wiki/John_Baldessari">John Baldessari</a>, artista californiano, em 1970, simbolicamente, queimou todos os quadros que tinha pintado entre 1953 e 1966 metendo as suas cinzas numa urna com um rótulo que dizia: “Aqui jaz toda a obra passada de John Baldessari”. <o:p></o:p></span><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjooDG0yhh0ZVElX9RMO46V4BRxoikBRuNj1njbdiNN9LY2CwzIG9Fz7qnf2jnCjKdVPFqOT7UrZJO1Dad05tBYr0xpM5ZRGIWXHwyY_T_36xYVMgApIflxV091foD_2tRUvTMw7jYgn1o/s1600/04_05.26.ASMALL.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjooDG0yhh0ZVElX9RMO46V4BRxoikBRuNj1njbdiNN9LY2CwzIG9Fz7qnf2jnCjKdVPFqOT7UrZJO1Dad05tBYr0xpM5ZRGIWXHwyY_T_36xYVMgApIflxV091foD_2tRUvTMw7jYgn1o/s400/04_05.26.ASMALL.jpg" width="265" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Bolos feitos com cinzas de "The Cremation Project" - John Baldessari</td></tr>
</tbody></table><span style="font-family: Arial; font-size: 12pt;"><br />
</span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial; font-size: 12pt;"> Esta nova obra intitulada </span><span style="font-family: Arial; font-size: 12pt;">”<span class="apple-style-span"><span style="color: black;">The Cremation Project"</span></span></span><span style="font-family: Arial; font-size: 12pt;"> simbolizava um momento de corte com o passado. Baldessari utiliza na sua obra processos muito similares à memória do cinema, fazendo referências à ideia de montagem visual. Esses processos de montagem <o:p></o:p></span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">constroem frequentemente micro-narrativas paradoxais ou micro-narrativas sem sentido absolutamente nenhum desmontando o processo criativo.</span><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjRr69anw8qGMtSnb2BJSAQcXwwfOWvIPnorfRtyUqZ22GtKTeOrPoC0c8fca8plkOuLxRf72aTjpcu8PxdyyuOGeOXRJJ-D6FlUt5G4ga05Ek4eNpC3dvUaOBfpL5zfY674JeiOwLk0Ss/s1600/JohnBaldessari.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjRr69anw8qGMtSnb2BJSAQcXwwfOWvIPnorfRtyUqZ22GtKTeOrPoC0c8fca8plkOuLxRf72aTjpcu8PxdyyuOGeOXRJJ-D6FlUt5G4ga05Ek4eNpC3dvUaOBfpL5zfY674JeiOwLk0Ss/s400/JohnBaldessari.jpg" width="328" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">"Conselhos para artistas que querem vender" - John Baldessari</td></tr>
</tbody></table></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial; font-size: 12pt;">Algumas das obras deste artista, são quadros que têm textos escritos com indicações diversas como. “Conselhos para artistas que querem vender. 1º -Pintar paisagens que não tenham elementos mórbidos”, etc. <o:p></o:p></span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Outro artista da mesma altura, com um percurso ligeiramente diferente, mas que incide sobre o mesmo eixo de relação entre a narração e a utilização que invoca narração é<a href="http://en.wikipedia.org/wiki/Edward_Ruscha"> Ed Rusha</a>. </span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">A sua primeira obra é uma série </span><span style="font-family: Arial; font-size: 12pt;">de cartões-de-visita que mandou imprimir com o nome seguido da transcrição fonética do nome e por baixo a profissão. No início da década de 60 ele fez uma <o:p></o:p></span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">quantidade de trabalhos sobre suporte fotográfico ou utilizando “raports”. Um dos seus trabalhos foi <i>“Royal type Writer test”,</i> em que ele atira uma máquina de escrever da marca <i>Royal</i> dum carro em andamento à velocidade de 60</span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial; font-size: 16px;">milhas por hora, fotografando depois de parar os despojos da máquina espalhados na estrada. </span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg_OlnAz6mMychyXwkmREQeQzqLOrCVfmFH3f7LYgUFQneuuE4A74EcR_DqlvsIEXSzdM0zhdtOymSaSy189zadjBZXn8zkNMqRHteK3ViQRlelifyKbbuWcalvjJdietoNk7EFprd0VSQ/s1600/h2_1970.590.5.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="301" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg_OlnAz6mMychyXwkmREQeQzqLOrCVfmFH3f7LYgUFQneuuE4A74EcR_DqlvsIEXSzdM0zhdtOymSaSy189zadjBZXn8zkNMqRHteK3ViQRlelifyKbbuWcalvjJdietoNk7EFprd0VSQ/s400/h2_1970.590.5.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><span class="Apple-style-span" style="font-size: x-small;">“Royal type Writer test” - Ed Rusha</span></span></td></tr>
</tbody></table><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial; font-size: 16px;"> Há aqui uma utilização duma narrativa suficientemente irónica para ser sobre a destruição do processo de destruição. A destruição da máquina não tem outro significado senão o de desmontar a própria acção de anulação do processo de escrita ou do processo de narração. Outro trabalho deste autor consiste numa série de fotografias de estações de serviço de combustível que não têm nenhuma função, nem estética, nem narrativa, apenas a função de exemplificação da ideia de que qualquer realidade existe dum determinado ponto de vista.</span><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjrfXx7NAL1zDfk9qJf2R7o4krhIoPwvsDhb_tZwBV1Wqv7o2oXciWYJtIHCHzS2evUHgFB7LuJE1o-mbUCK6No-UY9lyIzfWRAKUNSwcXRzIeDDzH_tGXWcsc3L3A53_OOJ_ZVT9WzDnQ/s1600/ed_ruscha-twenty-six20gasoline20station_19621.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjrfXx7NAL1zDfk9qJf2R7o4krhIoPwvsDhb_tZwBV1Wqv7o2oXciWYJtIHCHzS2evUHgFB7LuJE1o-mbUCK6No-UY9lyIzfWRAKUNSwcXRzIeDDzH_tGXWcsc3L3A53_OOJ_ZVT9WzDnQ/s400/ed_ruscha-twenty-six20gasoline20station_19621.jpg" width="300" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: x-small;">"Estações de serviço" - Ed Rusha</span></td></tr>
</tbody></table></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial; font-size: 12pt;"> Esta ideia de ausência de narração acontece porque ela pede uma crítica à noção de história, (história política, história social, história da Arte). Em última instância, o processo de rotura que se vai acalentando durante os anos 70, necessita de utilizar também a utopia da falência do processo histórico, sobretudo o processo da história de Arte. Esta polémica não é nova, se fizermos um recuo até início do séc. XIX, o grande problema da instauração das novas expressões visuais do Romantismo alemão, foi precisamente terem que combater a pintura histórica da época. O Romantismo começa por tentar vencer a geral importância da pintura histórica que era a forma usual como o poder celebrava a sua perpetuação. Existe portanto um processo de rotura em relação à ideia de história construído duma utopia colocada com o Romantismo, que foi a descoberta da possibilidade da linguagem visual. A ideia de história como zona onde o poder e o Estado aplicam a sua possibilidade reprodutora é o alvo permanente das clivagens.<o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial; font-size: 12pt;"> Este processo de desmaterialização assume-se primeiro como “perca”, perca em favor da “ideia”, tida como crítica da narratividade e como utilização da narratividade no domínio da história. Isto não quer dizer que haja um divórcio ou afastamento entre a narração com a palavra e as artes visuais.<o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial; font-size: 12pt;"> Uma das formas mais eficazes de efectuar crítica é a de escrever. Portanto a escrita narrativa faz parte integrante dum processo criativo duma quantidade de artistas. Esta situação reside numa aproximação entre o universo da palavra e o universo da imagem. Na crítica à narratividade e na crítica à história existe como parte integrante deste processo uma aproximação entre o universo da palavra e o universo da imagem. Há uma expressão de <a href="http://en.wikipedia.org/wiki/Lucy_R._Lippard">Lucy Lippard</a> que diz: “Em termos de processo criativo, a aproximação entre a palavra e a imagem significa a transformação do Ateliê num escritório”.<o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial; font-size: 12pt;"> Esta transformação é radical. O ateliê deixou de ser um campo de batalha com a tela ou com a matéria bruta, para passar a ser o campo do futuro do aperfeiçoamento intelectual.<o:p></o:p></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial; font-size: 12pt;"> Esta geração de artistas dos anos 70 é a primeira que tem <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“mensagem”</i></b> . São artistas que procuram continuar com um processo de investigação. A ideia de <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“projecto”</i></b> é uma ideia que se associa à ideia de investigação, por vezes com muitas semelhanças com a investigação científica, qualidade fundamental para a solidificação desta ideia de crítica associada à utilização de ironia, aproximação ao universo da palavra, utilização de micro-narrativas. </span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Um dado fundamental para perceber estes processos foi a existência da 1ª grande exposição de Marcel Duchamp em 1966, da qual foi editado um catálogo, que na altura funcionou como um elo entre a nova geração de artistas e os críticos.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial; font-size: 12pt;"> No próprio universo da escrita crítica existe a ideia de que o processo criativo é um processo que tem como função delegar a relação com o espectador, com aquilo que vê. Essa ideia central podia ser definida na seguinte frase de <a href="http://www.blogger.com/goog_1777406407">Allan </a></span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial; font-size: 16px;"><a href="http://pt.wikipedia.org/wiki/Allan_Kaprow">Kaprow</a> que diz: “Quanto mais aberta e ambígua for a experiência oferecida, mais o espectador é forçado a depender das suas próprias percepções”. Ou seja, quanto mais disponível for de se demonstrar a possibilidade da obra , maior a responsabilidade do espectador. Existe subjacente a todo este processo uma ideia intensa de democracia interpretativa.</span><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"></div><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEht1IgFvw6oboO9TVlKOYkp9Nt87J0Zr9EDbt_vzuwEj5kfuZLTlvAzE4Ire15hzfw1Ofkfc1vD2FqOlXocEtJ0I4juoDBc06qAuhgxrQCQzI1p48TfDtJ9YnjjiSq8N40svUADvn9JDzw/s1600/images+%25288%2529.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="249" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEht1IgFvw6oboO9TVlKOYkp9Nt87J0Zr9EDbt_vzuwEj5kfuZLTlvAzE4Ire15hzfw1Ofkfc1vD2FqOlXocEtJ0I4juoDBc06qAuhgxrQCQzI1p48TfDtJ9YnjjiSq8N40svUADvn9JDzw/s400/images+%25288%2529.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">"18 Happenings em 6 partes" - Alan Kaprow</td></tr>
</tbody></table></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial; font-size: 12pt;"> A democracia interpretativa opõe-se assim a uma democracia representativa, a ideia é a de que qualquer espectador tem de suscitar interposta interpretação. Na democracia interpretativa, pelo contrário, o espectador é livre de estabelecer o seu próprio mapa ou o seu próprio código interpretativo. Existe aqui uma utopia da grande democracia interpretativa, mas a esta democracia interpretativa ou perceptiva corresponde também uma determinada democracia criativa.<o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial; font-size: 12pt;"> Ou seja, não pode haver um crescendo no sentido da possibilidade criativa, as duas caminham lado a lado. Onde é que encontramos manifestações mais intensas daquilo que podemos entender como essa democracia de criatividade? Em primeiro lugar no campo que liga à ideia ou utilização do corpo, por vários motivos. Porque o corpo é geral, todos temos um corpo, existe portanto neste aspecto uma garantia de democracia. Em segundo lugar porque o corpo tem toda a plasticidade possível, permitindo prescindir de outras componentes matéricas na produção da Obra. A linguagem manifesta-se no corpo, o corpo pode em si suscitar a presença de todas as possíveis zonas conflituais a partir de raciocínios que têm a sua raíz no campo psicológico, ou no campo político, ou na crítica, o corpo é um enorme campo de possibilidades. Esta ideia, encontramo-la mais cedo, não é uma invenção dos anos 60, embora hoje o possa parecer. Podemos verificar que os trabalhos sobre o corpo se iniciaram durante a 1ª Guerra Mundial, nos cabarets alemães. Com uma enorme liberdade da possibilidade de utilização da obscenidade em palco e da nudez temos um primeiro fluxo de presença do próprio corpo.<o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial; font-size: 12pt;"> Os cabarets têm como grande diferença a proximidade entre o espectador e aquele que representa. Essa proximidade chega ao ponto da promiscuidade. Há uma grande libertação do corpo que é intrínseca ao ambiente dos cabarets alemães do princípio do século. Este ambiente liga-se também às artes visuais e vem encontrar-se em Zurique no Cabaret Voltaire que iniciou as suas actividades em 1916. Neste local aconteceram inúmeras actividades ligadas à vanguarda musical e das artes plásticas provenientes do dadaísmo. <o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial; font-size: 12pt;"> Existem portanto antecedentes para essa importância do corpo em processos de rotura e a primeira razão era uma razão democrática, porque todos temos corpo. A 2ª razão tem a ver com a perspectiva de possibilidades que um trabalho sobre o corpo oferece na construção de estratégias que tenham a ver com estruturas e porque o corpo pode sempre ser utilizado como o passaporte para as referências a mecanismos de desejo ou de prazer, mas também a mecanismos de dor, de penitência ou de morte e portanto, quer no domínio da invocação destes sentimentos, quer no domínio da invocação da sexualidade, do desejo, ou do prazer, nestes dois domínios a zona onde o criador consegue uma ponte de contacto com o espectador de uma forma mais imediata e eficaz e com exemplificações que tenham a ver com a utilização do corpo. Se isto era válido em 1916, por exemplo as performances de Bedkin eram conhecidas pela grande obscenidade dos textos pela grande exposição sexual do discurso, pela referência permanente à doença, ou à interioridade do corpo, era um discurso permanentemente visceral sobre o informe do interior do corpo. É também a partir desse núcleo de referências que nos anos 60 nos E.U. se vai construir a primeira forma de relação intensa com o corpo. O corpo é utilizado como o sítio onde a presença do desejo, do prazer e da morte se manifestam com toda a intensidade. A comunicação através da presença corporal é fundamental. Mas o corpo é tomado não só como o corpo do actor ou do performer.<o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial; font-size: 12pt;"> Dentro do âmbito de democracia criativa e interpretativa, o corpo que está em causa não é só o do performer, daquele que desempenha, mas está em causa também o corpo do espectador e está também em causa a compreensão de que o momento em que a obra de arte comunica com o espectador, não é o momento em que o espectador conhece a obra, mas o momento em que este conhece o seu próprio corpo, isto é, começámos a falar de processos de perca a partir da ideia de desmaterialização, mas esta ideia tem consigo, inclui em si, uma referência que é a da corporalização. Se por um lado temos a matéria do objecto, por outro temos a corporalização da imagem e da vivência espacial.<o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial; font-size: 12pt;"> Este aspecto da corporalização, “fazer corpo, dar corpo”é muito importante para alguns autores, teóricos e críticos. <o:p></o:p></span><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh5P3QORBuE6gFY0xCpfpZ4e6JL83B5-SZ1nXePwylyLAOWPk9tn0PvQ5Liq6sTK_2eKI16RWPwGIfXa2f-QzOcNNIqb-6Dtqjhyov4BSOOaT9altIX131uN__XBA5KAgz24VumChEMmKA/s1600/2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh5P3QORBuE6gFY0xCpfpZ4e6JL83B5-SZ1nXePwylyLAOWPk9tn0PvQ5Liq6sTK_2eKI16RWPwGIfXa2f-QzOcNNIqb-6Dtqjhyov4BSOOaT9altIX131uN__XBA5KAgz24VumChEMmKA/s400/2.jpg" width="357" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">"Dedos" - John Coplans</td></tr>
</tbody></table></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial; font-size: 12pt;"> É curioso o caso do fotógrafo </span><span class="Apple-style-span" style="line-height: 19px;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><a href="http://en.wikipedia.org/wiki/John_Coplans">John Coplans</a></span></span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial; font-size: 12pt;"> que foi também Director de Museu, fundou a revista Art Forum que dirigiu de 1972 a 1977 e foi um crítico importante na década de 60. Ele fez todo o seu percurso mental e também todo o seu percurso como fotógrafo, a partir da ideia de que a função da imagem é a auto consciência do corpo e da presença do corpo no espaço, por parte do espectador, com consequências ao nível das consciências política, estética, psicológica e ontológica do corpo por parte de quem vê.<o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial; font-size: 12pt;"> Portanto a função da arte é a de uma transferência de responsabilidades da presença do corpo por parte daquele que executa uma <i><b>performance</b></i>, aquele que executa o desempenho, para aquele cujo desempenho é estar presente e relacionar-se como espectador com uma obra qualquer.<o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial; font-size: 12pt;"> Esta transferência ou delegação de poderes é feita através de um dispositivo que é um dos instrumentos fundamentais, inventado na década de 40, que atinge a sua maior expressão nos anos 50, e que é o chamado “happening” (acontecimento). Em oposição à ideia de passividade e à ideia de história, aquilo que pode existir é um “acontecimento” o acontecimento dum corpo que “performa”, que desempenha ou executa e outro ou outros corpos que se relacionam com esse desempenho e com os factos gerados por esse desempenho.<o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial; font-size: 12pt;"> Existem muitos exemplos das primeiras “performances” ou “happenings” em torno de figuras como <a href="http://pt.wikipedia.org/wiki/John_Cage">John Cage</a>, <a href="http://pt.wikipedia.org/wiki/Merce_Cunningham">Merce Cunningham</a> numa ligação estreita com o panorama da dança que vem depois a associar-se com as artes visuais através da passagem pelo “Black Mountain College” a partir dos anos 50 e alguns autores como Robert Rauschenberg e Allan Kaprow , este último teve uma grande produção de textos principalmente nos anos 60 e na década de 70 ,sendo alguns de critica ao Formalismo.</span></div><h2 style="text-align: center;"><span style="font-family: Arial;"><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;"><span class="Apple-style-span">“Texto de A.Kaprow sobre o Hapenning”</span></span></span></h2><h2><span class="Apple-style-span" style="color: blue;"><span style="font-family: Arial;"><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;"><span class="Apple-style-span" style="font-weight: normal;"> </span>“Formalismo : chicoteando um cavalo morto” </span></span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial; font-weight: normal;"><span class="Apple-style-span" style="font-size: x-small;">(escrito em 59 e reescrito em 60/61)</span><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;"> </span></span></span></h2><h2 style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;"><span style="font-family: Arial; font-weight: normal;"> </span><span class="Apple-style-span" style="color: red;"><i><span style="font-family: Arial; text-decoration: none;">«Um ponto de mudança crítico foi atingido na maior parte da área que é coberta pelo espaço da vanguarda e que eu acredito que é muito importante, mas que dá a responsabilidade e por vezes a tarefa desagradável de revermos alguns dos nossos pressupostos mais arreigados que dizem respeito à natureza das artes plásticas. Alguns trabalhos mais avançados que se encontram a ser feitos neste momento encontram-se também a fazer a sua tradicional identidade e ainda mais alguma coisa, atingindo com as suas implicações o seu próprio lugar no contemporâneo. Por um lado, olhando amplamente para a totalidade da arte moderna recente, as diferenças que antes eram tão claras entre artes gráficas e pintura, foram praticamente eliminadas. Singularmente as distinções entre pintura e colagem, entre colagem e construção, entre construção e escultura e entre algumas grandes construções e a arquitectura, foram abaladas. Esta continuidade é significativa e é o assunto crítico para o momento, porque desenhar e pintar e esculpir e as artes menores dependeram até agora em larga medida das condições que eram estabelecidas pela estrutura da casa.</span></i><i><span style="font-family: Arial; text-decoration: none;">»</span></i></span></span></h2><h2 style="text-align: right;"><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;"><span class="Apple-style-span" style="color: red;"><i><span style="font-family: Arial; text-decoration: none;"></span></i></span></span><span class="Apple-style-span" style="font-size: small; font-weight: normal;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiOdctdT9mRX110CMYZm6W2TiMfXFJerCB3LLGKNfN5-Ci5iqGNckb5y6hLrWyo_Qj10JkAWZTfJVF4TQN14VC1W2bN0PmsbQDqlIn40uXJ1KTaPF5O2LJcmvFCRt_vLGzRwK9WUL9NVes/s1600/Logo-AD-reduzido.bmp" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiOdctdT9mRX110CMYZm6W2TiMfXFJerCB3LLGKNfN5-Ci5iqGNckb5y6hLrWyo_Qj10JkAWZTfJVF4TQN14VC1W2bN0PmsbQDqlIn40uXJ1KTaPF5O2LJcmvFCRt_vLGzRwK9WUL9NVes/s1600/Logo-AD-reduzido.bmp" /></a></span></h2><div><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;"><span class="Apple-style-span" style="color: red;"><i><span style="font-family: Arial; text-decoration: none;"><br />
</span></i></span></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;"><span class="Apple-style-span" style="color: red;"><i><span style="font-family: Arial; text-decoration: none;"><br />
</span></i></span></span></div><div><div style="text-align: center;"><i><span style="font-family: Arial; text-decoration: none;"><b><span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large;"><a href="http://www.youtube.com/watch?v=r21lNC086_k">O QUE É A ARTE</a></span></b> </span></i><br />
<i><span style="font-family: Arial; text-decoration: none;"><b><br />
</b></span></i><br />
<i><span style="font-family: Arial; text-decoration: none;"><b><br />
</b></span></i><br />
<i><span style="font-family: Arial; text-decoration: none;"><b></b></span></i><br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;"><i><span style="font-family: Arial; text-decoration: none;"><b><br />
</b></span></i></div></div></div><div style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="border-collapse: collapse; font-size: 21px;"><b><br />
</b></span></div></div>António Damásiohttp://www.blogger.com/profile/08778327206941284777noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-8171405610691890218.post-388532384822306152011-02-02T04:29:00.000-08:002011-02-02T15:19:57.540-08:00MOVIMENTOS ARTÍSTICOS - DADÁ<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on"><div class="separator" style="clear: both; text-align: right;"></div><div class="MsoPlainText" style="text-align: justify;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: Arial; font-size: 16pt;"> </span></b></div><div class="MsoPlainText" style="text-align: justify;"><b><span style="background-color: black; color: yellow; font-family: Arial; font-size: 16pt;">O movimento Dadá</span></b><br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjZ7DEsKLR7UgGeh-XT3CgJtY9PtMUWsi8_T-XNPwKYJD9kjBawzHlZOJcbnxqFrnbiPyKDdP2wFDC2RJ_hr7QdVCnaqsQcVB_w6e3Wg2h6WcrITysAN9O9UnNn1kZIAcf7NnnxcoxX5rA/s1600/Hugo-Ball-Cabaret-Voltaire-Zurich-Suissa-Performance-1916.jpg" imageanchor="1" style="background-color: orange; clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjZ7DEsKLR7UgGeh-XT3CgJtY9PtMUWsi8_T-XNPwKYJD9kjBawzHlZOJcbnxqFrnbiPyKDdP2wFDC2RJ_hr7QdVCnaqsQcVB_w6e3Wg2h6WcrITysAN9O9UnNn1kZIAcf7NnnxcoxX5rA/s320/Hugo-Ball-Cabaret-Voltaire-Zurich-Suissa-Performance-1916.jpg" width="234" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="background-color: white; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Hugo Ball no cabaret Voltaire apresentando</span><br />
<span class="Apple-style-span" style="background-color: white; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"></span><span class="Apple-style-span" style="background-color: white; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"> o </span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial; font-size: x-small;">manifesto do movimento dada</span></td></tr>
</tbody></table><b><span style="background-color: orange; font-family: Arial; font-size: 16pt;"><br />
</span></b><br />
<span class="Apple-style-span" style="background-color: orange;"><span style="font-family: Arial; font-size: 16pt;"></span></span><br />
<div class="MsoPlainText" style="text-align: justify;"><span style="background-color: orange; font-family: Arial; font-size: 16pt;"><b></b><span class="Apple-style-span" style="font-family: 'Times New Roman'; font-size: small;"><b><span style="font-family: Arial; font-size: 16pt;"></span></b></span></span></div><div class="MsoPlainText" style="display: inline! important; text-align: justify;"><span style="font-family: Arial; font-size: 16pt;"><b><span style="font-family: Arial; font-size: 16pt;"><b><span lang="PT-BR" style="background-color: orange; font-family: Arial;">“DADA não significa nada.</span></b></span></b></span></div><span style="background-color: orange; font-family: Arial; font-size: 16pt;"></span><br />
<div class="MsoPlainText" style="font-weight: bold; text-align: justify;"><span style="font-family: Arial; font-size: 16pt;"><b><span lang="PT-BR" style="background-color: orange; font-family: Arial;"> nós queremos mudar </span></b></span></div><div class="MsoPlainText" style="font-weight: bold; text-align: justify;"><span style="font-family: Arial; font-size: 16pt;"><b><span lang="PT-BR" style="background-color: orange; font-family: Arial;"> o mundo com nada”</span></b></span></div><span lang="PT-BR" style="background-color: orange; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: x-small; font-weight: bold;">Richard Huelsenbeck</span></div><div class="MsoPlainText" style="text-align: justify;"><span style="background-color: white; font-family: Arial; font-size: 12pt;"> </span><br />
<span class="Apple-style-span" style="background-color: orange;"><span style="font-family: Arial; font-size: 12pt;"></span></span><br />
<div class="MsoNormal"><span style="font-family: Arial; font-size: 12pt;"><b><span lang="PT-BR" style="background-color: cyan; font-family: Arial;">“Liberdade: DADA, DADA, DADA<br />
chorando abertamente as dores<br />
constringidas, engolindo os contrastes <br />
e todas as contradições, os grotescos<br />
e as ilógicas da vida.”</span></b><span lang="PT-BR" style="font-family: Arial;"><span class="Apple-style-span" style="background-color: cyan;"> <span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Tristan</span> Tzara</span></span><span class="Apple-style-span" style="background-color: orange;"></span></span></span></div><div class="MsoNormal"><span style="font-family: Arial; font-size: 12pt;"><span lang="PT-BR" style="background-color: orange; font-family: Arial;"><br />
</span></span></div><div class="MsoNormal"><span style="background-color: orange; font-family: Arial; font-size: 12pt;"><span lang="PT-BR" style="font-family: Arial;"></span></span></div><div class="MsoNormal"><span style="font-family: Arial; font-size: 12pt;"><b><span lang="PT-BR" style="background-color: lime; font-family: Arial;">” A arte morreu.<br />
viva DADA!”</span></b><span lang="PT-BR" style="font-family: Arial;"><span class="Apple-style-span" style="background-color: lime; font-size: x-small;"> Walter Serner</span></span></span><br />
</div><div class="MsoNormal"></div><span class="Apple-style-span" style="background-color: orange;"><span style="font-family: Arial; font-size: 12pt;"></span></span><br />
<div class="MsoNormal"><span style="font-family: Arial; font-size: 12pt;"><b><span lang="PT-BR" style="background-color: yellow; font-family: Arial;">“DADA é o sol,</span></b></span><span style="font-family: Arial; font-size: 12pt;"><b><span lang="PT-BR" style="background-color: yellow; font-family: Arial;"><br />
DADA é o ovo.<br />
DADA é a polícia<br />
da polícia.”</span></b><span lang="PT-BR" style="font-family: Arial;"><span class="Apple-style-span" style="background-color: yellow;"> <span style="font-size: x-small;">Richard Huelsenbeck</span></span><span class="Apple-style-span" style="background-color: orange;"></span></span></span></div><div class="MsoNormal"><span style="font-family: Arial;"><span lang="PT-BR" style="background-color: orange; font-family: Arial;"><br />
<span style="font-size: x-small;"></span></span></span></div><div class="MsoNormal"><span style="background-color: orange; font-family: Arial; font-size: 12pt;"><span lang="PT-BR" style="font-family: Arial; font-size: x-small;"></span></span></div><div class="MsoNormal"><span style="font-family: Arial; font-size: 12pt;"><b><span lang="PT-BR" style="color: white; font-family: Arial;"><span class="Apple-style-span" style="background-color: blue;"><span class="Apple-style-span">”</span><span class="Apple-style-span"> O dadaísmo é alguém</span></span><br />
<span class="Apple-style-span" style="background-color: blue;">que tem a paixão de viver em todas</span><br />
<span class="Apple-style-span" style="background-color: blue;">as sua formas libertas e</span><br />
<span class="Apple-style-span" style="background-color: blue;">que sabe e diz: A vida não está aqui,</span><br />
<span class="Apple-style-span" style="background-color: blue;">mas da, da (ali, ali)!”</span><span class="Apple-style-span" style="background-color: white;"> </span></span></b></span></div><span style="color: white; font-family: Arial; font-size: 12pt;"><span lang="PT-BR" style="font-family: Arial; font-size: 10pt;"><span class="Apple-style-span" style="background-color: white;"> </span><span class="Apple-style-span" style="background-color: blue;">Johannes Baader</span><span class="Apple-style-span" style="background-color: white;"> </span><span class="Apple-style-span" style="background-color: white;"> </span></span></span><br />
<span style="font-family: Arial; font-size: 12pt;"><br />
</span><br />
<span style="font-family: Arial; font-size: 12pt;"></span><br />
<div class="MsoPlainText" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial; font-size: 12pt;"><span style="font-family: Arial; font-size: 12pt;"> O movimento dada foi fundado em Zurique em 1916 por poetas, artistas e intelectuais de várias nacionalidades exilados na Suiça durante a primeira guerra mundial expandindo-se posteriormente para outros países da Europa e Estados Unidos.</span></span></div><span style="font-family: Arial; font-size: 12pt;"> Alicerçado no clima de contestação artística (futurismo e expressionismo) dos anos que antecedem a Primeira Guerra Mundial, a sua atitude subversiva e uma reação anticultural veemente, tão ao estilo da intervenção dadaísta, contribuíram, durante muito tempo, para escamotear aos olhos da crítica tradicional - primeiro alvo de dadá - a contribuição profundamente inovadora deste movimento. </span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial; font-size: 16px;"> É ao movimento dadaísta que se fica a dever o aparecimento, na Europa ocidental, da poesia fonética e da poesia do fotograma, da assemblage, bem como o desenvolvimento da fotomontagem e da ação teatral (futuros happenings), promovida a género artístico autónomo.</span><br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg5yDSEDLdTwyJWr5rkMLhis9MpMWC1GfzZ5i8Er-umwIAU_QdWZzlgusUnYG7rRAY1FO-9SJkN3a5hcLPcNhwN1Jurwt7asp1zzqRL0RflGugmwtFV1fZqg2rOp_XskwKUpHqletlNU3o/s1600/Alfred+Barr-.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg5yDSEDLdTwyJWr5rkMLhis9MpMWC1GfzZ5i8Er-umwIAU_QdWZzlgusUnYG7rRAY1FO-9SJkN3a5hcLPcNhwN1Jurwt7asp1zzqRL0RflGugmwtFV1fZqg2rOp_XskwKUpHqletlNU3o/s320/Alfred+Barr-.jpg" width="221" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial; font-size: 12px;">Alfred Barr organizou em 1936 a exposição</span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial; font-size: 12px;">“Fantastic Art, Dada and Surrealism”</span></td></tr>
</tbody></table></div><div class="MsoPlainText" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial; font-size: 12pt;"> A compreensão do dadaísmo foi obscurecida pela união dadá-surrealismo que se repercutiu durante muito tempo na historiografia da arte elaborada depois da Segunda Guerra Mundial, em França e nos EUA. Esta confusão resulta, em parte, da assimilação acrítica da exposição organizada por Alfred Barr, "Fantastic Art, Dada and Surrealism" (MoMA, Nova Iorque, 1936) e, sobretudo, da ação de recuperação operada pelos surrealistas parisienses. </span></div><div class="MsoPlainText" style="text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"></div><span style="font-family: Arial; font-size: 12pt;"> Tendo-se afastado muito cedo do meio dadaísta (1921), André Breton faria circular a tese de um movimento dadaísta como antecâmara da epopeia surrealista. Na verdade, as coisas passaram-se de outra maneira. Sem diminuir o interesse do surrealismo, deve sublinhar-se a originalidade do dadaísmo, a sua riqueza e, sobretudo, uma problemática que se distancia em todos os aspetos da do surrealismo. </span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial; font-size: 16px;">. No domínio das artes plásticas, a confusão só era possível em Paris, já que Max Ernst, artista cuja obra serviu de ponto de partida à pintura surrealista parisiense, foi inicialmente dadaísta. O primado da literatura, objetivo da estética de Breton, fez o resto.</span><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjEgHgXKi-pJyhDcjugEuaVsDyNhyphenhyphenbS0ALrHjKkJhEOvZXJuXK8UwsgrqAunDNi3RFZseE3-I8bVicEsnw7nRoiRJpMTqylByVdOcToCRpwbWxi4yFfRbA_hFPlGAxpFjK1vDVzFqTNVyA/s1600/maxernst-Colagem.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="240" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjEgHgXKi-pJyhDcjugEuaVsDyNhyphenhyphenbS0ALrHjKkJhEOvZXJuXK8UwsgrqAunDNi3RFZseE3-I8bVicEsnw7nRoiRJpMTqylByVdOcToCRpwbWxi4yFfRbA_hFPlGAxpFjK1vDVzFqTNVyA/s400/maxernst-Colagem.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Max Ernst, Colagem</td></tr>
</tbody></table><span style="font-family: Arial; font-size: 12pt;"> As ideias de uma Arte Abstrata ligada a valores espirituais (Hugo Ball), desenvolvidas em Munique, somam-se às do segundo ciclo do futurismo italiano. No plano estritamente formal, as possibilidades de o cubismo sintético abrir caminho à </span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial; font-size: 16px;">Arte Abstrata são equacionadas por Hans Arp e Van Rees.</span> </div><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEilg8yRbSILnNXBFANF9FRgs_lv5AcfrnSCB_-NKyviDTHbs8ID8TTu7uOy1rtsGysLLujbbcuTvzHrNyqFu_E1zyG5-xE7Qcsqg0iK4k4EYTG53hMzbOK_x0h273NDFFNbisA2NJBNf6g/s1600/CabaretVoltaire-Ontem+e+hoje.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="180" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEilg8yRbSILnNXBFANF9FRgs_lv5AcfrnSCB_-NKyviDTHbs8ID8TTu7uOy1rtsGysLLujbbcuTvzHrNyqFu_E1zyG5-xE7Qcsqg0iK4k4EYTG53hMzbOK_x0h273NDFFNbisA2NJBNf6g/s400/CabaretVoltaire-Ontem+e+hoje.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: x-small;">Cabaret Voltaire - 1916 e Hoje</span></td></tr>
</tbody></table><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiqY317yTc81IEHwGosdryYJYrXFO0Gba4-6kP8k6gqQRuhhdszHD5qRwj9jv7cjlsBXko3xrXtxVRtWbn8CvpXMKA19BczFCiwfW-qF5CGGBTFbQCR0XXto7V61jhrWI0Q-VzoW89VHTA/s1600/Harp-Tzara.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="241" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiqY317yTc81IEHwGosdryYJYrXFO0Gba4-6kP8k6gqQRuhhdszHD5qRwj9jv7cjlsBXko3xrXtxVRtWbn8CvpXMKA19BczFCiwfW-qF5CGGBTFbQCR0XXto7V61jhrWI0Q-VzoW89VHTA/s400/Harp-Tzara.jpg" width="400" /></a></div><div class="MsoPlainText" style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: x-small;">Hans Harp e Tristan Tzara</span></div><div class="MsoPlainText" style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: x-small;"><br />
</span></div><div class="MsoPlainText" style="text-align: justify;"> <span style="font-family: 'Times New Roman'; font-size: 10pt;"></span><span style="font-family: Arial; font-size: 12pt;">Por iniciativa de Hugo Ball, as primeiras sessões "subversivas" têm lugar no Cabaret Voltaire. A centelha criadora trazida pelo jovem emigrante romeno Tristan Tzara permitirá a eclosão do primeiro grupo dadaísta em Zurique, no qual desempenha o papel de organizador e teórico. A escolha do termo "dadá", forjado ao acaso enquanto desfolhava um dicionário de francês-alemão, simboliza o procedimento iconoclasta dos jovens artistas. Adotada de forma aleatória, esta palavra que <span style="font-family: Arial; font-size: 12pt;">em francês, na linguagem infantil, significa “cavalinho” não significa nada para eles, mas designa essa</span><span style="font-family: Arial; font-size: 8pt;"> </span><span style="font-family: Arial; font-size: 12pt;">arte em</span><span style="font-family: Arial; font-size: 8pt;"> </span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial; font-size: 16px;">devir, sem referência ao mundo antigo e cuja matéria é constituída por fragmentos da língua, do mesmo modo</span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial; font-size: 11px;"> </span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial; font-size: 16px;">que as assemblages dadaístas se formam a partir de farrapos da vida real. Esta vida real que a arte académica recusava integrar no seu Olimpo, essa vida cantada por Apollinaire, aviltada pela hecatombe da guerra, encontra-se assim revalorizada e nobilitada.</span></span><br />
<div class="MsoPlainText" style="text-align: justify;"><div class="MsoPlainText" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial; font-size: 12pt;"> O objetivo da ação dadaísta consiste em elevar a realidade do quotidiano ao nível de matéria artística, abrangendo todos os domínios da arte, pois os interesses de Dadá estendem-se desde as artes plásticas à fotografia, à poesia, à luz e ao teatro. Esta revalorização do material e democratização da arte conduzem a uma abolição dos géneros: os limites entre pintura e escultura são anulados, as artes "decorativas" deixam de ser uma categoria "subalterna", desaparecem as fronteiras entre a dança e o teatro entre a música e a poesia. Uma vez abolida a narrativa "realista", a plástica dadaísta, que tende para a Arte Abstrata, ultrapassa igualmente esta última categoria. Contrariamente aos absolutismos da primeira abstração (Kandinsky, Malevitch, Mondrian), </span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial; font-size: 16px;">interessados na elaboração de gnoses universais, Dadá dedica-se a valorizar a personalidade de cada fragmento de vida. Dado o preciosismo de cada instante, a vida merece ser vivida em cada uma das suas facetas; cada detalhe ou dejeto é precioso, pois pode significar o todo. Daqui decorre a atenção prestada ao material na sua mais ínfima realidade: o fragmento do qual se exaltam os valores texturais, a sílaba da qual se canta o ritmo, o mais pequeno fragmento de objeto ou o objeto encontrado ao acaso do qual se aprecia o valor absoluto. A assemblage polimaterial que, nos seus primórdios futuristas, tinha obedecido a valores ligados à realidade mimética (Boccioni), e se exprimira por via da fragmentação cubista e mais tarde não objetiva das formas (Archipenko e Tatlin), conquista agora as regiões do acidental. O inconsciente adquire não só direitos de cidadania na arte como se torna seu conceito regente.</span></div></div></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"></div><div class="MsoPlainText" style="text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"></div><span style="font-family: Arial; font-size: 12pt;"> A partir de 1916, a prática da colagem e da assemblage tranforma-se numa das constantes da produção dadaísta, florescendo a partir de 1919 numa obra notável como a de Schwitters. </span><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhiRGOrCzG0A8ecsIG_Zo3Lh7x7UMlFhe0Z-63JSiJHwBNB40FnlW6noMBvozi8oBDpeLD_OwKbxcj-3_8OtzZSOAIcoJAxUE_a8IrmysCmoXHXerzIqAtJpgIGeTSBkynmmElAlU255_s/s1600/Schwitters-Colagem.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="272" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhiRGOrCzG0A8ecsIG_Zo3Lh7x7UMlFhe0Z-63JSiJHwBNB40FnlW6noMBvozi8oBDpeLD_OwKbxcj-3_8OtzZSOAIcoJAxUE_a8IrmysCmoXHXerzIqAtJpgIGeTSBkynmmElAlU255_s/s400/Schwitters-Colagem.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Kurt Shwitters, Colagem</span></td></tr>
</tbody></table><span style="font-family: Arial; font-size: 12pt;">A nova atitude em relação à linguagem conduz os dadaístas ao poema fonético (Hugo Ball a partir de 1916, Hausmann em 1918 e mais tarde Kurt Schwitters). A manipulação de materiais em bruto leva Christian Schad a inventar o fotograma,<span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"> </span></span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">( </span><span class="Apple-style-span" style="color: #333333; line-height: 20px;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">"Schadographs.")</span> </span></span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial; font-size: 16px;">por sua vez notabilizado através do trabalho de Man Ray.</span><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgc_dmkQuf13ak4VCCkzCeO42oEh4m-Ix_t7p17Y3W5ddWuVgtqC0a2aLWiSFHEAvj-vN2fGi-WHnFsiFyYywmGCHXNTxvEOv_Oz9InMwbRrNutbj3quiphUZt58mnJdYswRJTheRoVe7w/s1600/hausmann-Fon%25C3%25A9tica.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="271" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgc_dmkQuf13ak4VCCkzCeO42oEh4m-Ix_t7p17Y3W5ddWuVgtqC0a2aLWiSFHEAvj-vN2fGi-WHnFsiFyYywmGCHXNTxvEOv_Oz9InMwbRrNutbj3quiphUZt58mnJdYswRJTheRoVe7w/s400/hausmann-Fon%25C3%25A9tica.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Raoul Hausman, Poesia fonética</span></td></tr>
</tbody></table><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial; font-size: 16px;"> A primeira recolha digna de nota “Les Champs délicieux”, é publicada em 1922, com um prefácio de Tzara. Raoul Hausmann, sempre ávido de novidades, demonstra muito interesse por esta técnica da imagem, que, com Moholy-Nagy, atingirá o seu auge no seio do construtivismo.</span><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"></div><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiwgKq3B-qGy4Xojjd6S51xAjS_FaY-SN2egfAlcmpzyMxEibOeCPbFvIzWRYwPlwRCRJUUPEfxMev6orpP_qjlZQZoB4BsGf7cs6StfuXGjJlWPnddMcw2zJLrSp6J-dPkEejjMFLAVxk/s1600/Schade-Fotograma.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="258" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiwgKq3B-qGy4Xojjd6S51xAjS_FaY-SN2egfAlcmpzyMxEibOeCPbFvIzWRYwPlwRCRJUUPEfxMev6orpP_qjlZQZoB4BsGf7cs6StfuXGjJlWPnddMcw2zJLrSp6J-dPkEejjMFLAVxk/s400/Schade-Fotograma.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: x-small;">Cristian Shad, <span class="Apple-style-span" style="color: #333333; line-height: 20px;">Schadograph</span></span><br />
<br />
<div style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial; font-size: 16px;"> A pintura, codificada por séculos de prática mimética, é fortemente atacada pela contestação dadaísta. Não existe, no entanto, uma pintura dadaísta na aceção literal do termo. Esta é substituída pela colagem (da mesma forma que a assemblage monumental substitui a escultura).</span></div></td></tr>
</tbody></table></div><div class="MsoPlainText" style="text-align: justify;"><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjm4hIxPhRBNBRzDlmF4cMhcz7pwMmqanwwEFayRBxjj_1XIgw2btShayO2_E4Ijvn0BinNK1oLuZwTJTNZ8VOq-qRoApMjirFokB4bV1EJzKtEkng09Ocd049Ou_yJaxw6j57JzLbmCC0/s1600/ManRay-Rayographie.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjm4hIxPhRBNBRzDlmF4cMhcz7pwMmqanwwEFayRBxjj_1XIgw2btShayO2_E4Ijvn0BinNK1oLuZwTJTNZ8VOq-qRoApMjirFokB4bV1EJzKtEkng09Ocd049Ou_yJaxw6j57JzLbmCC0/s400/ManRay-Rayographie.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Man Ray, Rayograph</td></tr>
</tbody></table></div><div class="MsoPlainText" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial; font-size: 12pt;"> A figuração é posta em causa através de uma atitude antipictural, iconoclasta nos seus processos e antissublimativa pelos seus temas. A prática artesanal e a exaltação da pincelada (impressionista ou fauvista) - "assinatura do artista" - são rejeitadas. Opõem-se-lhes formas de execução mecânica. Na pintura, o dadaísmo serve-se de imagens tecnológicas executadas de forma "mecanicista" (Picabia, Marcel Duchamp, Hausmann). A glorificação sarcástica da máquina - "filha nascida sem mãe" (Picabia) - elimina o tema tradicional ao qual fauvistas e expressionistas haviam dado vigor. Este é igualmente abandonado em benefício do acidental, agora elevado ao nível de processo estilístico. </span><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjno5DhENLkCjYsB8-TBuaEQmmj7asHdfXlhERfktQHD17YG43bBbS3h62FfKztkQDrNDx8xfmsbExMf0LJ5LL9ltWhIuGfNbBNTxQqoverDqSBrsW2Z3pnKdOrU7BKmrkS20H5PMqHPRY/s1600/francisPicabia-pintura.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="276" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjno5DhENLkCjYsB8-TBuaEQmmj7asHdfXlhERfktQHD17YG43bBbS3h62FfKztkQDrNDx8xfmsbExMf0LJ5LL9ltWhIuGfNbBNTxQqoverDqSBrsW2Z3pnKdOrU7BKmrkS20H5PMqHPRY/s400/francisPicabia-pintura.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Francis Picabia, Pintura</td></tr>
</tbody></table></div><div class="MsoPlainText" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial; font-size: 12pt;"> A subversão dos valores sociais e morais traduz-se na pintura pela subversão do símbolo figurativo: Picabia intitula uma mancha de tinta de “La Sainte Vierge”, enquanto Duchamp expõe, em 1917, o seu célebre urinol, ao qual dá o nome de “Fontaine”. Esta agressão generalizada à ordem sociocultural leva os dadaístas a conduzir numerosas intervenções antiliterárias em Paris (procés Barrès, 1921) ou políticas em Berlim (Baader). </span><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj-ZrVJR6PDSLF1gxBowAOjwcDfMIXHmlkuSSW1sWhoOPrI8kmPXfQ2WPIN87xvlye9zLUyU8ZWd4PnqDHl-xDsAw_QuecBzdWgd7S_pdmohellC7DWmwxMaLthjdccM8SS0wPciDTzBF4/s1600/145.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj-ZrVJR6PDSLF1gxBowAOjwcDfMIXHmlkuSSW1sWhoOPrI8kmPXfQ2WPIN87xvlye9zLUyU8ZWd4PnqDHl-xDsAw_QuecBzdWgd7S_pdmohellC7DWmwxMaLthjdccM8SS0wPciDTzBF4/s400/145.jpg" width="301" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: x-small;">Picabia, "La Sainte Vierge"</span></td></tr>
</tbody></table><span style="font-family: Arial; font-size: 12pt;"> O arranque de Dadá-Zurique é acompanhado por uma profusão de publicações, entre as quais se destacam as de Hugo Ball e, sobretudo, as de Tzara (a revista Dadá). Os ecos do movimento chegam a França. Picabia entra em contacto com Tzara e convida-o a visitar Paris em 1919. É o início do efémero movimento dadaísta parisiense: a partir de meados de 1921, Tzara distancia-se de Breton que em 1920-1921 surge como elemento principal do grupo parisiense. O modo de intervenção típico do dadaísmo é o manifesto. Os dadaístas redigem uma grande quantidade de proclamações editadas em publicações não menos efémeras. </span></div><div class="MsoPlainText" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial; font-size: 12pt;"> Em maio de 1920 é organizado um Festival Dadá em Paris, a que se segue, em 1921, um salão Dadá na Galeria Montaigne, que marca o auge do dadaísmo parisiense e o início do seu fim. As atividades de Dadá-Paris são, desde o início, minadas pela perspetiva literária de Breton que, durante toda a sua vida, permanecerá fiel a uma visão classicizante da literatura, e que irá defender o primado desta última sobre a pintura. Radicalmente diferente é a posição dos dadaístas alemães. Os contactos entre Zurique e Berlim estabelecem-se a partir de 1918, graças à chegada de Huelsenbeck à cidade alemã. Ali encontra um ambiente propício e, sobretudo, cruza-se com a dupla revolucionária formada por Baader e Hausmann, que estão na origem do Clube dadá de Berlim (1918), bem como da maior parte das ações dadaístas. </span></div><div class="MsoPlainText" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial; font-size: 12pt;"> É em Berlim que ocorrem as mais importantes manifestações do dadaísmo no domínio das artes plásticas: a exposição de colagens de Schwitters na Galeria Der Sturm (1919), por ocasião da qual publica o seu "manifesto da pintura" Merz, e a exposição da primavera de 1920, "Erste Internationale Dada-Messe" (Feira Dadá). Nesta manifestação que representa o apogeu do movimento dadaísta berlinense triunfam as fotomontagens de Hausmann e Grosz, bem como uma assemblage monumental de Baader, intitulada “Grandeza e decadência da Alemanha”. A exposição prolonga-se com a publicação do “Dada-Almanach” de Huelsenbeck, o qual, apesar das manipulações do autor, favorece o conhecimento do movimento. A fotomontagem prolifera posteriormente na obra política de Heartfield, enquanto a colagem e a assemblage abstrata ganham novo fôlego na obra de Schwitters. Este, associado aos valores líricos de uma criação expressionista pelo conteúdo, e abstrata pela forma, não tem a mesma predisposição dos colegas berlinenses para as ações políticas. Mantendo uma relação de amizade particularmente calorosa com Hausmann e Hoech, não chegará a ser oficialmente convidado a integrar o grupo. Instalado em Hanover, cria o seu próprio universo plástico, ao qual atribui a designação "Merz". Schwitters é certamente o artista que melhor encarna o ideal dadá. O facto de ir viver para Inglaterra lança as sementes do dadaísmo do outro lado da Mancha e, mais tarde, no continente americano.</span><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi-d-T-gdqXsi5XkE5_VcE09R1ArTM88Rw-64nwI8aTJDk5ElpI5xO7AjI7hjbhW4n2udXKs301xn4MpRJTdcMFnXJEGn2sxUFY-pRk-oQD-OoKY68SbwRXKLzXnvHssTQiPqk2Td91Jwc/s1600/AGA-SchwittersMerzbg.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi-d-T-gdqXsi5XkE5_VcE09R1ArTM88Rw-64nwI8aTJDk5ElpI5xO7AjI7hjbhW4n2udXKs301xn4MpRJTdcMFnXJEGn2sxUFY-pRk-oQD-OoKY68SbwRXKLzXnvHssTQiPqk2Td91Jwc/s320/AGA-SchwittersMerzbg.jpg" width="209" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Kurt Shwitters, "Merz"</span></td></tr>
</tbody></table><span style="font-family: Arial; font-size: 12pt;"> Converte-se em pai espiritual da Pop Art inglesa e nova-iorquina, para o nascimento da qual a sua exposição na Galeria Sidney Janis (1947-1948) é fundamental.</span></div><div class="MsoPlainText" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial; font-size: 12pt;"> A expansão do dadaísmo alemão chega, no início dos anos 20, à Bélgica e à Holanda. Por sua vez, a influência de dadá-Paris repercute-se na Polónia (manifestos de Witkiewicz) e na Sérvia (Dada Jok de Branko Poljanski). Nos anos 1917-1919, Colónia conhece igualmente as atividades dadaístas, sendo Max Ernst a figura principal. A sua partida para Paris coloca um fim a este episódio renano do dadaísmo. Na Rússia, um movimento de tipo dadaísta tem o seu início após a revolução de outubro. Pouco estruturado, integra os "futuristas da vida" (Goltzschmidt) e os "apologistas do nada" (os nitchevoki), mas as suas criações limitam-se a intervenções efémeras que não atingem o domínio das artes plásticas.</span></div><div class="MsoPlainText" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial; font-size: 12pt;"> Em meados da década de 20, a estética dadaísta adquire particular relevo no campo da poesia: o grupo Oberiu (do qual se destaca o poeta Harms), ativo em Petrogrado em meados dos anos 20, beneficia do apoio de Malevitch e do Instituto de Cultura Artística que dirige. </span></div><div class="MsoPlainText" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial; font-size: 12pt;"> O grupo dadaísta de Nova Iorque constitui-se muito cedo, organizando-se em torno da Galeria 291, do fotógrafo Stieglitz. Em 1915, a adesão de Duchamp e de Picabia ao grupo constitui um grande estímulo para as atividades de tipo dadaísta, culminando na descoberta de um talento genuinamente americano, o pintor e fotógrafo Man Ray, cuja partida para Paris põe fim ao dadaísmo americano. Para além de algumas publicações efémeras, Dadá-América prolonga-se nas atividades de Duchamp, cuja obra é muito apreciada. Arensberg e Dreier permitem que este movimento sobreviva até meados dos anos 20. A Primeira Guerra Mundial é igualmente responsável por uma outra viagem - "turística" - das ideias dadaístas. </span><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgWsqehLKlgf_YEZTTr-OsgqvksrKJ3M1FZFLGfJwkjDHxuphNCM3VPuya7SmNh31-alvYLuBdePaNRD25S5ROKuCpPQp9tN5IZOpsBjDuHKQKOpYMW9wZZxNmIBlBM0eahfL58pwOWV5k/s1600/MarcelDuchamp-Noiva.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="305" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgWsqehLKlgf_YEZTTr-OsgqvksrKJ3M1FZFLGfJwkjDHxuphNCM3VPuya7SmNh31-alvYLuBdePaNRD25S5ROKuCpPQp9tN5IZOpsBjDuHKQKOpYMW9wZZxNmIBlBM0eahfL58pwOWV5k/s400/MarcelDuchamp-Noiva.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: x-small;">Marcel Duchamp, "A Noiva"</span></td></tr>
</tbody></table></div><div class="MsoPlainText" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial; font-size: 12pt;"> Refugiado em Barcelona, desde finais de 1916, Picabia reaviva num meio amistoso as ideias do Cabaret Voltaire. Daí resulta a revista 391, um guia de marcha que caracteriza as peripécias de uma geração de artistas francamente hostis à guerra e alheios à histeria coletiva. Para compreender a liberdade destes criadores em relação à "camisa de forças" nacionalista, basta ler as páginas enraivecidas que Hitler dedica ao dadaísmo em Mein Kampf (1924), barómetro seguro do valor profundamente inovador do movimento dadá.</span><br />
<span style="font-family: Arial; font-size: 12pt;"><br />
</span><br />
<span style="font-family: Arial; font-size: 12pt;"></span><br />
<div style="border-bottom: windowtext 1.5pt double; border-left: windowtext 1.5pt double; border-right: windowtext 1.5pt double; border-top: windowtext 1.5pt double; mso-element: para-border-div; padding-bottom: 1pt; padding-left: 4pt; padding-right: 4pt; padding-top: 1pt;"><span style="font-family: Arial; font-size: 12pt;"></span><br />
<div align="center" class="MsoNormal" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; line-height: normal; mso-border-alt: double windowtext 1.5pt; mso-padding-alt: 1.0pt 4.0pt 1.0pt 4.0pt; padding-bottom: 0cm; padding-left: 0cm; padding-right: 0cm; padding-top: 0cm; text-align: center;"><span style="font-family: Arial; font-size: 12pt;"><b><span style="color: blue; font-family: Arial; font-size: 11.5pt;">(Estes textos foram escritos ao abrigo do novo Acordo Ortográfico)</span></b><span style="color: blue;"></span></span></div></div><br />
<span style="font-family: Arial; font-size: 12pt;"><br />
</span><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiS-vcCyjMognwfz5A30387n5RTKqOFrigPjAxxhDTfeRdVM7uBWrr3EE07FYuMOL8RfmpKuWRYrpLr2B1nd3rF7LzcOmsIeLMPCXlDZgub4SA5zYHFyaEUhQNOicmDOIK84cdhJodb1Q4/s1600/Logo-AD-reduzido.bmp" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiS-vcCyjMognwfz5A30387n5RTKqOFrigPjAxxhDTfeRdVM7uBWrr3EE07FYuMOL8RfmpKuWRYrpLr2B1nd3rF7LzcOmsIeLMPCXlDZgub4SA5zYHFyaEUhQNOicmDOIK84cdhJodb1Q4/s1600/Logo-AD-reduzido.bmp" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="http://www.portaldalinguaportuguesa.org/?action=lince"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjVcaLoOTNVNiUS1-yRLSc5IHKB_HBKFE1DB_CB1QupGLDpSS_SLK6pouCbrp28V5-86_FqkXnuz-qH1vNUI0eKzVUM1hY5HaKU8dhBF69i1EnGkP3a3TjsXwi9jOHXQR4O1V-6IIOH5FA/s1600/lince.jpg" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br />
</div><span style="font-family: Arial; font-size: 12pt;"><br />
</span></div></div>António Damásiohttp://www.blogger.com/profile/08778327206941284777noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8171405610691890218.post-14210102529423319042011-01-26T16:31:00.000-08:002011-01-29T14:49:20.936-08:00Do Romantismo à Arte Contemporânea<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on"><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="apple-style-span"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-weight: bold;"> </span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"> O <a href="http://pt.wikipedia.org/wiki/Romantismo"><span class="Apple-style-span" style="color: blue;">Romantismo</span></a></span></span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><span class="apple-converted-space"> </span><span class="apple-style-span">foi um movimento</span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="apple-style-span">artístico,</span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="apple-style-span">político</span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="apple-style-span">e</span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="apple-style-span">filosófico</span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="apple-style-span">surgido nas últimas décadas do</span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="apple-style-span">século XVIII</span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="apple-style-span">na</span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="apple-style-span">Europa</span>, sendo no entanto considerado por muitos autores como o primeiro momento da arte contemporânea. <span class="apple-style-span">Caracterizou-se como uma</span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="apple-style-span">visão de mundo</span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="apple-style-span">contrária ao</span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="apple-style-span">racionalismo</span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="apple-style-span">que marcou o período</span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="apple-style-span">neoclássico</span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="apple-style-span">e buscou um</span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="apple-style-span">nacionalismo</span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="apple-style-span">que viria a consolidar os estados nacionais na Europa perdurando por grande parte do</span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="apple-style-span">século XIX.</span></span><br />
<div style="text-align: justify;"><div style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><span class="apple-style-span"> </span>Para o poeta <a href="http://pt.wikipedia.org/wiki/Charles_Baudelaire"><span class="Apple-style-span" style="color: blue;">Baudelaire</span></a> o romantismo é arte moderna, é intimidade, é espiritualidade, é cor, é ânsia de infinito. Na música, para Schubert e Beethoven , tal como na pintura, o que importa é o indivíduo e o seu sentimento. As profundas mudanças incidem mais na maneira como se faz arte do que na ligação com o passado, é portanto um jogo dialético entre passado e presente. Os artistas foram buscar à natureza as suas ideias. O artista moderno pinta o que sente no “seu eu”, um sonho, o fantástico, o inconsciente, mas toda esta irrealidade surge com a aparência da realidade.</span></div></div><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiSjuGyyvG1gANQNzkc20PObCmrAiGTQE4-Hannh0o4vvjslZOzI_dqAtvAOrwDYTpEYbWD_zr8kOCwehuI2e9lcm0WhxU0sQ3-bNO7ptk-tgOvTO5zDNTBWDyZjVUcqC0nddxLJq0nJSE/s1600/nadar-baudelaire-1855.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiSjuGyyvG1gANQNzkc20PObCmrAiGTQE4-Hannh0o4vvjslZOzI_dqAtvAOrwDYTpEYbWD_zr8kOCwehuI2e9lcm0WhxU0sQ3-bNO7ptk-tgOvTO5zDNTBWDyZjVUcqC0nddxLJq0nJSE/s400/nadar-baudelaire-1855.jpg" width="296" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: x-small;">Baudelair</span><br />
<div style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: small;">Os jardins do séc. XIX ao contrário dos do séc. XVIII, eram deixados crescer livremente, até os caminhos passaram a ser carreiros. O lusco-fusco era a hora preferida. Buscam o amor impossível. Dão mais importância à infelicidade que à felicidade, de certa maneira o prazer e a dor encontram-se. O indivíduo preocupa-se consigo e com a sua existência. Aparece o gosto por lugares ermos, que contrastam com a fragilidade da vida humana. No romantismo exalta-se a categoria do invisível, há uma inspiração para tudo o que está longe. A palavra romantismo passou a estar relacionada com o comum de amor. Gostam da solidão, do vazio das coisas em estado puro, a melancolia e a nostalgia era essencial para o criador romântico poder criar.</span></div></td></tr>
</tbody></table><div style="font-weight: bold; text-align: justify;"></div><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgaIDhah-hziQ19HYzHY53enQGIHi-lD9b0YI56lWPl4Nb-C3bZz8cYRStM7YqS7LjDdi-IBQbadbDyQCZUOiEfIXw1dfoPCv6z2mDhdy_nlrt2vdlkUCmTwS_fAIe3sce1eHjrQ8l4Ufo/s1600/phillips2++William+Blake.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgaIDhah-hziQ19HYzHY53enQGIHi-lD9b0YI56lWPl4Nb-C3bZz8cYRStM7YqS7LjDdi-IBQbadbDyQCZUOiEfIXw1dfoPCv6z2mDhdy_nlrt2vdlkUCmTwS_fAIe3sce1eHjrQ8l4Ufo/s400/phillips2++William+Blake.jpg" width="307" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: x-small;">Retrato do artista William Blake pintado por Thomas Phillips</span></td></tr>
</tbody></table><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgMEfRzJEXDD93NzgCGukznbSPuuoJsqYSNwBUmW5Wjcwiga27Q1-nTDhc_SUYOlN9afKVx6YAKZA-3DD0o65ToLtPgFZSRROd__F-JtQR9RUgrZszHGrOPMk_VZF7Q4qhDROf8UjfYWxI/s1600/Blake%252C-Satan%252C-Sin-and-Death.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgMEfRzJEXDD93NzgCGukznbSPuuoJsqYSNwBUmW5Wjcwiga27Q1-nTDhc_SUYOlN9afKVx6YAKZA-3DD0o65ToLtPgFZSRROd__F-JtQR9RUgrZszHGrOPMk_VZF7Q4qhDROf8UjfYWxI/s400/Blake%252C-Satan%252C-Sin-and-Death.jpg" width="310" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: 8pt;"> </span><span style="font-size: x-small;"> <span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"> William Blake – “Satan na sua original glória”</span></span></div></td></tr>
</tbody></table><div style="display: inline !important; text-align: justify;"></div><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"></span><br />
<div class="MsoNormal" style="display: inline !important; text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><span style="font-size: 12pt;">Os grandes artistas românticos diferem muito uns dos outros,<span class="Apple-style-span" style="background-color: white;"> <a href="http://www.blogger.com/goog_177891055"><span class="Apple-style-span" style="color: blue;">William </span></a></span></span><span style="background-color: white;"><a href="http://en.wikipedia.org/wiki/William_Blake"><span class="Apple-style-span" style="color: blue;">Blake</span></a></span> <span style="font-size: 12pt;">artista e, filósofo e poeta. Pode ser considerado como um realista místico, foi inconformista.<span class="Apple-style-span" style="color: blue;"> </span></span><span style="color: blue; font-size: 12pt;"><a href="http://pt.wikipedia.org/wiki/William_Turner"><span class="Apple-style-span" style="color: blue;">William Turne</span><span class="Apple-style-span" style="background-color: white;"><span class="Apple-style-span" style="color: blue;">r</span></span></a></span> <span style="font-size: 12pt;">talvez o mais original a pintar paisagem no séc. XIX criou uma nova perspetiva na pintura de paisagem. Prestigiou a luminosidade e a atmosfera na construção de temas dramáticos. Foi nos últimos </span><span class="Apple-style-span" style="font-size: 16px;">trabalhos que chegou a conceções mais abstratas </span></span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: 16px;">livres.</span></div><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="font-weight: bold; margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEimYDesiOC7AWWdmFAmORAbDOMtQfYc8JJ_4E_keChCv9r-jYFe0JNGO2L53dQDZlKqfkIKcSljLzoDqhfEi_eSCUkdSGPJbZznP5nlY3I37YIYakHwtLF5pLfUztvTC5jh6h9icb3n2_4/s1600/slave-ship.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="298" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEimYDesiOC7AWWdmFAmORAbDOMtQfYc8JJ_4E_keChCv9r-jYFe0JNGO2L53dQDZlKqfkIKcSljLzoDqhfEi_eSCUkdSGPJbZznP5nlY3I37YIYakHwtLF5pLfUztvTC5jh6h9icb3n2_4/s400/slave-ship.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"> <span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"> <span class="Apple-style-span" style="font-weight: normal;">William Turner - </span></span></td></tr>
</tbody></table><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgcA_rjadc7DR07Kvxn04Bh0yZbOOcj2RpyLKzP5708w1a4-XdaYRCHOfTGa-IaYP5T0QhYAX2E3sqe9TT3lIdnqvSbWeSLjz4wxPj0ha1h1QTRZZk6HmN2Xs_4yqxkdybw4t8QJgeXFr0/s1600/156.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="288" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgcA_rjadc7DR07Kvxn04Bh0yZbOOcj2RpyLKzP5708w1a4-XdaYRCHOfTGa-IaYP5T0QhYAX2E3sqe9TT3lIdnqvSbWeSLjz4wxPj0ha1h1QTRZZk6HmN2Xs_4yqxkdybw4t8QJgeXFr0/s400/156.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">William Turner</span></td></tr>
</tbody></table><div class="MsoNormal" style="font-weight: bold; text-align: justify;"><span style="font-size: 12pt;"></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: 12pt;"> <span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Antecipou e prestigiou o impressionismo na organização abstrata da luz. <o:p></o:p></span></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><span style="color: blue; font-size: 12pt;"><a href="http://pt.wikipedia.org/wiki/Johann_Heinrich_F%C3%BCssli"><span class="Apple-style-span" style="color: blue;">Henri </span><span class="Apple-style-span" style="color: blue;">Fussli</span></a></span><span style="font-size: 12pt;">, pintor, desenhador e escritor foi absorvido pelo estudo de Miguel Ângelo, sendo a literatura fonte de inspiração de muitos dos seus temas. A sua procura pelo sublime tendia do horrendo ao fantástico, foi considerado como um percursor pelos expressionistas e surrealistas.</span></span></div><div style="font-weight: bold; text-align: justify;"><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjobeZMHjcGWh6BbbaQALfFJVfNnXoHpMGKBCxd9aXtyyT2b-4SNRj3Jt5J9UZB20sr4b67Fq9JZDimfeCw2Bg5qC77RqW8QENLuXTkbkTfQT1yPJyfk_VCMvPDjh2DFNzhCVxlCWElMPI/s1600/492px-Johann_Heinrich_F%25C3%25BCssli_059.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjobeZMHjcGWh6BbbaQALfFJVfNnXoHpMGKBCxd9aXtyyT2b-4SNRj3Jt5J9UZB20sr4b67Fq9JZDimfeCw2Bg5qC77RqW8QENLuXTkbkTfQT1yPJyfk_VCMvPDjh2DFNzhCVxlCWElMPI/s400/492px-Johann_Heinrich_F%25C3%25BCssli_059.jpg" width="327" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: x-small;">Henri Fussli - </span></td></tr>
</tbody></table><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiV_DeX9Lx2m61_bX-0Ag4ZbcQR3-qw1bfCWts0Z-FoyQ-NxltKhhcWspQoxELgIO7jY_DvOyFA-Qq3WANFq5SoWSI83XSHf-5xQN1sNzW3Pc5erFir38laEmqo5jTEEdCZuxkW5yTyzuE/s1600/Johann_Heinrich-1802.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiV_DeX9Lx2m61_bX-0Ag4ZbcQR3-qw1bfCWts0Z-FoyQ-NxltKhhcWspQoxELgIO7jY_DvOyFA-Qq3WANFq5SoWSI83XSHf-5xQN1sNzW3Pc5erFir38laEmqo5jTEEdCZuxkW5yTyzuE/s400/Johann_Heinrich-1802.jpg" width="317" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: x-small;">Henri Fussli - </span></td></tr>
</tbody></table></div><div style="text-align: justify;"></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><span style="font-size: 12pt;"><a href="http://pt.wikipedia.org/wiki/Romantismo"><span class="Apple-style-span" style="color: blue;">SUBLIME</span></a> – </span><span style="font-size: 12pt;">Este termo <span class="apple-style-span"><span style="color: black;">entrou em uso no</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="color: black;"> </span></span><span class="apple-style-span">século XVIII,<span style="color: black;"> para indicar uma nova</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="color: black;"> </span></span><span class="apple-style-span">categoria</span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="apple-style-span">estética,<span style="color: black;"> que se distinguia </span>do</span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="apple-style-span">belo</span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="apple-style-span">e do pitoresco.</span></span><span class="apple-style-span"><span style="color: black;"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="color: black; font-size: 12pt;"> (do</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="color: black; font-size: 12pt;"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="font-size: 12pt;">latim</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="color: black; font-size: 12pt;"> </span></span><span class="apple-style-span"><i><span style="color: black; font-size: 12pt;">sublimis</span></i></span><span class="apple-style-span"><span style="color: black; font-size: 12pt;">, "que se eleva" ou "que se sustenta no ar")</span></span><span style="font-size: 12pt;">-</span><span style="font-size: 12pt;">, na filosofia de Aristóteles e na linguagem vulgar - grandeza. Segundo Longino (esteta), é a força que faz com que a alma suba, é o maravilhamento em que as pessoas ficam ao se encontrarem no meio de uma tempestade. Não é só o medo, mas também admiração e maravilhamento que faz superar o medo.</span></span></div><div class="MsoNormal" style="font-weight: bold; text-align: justify;"><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiApyQCw1_PH_cdYMOGOiDAlCfpf1hCdKmDuwlZO95f8187XQEOOgdvC5jx-eP6oWuJxuOQ1yqAXOGZbhSj1KmMWIUzgfFte-uzA3oDuT53BO7yiZ3GJZvJc8NvsMolyXHpTm6fzh8iQ78/s1600/782px-Caspar_David_Friedrich_028.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="306" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiApyQCw1_PH_cdYMOGOiDAlCfpf1hCdKmDuwlZO95f8187XQEOOgdvC5jx-eP6oWuJxuOQ1yqAXOGZbhSj1KmMWIUzgfFte-uzA3oDuT53BO7yiZ3GJZvJc8NvsMolyXHpTm6fzh8iQ78/s400/782px-Caspar_David_Friedrich_028.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: x-small;">Caspar David Friedrich</span></div></td></tr>
</tbody></table><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgtO6qFI_zrIDE3JKuBMfnFft3BWYDLjbuH_lajWuN7uVpHdRnHZLFAZMYAfL5ljfVlSGDxGwoCN1xyBVGXaL2ytD9aZbVRcICypJJYWcoUuUcrYnnnpgRwlungpVDaNM_3PbsXlc_S_bY/s1600/300fried.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="301" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgtO6qFI_zrIDE3JKuBMfnFft3BWYDLjbuH_lajWuN7uVpHdRnHZLFAZMYAfL5ljfVlSGDxGwoCN1xyBVGXaL2ytD9aZbVRcICypJJYWcoUuUcrYnnnpgRwlungpVDaNM_3PbsXlc_S_bY/s400/300fried.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: x-small;">Caspar David Friedrich</span></div></td></tr>
</tbody></table></div><div class="MsoNormal" style="font-weight: bold; text-align: justify;"><span style="font-size: 12pt;"></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><span style="font-size: 12pt;">Os quadros no romantismo na 1ª fase do séc. XIX, representam tempestades com uma luz intensa, há nessa pintura uma procura por esse estado de sublime. “o sublime é grande é infinitamente grande”, mas tem que ser elevado moralmente, a obra de arte deve ser universal e deve ser durável (pensamento romano). Com <a href="http://pt.wikipedia.org/wiki/Edmund_Burke"><span class="Apple-style-span" style="color: blue;">Edmund Burke</span></a>, estadista, escritor e filósofo, a palavra sublime reentra no vocabulário filosófico e estético com a sua obra</span> <span style="font-size: 12pt;">"Investigação filosófica sobre a origem de nossas ideias do Sublime e do Belo" de 1757</span><span style="font-size: 12pt;">. Distingue aquilo que é belo e aquilo que é sublime, associado à arte.<o:p></o:p></span></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: 12pt;"> Belo é menos que sublime “o belo é uma doçura, uma sensação que depende dos nossos nervos”. Sublime é muito mais do que isso <i>“é tudo aquilo que suscita em nós sentimentos de dor e de perigo”</i>, a dor e o perigo é que vão desencadear em nós as emoções de sublime. Faz nascer em nós uma forte tensão corporal. Para os estetas torna-se difícil definir o que é sublime por ser de tal forma intenso que não se pode descrever. Na teoria de arte contemporânea acha-se que o sublime é aquilo que leva à criação artística. Um dos pintores mais representativos deste período é </span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><a href="http://en.wikipedia.org/wiki/Caspar_David_Friedrich"><span class="Apple-style-span" style="color: blue;">Caspar David Friedrich</span></a>.</span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: 12pt;"> <a href="http://pt.wikipedia.org/wiki/Immanuel_Kant"><span class="Apple-style-span" style="color: blue;"> Kant</span></a> não concorda com Burke “o sublime é muito mais elevado - um pouco contraditório”. Pode ser horrível, informe. Produz-nos uma paragem de todas as nossas forças vitais, produz-nos uma sensação de enorme pena de nós próprios que depois se transforma numa emoção geradora de alegria. Há um conflito entre razão e imaginação, destacando-se vitoriosamente a razão. Para Kant o sublime não existe nos objetos produzidos pelo homem, temos que o procurar na natureza. É através da natureza que se faz a ligação entre Kant e a pintura romântica.<o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: 12pt;">Onde há pitoresco não pode haver sublime, o pitoresco reage como inverso e contra a monumentalidade que está associada ao conceito de sublime, e Portugal serve como exemplo, em que o pitoresco se evidenciou de tal modo que o sublime quase não teve lugar. O <b>FEIO </b>pode ser visto como o lado negativo do sublime, na Antiguidade tudo o que era feio era disforme, isto manteve-se até à Idade Média mas aplicado ao pecado. A grande revolução artística e cultural do século XX está associada à ideia de feio.</span></div><div class="MsoNormal" style="font-weight: bold; text-align: justify;"><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg7ze5dtwMeqU43uzmnl5x3ftIMrOI6EcwHB_y7Hmg2A1JN7Q5buEL6nkGSLq9-IZfUPHMik8FkWAFcPO5uIZjag1Hg8hgyWCYXUdKzRQmgWPmgjsPkFg7ZsiJ1pEkoPCqlXgoJKTta6-0/s1600/tr%25C3%25AAs+Obras.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="176" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg7ze5dtwMeqU43uzmnl5x3ftIMrOI6EcwHB_y7Hmg2A1JN7Q5buEL6nkGSLq9-IZfUPHMik8FkWAFcPO5uIZjag1Hg8hgyWCYXUdKzRQmgWPmgjsPkFg7ZsiJ1pEkoPCqlXgoJKTta6-0/s400/tr%25C3%25AAs+Obras.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Marcel Duchamp - Ready mades - "Fontaine", "Escorredor de garrafas" e "Fresh window"</span></td></tr>
</tbody></table></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: 12pt;"><span style="font-family: 'Times New Roman'; font-size: 12pt;">O</span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><span style="font-size: 12pt;">s<a href="http://pt.wikipedia.org/wiki/Ready-made"><span class="Apple-style-span" style="color: blue;"> Ready-Made</span></a>, quando apareceram reagiram à ideia de "feio" ser inútil para categorizar as obras de arte. A noção de "feio" passa a ter um caráter operativo, desmistificando a ideia de que a obra de arte deve ser bonita. No impressionismo, quando os artistas não acabavam as obras, era considerado feio. No séc. XIX a categoria de feio ainda não tinha tomado a forma de um conceito. A pintura que era aceite era mitológica, histórica, os impressionistas foram mal vistos, só era aceite tudo o que era académico. O impressionismo foi também importante para o início do feio. O filósofo </span><span style="font-size: 12pt;">Karl Rosencranz</span><span style="font-size: 12pt;"> escreveu em 1853 uma obra sobre o feio, “Aesthetic of Ugliness” fazendo uma listagem de tudo o que é feio numa visão positiva começando a haver a noção de que o feio é importante para a arte. O “Feio” é: o disforme, repelente, o que é fisicamente repugnante, os rostos deformados, o não rosto e o não corpo, a arquitetura industrial, a violência.</span></span></span></div><div class="MsoNormal" style="font-weight: bold; text-align: justify;"><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEibS-5BSVdt5hmCgnSuymlRWVH1qo7Sm1YzdVfKQSzvguI8PboTs7nkGz8q5kgJ9Dc-iIY95Klx45uFcBEE6SFCfNDD-hgxe93p4exSCsqQdOZJmwigWTSESmh-1W4Pj-PsdIb7gSEZkak/s1600/corot-villedavray.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="241" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEibS-5BSVdt5hmCgnSuymlRWVH1qo7Sm1YzdVfKQSzvguI8PboTs7nkGz8q5kgJ9Dc-iIY95Klx45uFcBEE6SFCfNDD-hgxe93p4exSCsqQdOZJmwigWTSESmh-1W4Pj-PsdIb7gSEZkak/s320/corot-villedavray.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Escola de Barbizon, Corot - "villedavray"</span></td></tr>
</tbody></table><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhrKB_UczLfPqEeKiQm7og7aYe01BQIuPDU1Whh6ZcBBtoJmNE2jG2H4yU7w8IVkOd-uE9OFPNHXnPsENCyR8x2PKe1M5bM27ecAHqt8PPVl_xfg5T1Jdl9LWNR7XZ8j8hfz2jGQ6NhVjg/s1600/Dejeuner+sur+l%2527herbe-Manet-1863.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="261" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhrKB_UczLfPqEeKiQm7og7aYe01BQIuPDU1Whh6ZcBBtoJmNE2jG2H4yU7w8IVkOd-uE9OFPNHXnPsENCyR8x2PKe1M5bM27ecAHqt8PPVl_xfg5T1Jdl9LWNR7XZ8j8hfz2jGQ6NhVjg/s320/Dejeuner+sur+l%2527herbe-Manet-1863.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Escola de Barbizon, Manet - "Dejeuner sur l'herbe" -1863</span></td></tr>
</tbody></table></div><div class="MsoNormal" style="font-weight: bold; text-align: justify;"><span style="font-size: 12pt;"><span style="font-family: 'Times New Roman'; font-size: 12pt;"></span></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: 12pt;">O<a href="http://www.blogger.com/goog_318417814"><span class="Apple-style-span" style="color: blue;"> </span></a><a href="http://pt.wikipedia.org/wiki/Impressionismo"><span class="Apple-style-span" style="color: blue;">IMPRESSIONISMO</span></a> não é um movimento homogéneo, mas sim um encontro entre artistas profundamente diferentes mas com a mesma forma de sentir, representando a <o:p></o:p></span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: 16px;">realidade de uma maneira diferente daquilo que era hábito representar. Os jovens artistas experimentaram uma nova forma de pintar, longe das convenções académicas. No impressionismo há uma viragem importante na maneira de representar o visível, reproduzindo na tela o imediatismo quer temporal quer sensível. A sua intenção é captar o instante de uma realidade em constante movimento talvez para o eternizar como já tinham feito os pintores de <a href="http://pt.wikipedia.org/wiki/Escola_de_Barbizon"><span class="Apple-style-span" style="color: blue;">Barbizon</span></a>.</span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: 12pt;"> Os impressionistas aperceberam-se que a luz solar é um elemento poderoso, mas que é constituída por uma série de valores cromáticos puros, por isso fragmentaram a cor para melhor reproduzirem as vibrações luminosas (excluem da sua paleta o preto, como não cor).</span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><span style="font-size: 12pt;"><o:p></o:p></span><span class="Apple-style-span" style="font-size: small; font-weight: normal;"><b></b></span></span></div><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"></span><br />
<div style="display: inline !important; text-align: justify;"></div><div class="MsoNormal" style="display: inline !important; text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><span style="font-size: 12pt;"><b> </b>Os IMPRESSIONISTAS começam a pôr em causa a maneira de ver a pintura representando igualmente a natureza, mudava apenas a maneira como separam as cores e a maneira como distribuem a luz.</span></span></div><div class="MsoNormal" style="font-weight: bold; text-align: justify;"><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgw0IuwhvMb7MNJQXitYxgIgAnbAR5RusyusZIMzQ03Oboh8Rukt-ipt27Zfhi4zPU4RMfFYRgNLVokxSAcgTayICnzJ1dq9uQSx21DC1SBOvxOQMt0idoOyKtERpcScchwrXsy9-fyt3A/s1600/O+grito.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgw0IuwhvMb7MNJQXitYxgIgAnbAR5RusyusZIMzQ03Oboh8Rukt-ipt27Zfhi4zPU4RMfFYRgNLVokxSAcgTayICnzJ1dq9uQSx21DC1SBOvxOQMt0idoOyKtERpcScchwrXsy9-fyt3A/s320/O+grito.jpg" width="235" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Edvard Munch - "O grito"</span></td></tr>
</tbody></table><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiPVAXW7g6mLua-93q0laRAhrUTbZ5jPVxAgAfKbMeI7pdcKbd6R3k7qVOYbsWWp7YEddN7ACl9J-PunNT46TNXiGXcAH4Gl9BIrA7V00gcA742ao5Y62f4NU27nXZ7ueAjMOxfbJcmMOQ/s1600/Munch-Ashes.gif" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="275" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiPVAXW7g6mLua-93q0laRAhrUTbZ5jPVxAgAfKbMeI7pdcKbd6R3k7qVOYbsWWp7YEddN7ACl9J-PunNT46TNXiGXcAH4Gl9BIrA7V00gcA742ao5Y62f4NU27nXZ7ueAjMOxfbJcmMOQ/s320/Munch-Ashes.gif" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Edvard Munch - "Cinzas"</span></td></tr>
</tbody></table></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: 12pt; font-weight: bold;"></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: 12pt;">O <a href="http://pt.wikipedia.org/wiki/Expressionismo"><span class="Apple-style-span" style="color: blue;">EXPRESSIONISMO</span></a><b> </b>nasce e propaga-se nos países de língua alemã entre 1900 e 1910. Penetra rapidamente na escultura, arquitetura, artes gráficas, literatura, poesia, música, teatro etc. A poética expressionista reflete a crise de valores de uma Europa capitalista. O conceito de tradição vai-se esvaziando progressivamente sob o impulso do modernismo. É sobretudo uma arte figurativa, é proposto a recuperação das linguagens primitivas, como veículo direto e expressivo. A imagem é simplificada, deformada e brutalizada (<a href="http://pt.wikipedia.org/wiki/Edvard_Munch"><span class="Apple-style-span" style="color: blue;">Edvard Munch</span></a>). A linguagem é arcaica mas os temas tratados são atuais. A partir de certa altura o movimento expressionista abre-se, dando origem a influências e a evoluções que vão muito além do grupo inicial.</span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgRgJUNbvhnNf4FpvRw-SucsGtoedfdwC08cySxm5ATxt94Y6YL8nGwkfdVSQWx6Ifp2GkQyTP-zXLn9yyDysFT-LGnDNQb7ZI2Z8YWzR3HyPfYejUnmiOr8GYV-FwIpxdzv5Iwl41ckU8/s1600/cubismo1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgRgJUNbvhnNf4FpvRw-SucsGtoedfdwC08cySxm5ATxt94Y6YL8nGwkfdVSQWx6Ifp2GkQyTP-zXLn9yyDysFT-LGnDNQb7ZI2Z8YWzR3HyPfYejUnmiOr8GYV-FwIpxdzv5Iwl41ckU8/s1600/cubismo1.jpg" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: x-small;">Picasso - "Les demoiselles d'Avignon"</span></td></tr>
</tbody></table><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjK5cRSx_kDnqUpzxNt0ESWwMU1c6aBoHgrFyFG8klH7bMiPT5OjnqoXxsZAawcYVLVtiIULlg2L1SItFy3AMqDz64ElIpKH9n3MCuqqeKwHRzzu79b5fl9ETF3yoynHLzVFg1ZNqxhavA/s1600/PicassoGuitar.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjK5cRSx_kDnqUpzxNt0ESWwMU1c6aBoHgrFyFG8klH7bMiPT5OjnqoXxsZAawcYVLVtiIULlg2L1SItFy3AMqDz64ElIpKH9n3MCuqqeKwHRzzu79b5fl9ETF3yoynHLzVFg1ZNqxhavA/s320/PicassoGuitar.jpg" width="264" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Picasso - "Guitarra"</span></td></tr>
</tbody></table></div><div style="display: inline !important; text-align: justify;"></div><div class="MsoNormal" style="display: inline !important; text-align: justify;"></div><div class="MsoNormal" style="display: inline !important; text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><span style="font-size: 12pt;">APARECIMENTO DO <a href="http://pt.wikipedia.org/wiki/Cubismo"><span class="Apple-style-span" style="color: blue;">CUBISMO</span></a> </span><span style="font-size: 12pt;">-</span> <span lang="PT-BR" style="font-size: 12pt;">O Cubismo nasceu fortemente influenciado pela arte primitiva africana e pela obra do pintor <a href="http://pt.wikipedia.org/wiki/Paul_C%C3%A9zanne" style="background-color: white;"><span class="Apple-style-span" style="color: blue;">Paul Cézanne</span></a></span><span style="font-size: 12pt;"> existindo também uma ligação com a pintura do séc. XIX.</span></span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><span style="font-size: 12pt;"><br />
</span></span><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiVNoVDfq3kBHS6iQgYX5g0WHJlfZ0bE9BolSV0ColxKnLXrKRvBdXq4iADj5wVgw2j8NOwvCQ7ff1skeCw5EfovpQPj-z5xT1DTh-2Z9bh8Kk-f45EZztk8rlAaWem01H3zW8hpbLZ6Bw/s1600/759px-Paul_C%25C3%25A9zanne_115.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="315" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiVNoVDfq3kBHS6iQgYX5g0WHJlfZ0bE9BolSV0ColxKnLXrKRvBdXq4iADj5wVgw2j8NOwvCQ7ff1skeCw5EfovpQPj-z5xT1DTh-2Z9bh8Kk-f45EZztk8rlAaWem01H3zW8hpbLZ6Bw/s400/759px-Paul_C%25C3%25A9zanne_115.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Paul Cézanne - "<span class="Apple-style-span" style="font-size: 12px; line-height: 18px;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Montanha Santa Victória vista de Bellevue", 1882</span></span><br />
<div style="text-align: justify;"> <span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: 12pt;"> Havia um excesso de subjetividade na pintura romântica, essa subjetividade era um entrave direto para uma possível relação com a ciência, pois o que se pretendia era novos inventos científicos e técnicos. Deu-se com isto o aparecimento do POSITIVISMO, em que o homem pode alcançar a felicidade baseando-se na ciência. Como consequência disto o artista precisava demonstrar segundo uma metodologia própria da ciência, investigando como um cientista. Assim o artista passa a imitar a natureza, dando origem ao naturalismo. As pinturas do séc. XIX, sejam elas românticas </span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: 16px;">ou naturalistas, representam o exterior, não há uma diferença grande em relação a épocas passadas. Com o aparecimento da fotografia captou-se a realidade tal como ela era, a objetividade da pintura não era nada em relação à objetividade da fotografia. A pintura a partir daqui tem de encontrar uma outra expressão, tem que investigar para interpretar o exterior de outra maneira. É com o CUBISMO no início do séc. XX que se dá uma mudança, e é com a pintura que as grandes mutações teóricas se dão (a escultura continua com as proporções clássicas), a arquitetura utiliza o ferro. O cubismo é um dos movimentos de vanguarda, havendo portanto uma consciência de modernidade, como já tinha acontecido no renascimento.</span></div></td></tr>
</tbody></table></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEipv5cXkJswK2Azk3v6lTMc-5Eqn2j-cvj_PwUfI4vU1-sAfeSW_dYwlV12Hul4oVvprUrnBmeWi5xiQ5y23BmD5nJBw0InV6G6IaKfycFBMWNrWMTZsRp4htOKfwa5oGXE8d6zQH_wcIk/s1600/A+mesa+do+musico-Braque.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="252" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEipv5cXkJswK2Azk3v6lTMc-5Eqn2j-cvj_PwUfI4vU1-sAfeSW_dYwlV12Hul4oVvprUrnBmeWi5xiQ5y23BmD5nJBw0InV6G6IaKfycFBMWNrWMTZsRp4htOKfwa5oGXE8d6zQH_wcIk/s320/A+mesa+do+musico-Braque.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Braque - "A mesa do músico"</span></td></tr>
</tbody></table><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj4BysJbRs3DfICWajvpEYXiVqI3t-v44d_Mf6o8uSIslGYJSG8R8FkaH3j45PqvXgmSVyCNSjzQCCEeA6PrG-oPJYEw3Rxo5N11953rn8ewKb3ZyBdW_fZAlfDDTQzNrAp7a5WDyUu3Q0/s1600/georges+braque+cubismo.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj4BysJbRs3DfICWajvpEYXiVqI3t-v44d_Mf6o8uSIslGYJSG8R8FkaH3j45PqvXgmSVyCNSjzQCCEeA6PrG-oPJYEw3Rxo5N11953rn8ewKb3ZyBdW_fZAlfDDTQzNrAp7a5WDyUu3Q0/s320/georges+braque+cubismo.jpg" width="248" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Braque</span></td></tr>
</tbody></table></div><div class="MsoNormal" style="font-weight: bold; text-align: justify;"><span style="font-size: 12pt;"></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: 12pt;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Com <a href="http://pt.wikipedia.org/wiki/Pablo_Picasso"><span class="Apple-style-span" style="color: blue;">Picasso</span></a> e <a href="http://pt.wikipedia.org/wiki/Georges_Braque"><span class="Apple-style-span" style="color: blue;">Braque</span></a> passa a existir uma nova teoria e conceção do espaço. Foram os iniciadores do cubismo, mas nunca utilizaram esse termo, que é uma invenção dos críticos da época para designar a sua pintura. Segundo <a href="http://pt.wikipedia.org/wiki/%C3%89mile_Bernard"><span class="Apple-style-span" style="color: blue;">Emile Bernard</span></a> o cubismo consistia em “tratar a natureza de acordo com a forma do cilindro, da esfera e do cone”. Os meios de representação da realidade mudam, o indivíduo não está parado diante dos objetos e da realidade, move-se no espaço, o cubismo sintetiza as múltiplas imagens que o olhar transmite. Em 1912 surgem as primeiras colagens e inicia-se a fase designada por cubismo sintético, já não se fragmenta o objeto, dá-se uma imagem que sintetiza as suas formas essenciais. Apolinaire inventa o termo “cubismo órfico”, que tem a ver com o estudo da cor e dos seus efeitos.<b> </b>No sentido tradicional não há uma estética freudiana, mas sim uma teoria freudiana que explica a obra de arte, o homem e a vida humana. Freud escreveu apenas um livro sobre arte, o seu interesse sobre arte era relativo, mas curiosamente esse livro veio a ter uma grande importância na arte contemporânea, o mesmo aconteceu com Marx mas com opiniões completamente distintas. Há nisto um paradoxo, como é que pessoas exteriores à produção artística se tornam decisivos para a arte do séc. XX. <a href="http://pt.wikipedia.org/wiki/Sigmund_Freud"><span class="Apple-style-span" style="color: blue;">Freud</span></a> é contemporâneo da representação artística do mundo real, não faz leituras simbólicas, interessa-se apenas pelo conteúdo. Fez um estudo da personalidade do artista, dos seus fantasmas e conclui que as pessoas felizes não são artistas, portanto, para ele, a pessoa desenraizada, ou que não está bem consigo, (a infeliz) pode ser artista. Considera também que o meio social pode também ter importância para a produção artística. Para Freud os primeiros cinco anos determinam a nossa vida, depois a vivência da pessoa. ARTE é um sonho acordado, altura em que as defesas estão ativadas. No sonho as defesas não estão ativadas, é possível tirar conclusões com os sonhos, no entanto a leitura não é imediata. O ARTISTA é uma criança, procura resolver os seus problemas psicológicos e procura satisfazer-se com a sua arte, vai sobrevivendo mas continua insatisfeito. Freud considera que somos insatisfeitos (hoje em dia há o culto da insatisfação) mas não somos todos artistas pela falta do GÉNIO, o génio é excecional. O artista é um génio por se tratar de um caso biológico. No seu livro “Uma Recordação de Infância de Leonardo Da Vinci” fez um estudo sobre o pintor e sobre a obra “Santa Ana a Virgem e o Menino”. Freud faz uma apreensão da vida de Leonardo, criando um triângulo entre ele a mãe e o pai. No entanto não pode ser apenas um decalque da sua vida familiar, há também desenvolvimentos psicológicos ao longo da vida. </span><o:p></o:p></span></div><br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhZOh4i2_faD_zb7FV1R3J-CNUYVEvCIKGhvfPp0D7oNgBLO6XHeyGZHB7b9DITyK5E9Zw3VF9xbIVZbNgIaOcBWcovZCaCYL1strvPgBIeHuRiD8R6utG0KbG9GbR8GR1jk43PVZlbeD4/s1600/A+Virgem+e+o+Menino+com+Santa+Ana.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhZOh4i2_faD_zb7FV1R3J-CNUYVEvCIKGhvfPp0D7oNgBLO6XHeyGZHB7b9DITyK5E9Zw3VF9xbIVZbNgIaOcBWcovZCaCYL1strvPgBIeHuRiD8R6utG0KbG9GbR8GR1jk43PVZlbeD4/s400/A+Virgem+e+o+Menino+com+Santa+Ana.jpg" width="268" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-size: x-small;"><span class="apple-style-span"><span style="font-family: Arial;">Leonardo da Vinci - A</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="font-family: Arial;"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="font-family: Arial;">Virgem</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="font-family: Arial;"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="font-family: Arial;">e o</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="font-family: Arial;"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="font-family: Arial;">Menino</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="font-family: Arial;"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="font-family: Arial;">com</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="font-family: Arial;"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="font-family: Arial;">Santa Ana</span></span></span></td></tr>
</tbody></table><div style="font-weight: bold;"><span style="font-size: 12pt;"><br />
</span></div></div><div class="MsoNormal" style="font-weight: bold; text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: right;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi0ZYKfeD7gohxGW-qo0WHSbSvWediibWLgZi7uTdnIamlJYsnyE8j5snebzdjwnqosTavvcWCf5dCjK6pv-ajttmWANir0KStB1CVsBj8-R_5p5trt7apu_5JJUPCpkEfFQpfP-osxGV4/s1600/Logo-AD-reduzido.bmp" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi0ZYKfeD7gohxGW-qo0WHSbSvWediibWLgZi7uTdnIamlJYsnyE8j5snebzdjwnqosTavvcWCf5dCjK6pv-ajttmWANir0KStB1CVsBj8-R_5p5trt7apu_5JJUPCpkEfFQpfP-osxGV4/s1600/Logo-AD-reduzido.bmp" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi0ZYKfeD7gohxGW-qo0WHSbSvWediibWLgZi7uTdnIamlJYsnyE8j5snebzdjwnqosTavvcWCf5dCjK6pv-ajttmWANir0KStB1CVsBj8-R_5p5trt7apu_5JJUPCpkEfFQpfP-osxGV4/s1600/Logo-AD-reduzido.bmp" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"></a><span class="Apple-style-span" style="color: blue; font-family: Tahoma, Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: x-small; font-weight: normal; line-height: 17px;"><b>Este texto foi escrito ao abrigo do novo Acordo Ortográfico</b></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="color: blue; font-family: Tahoma, Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: x-small; font-weight: normal; line-height: 17px;"><b><br />
</b></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="http://www.portaldalinguaportuguesa.org/?action=lince"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhrx2NQqOCJkAFWPnUP-ISffZJjpHkxkkdm5JUyqtj5DqXPqVHT8v8F_u8blXF8kwE0NHcuaDWmGTl-JPGbMq2hFg_WDTAPAY93xurf0Bw-8geq8KyPRV00hweJrazTxCqt44EiUgLUjE8/s1600/lince.jpg" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: x-small;"><span class="Apple-style-span" style="line-height: 17px;"><br />
</span></span></div><div style="text-align: right;"><span style="font-size: 12pt;"><br />
</span></div></div><br />
</div></div>António Damásiohttp://www.blogger.com/profile/08778327206941284777noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8171405610691890218.post-12379461313735439942011-01-08T13:01:00.000-08:002011-01-08T15:03:39.361-08:00A Fotografia como recordação<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj8IkqrApLZS9iEbAHtczrv8RKCSFEmEi3Vm19W7tmFAE_DZxWVFxHlAfsJ8XTp-HOTU9ZB86KxuWtxS-J4gJ9FjGycxpItQeSf5VdDJTnLJKAov-fU5AZ9MsykLPibpjHVynSWLxGnLvQ/s1600/Logo-AD-reduzido.bmp" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj8IkqrApLZS9iEbAHtczrv8RKCSFEmEi3Vm19W7tmFAE_DZxWVFxHlAfsJ8XTp-HOTU9ZB86KxuWtxS-J4gJ9FjGycxpItQeSf5VdDJTnLJKAov-fU5AZ9MsykLPibpjHVynSWLxGnLvQ/s1600/Logo-AD-reduzido.bmp" /></a></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="EN-GB"><span class="Apple-style-span" style="font-weight: normal;"><b><span lang="EN-GB"> Keith </span></b></span>Thomas e Robert McPherson</span></b></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"></div><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhTpM4osfGHNqiSn7DvFdLSDFJJbPK8iwE9CuLOPNdeITHTef8_q3-cJQRg4Pv16XlLVYbwYoBq0juiY4rp9Lyr3LQr_30Ox19BTiaO05B2pn2a-iaaMibSFqdQVOpvr2rxjxwPQQLDwCU/s1600/Sem+t%25C3%25ADtulo+1---.bmp" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhTpM4osfGHNqiSn7DvFdLSDFJJbPK8iwE9CuLOPNdeITHTef8_q3-cJQRg4Pv16XlLVYbwYoBq0juiY4rp9Lyr3LQr_30Ox19BTiaO05B2pn2a-iaaMibSFqdQVOpvr2rxjxwPQQLDwCU/s1600/Sem+t%25C3%25ADtulo+1---.bmp" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: x-small;">Keith Thomas e Robert MacPherson</span></td></tr>
</tbody></table><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Todos sentimos necessidade de gravar a imagem do mundo que nos rodeia, dos familiares e amigos com quem privamos, dos sítios que visitamos e onde vivemos.</span></div><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjiA_rroYnL29I0E0YX_R1wg2fRwferg_Oq9s1aQrf7ymB6E65k5Ng6GVkqSgMb-1-RDnnH3VTYJWa9UMpHOq41X35aUhDzvKLw-9LlwbVmkQrS91J9mIMqWFPUcMX6LSDLDsrnh67fJM8/s1600/533px-Thomas_Keith02.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjiA_rroYnL29I0E0YX_R1wg2fRwferg_Oq9s1aQrf7ymB6E65k5Ng6GVkqSgMb-1-RDnnH3VTYJWa9UMpHOq41X35aUhDzvKLw-9LlwbVmkQrS91J9mIMqWFPUcMX6LSDLDsrnh67fJM8/s400/533px-Thomas_Keith02.jpg" width="355" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><span class="Apple-style-span" style="font-size: x-small;">Foto de Keith Thomas</span></span><br />
<div style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;"> <span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Dois médicos escoceses foram precursores neste domínio, embora trabalhando em lugares e com fins diversos. Um deles foi o Dr.</span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Keith Thomas (1827-1875), ginecologista, que durante três anos fotografou a cidade onde vivia, tirando cerca de 220 placas antes de se retirar em 1856 por razões de saúde e do interesse que os seus doentes lhe mereciam. </span></span></div><div style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: small;">Certamente influenciado pela pena de um dos seus conterrâneos que escrevera <i>“o verdadeiro ar de Edimburgo é devassado por fantasmas”</i> conseguiu captar essa atmosfera nas suas imagens, usando a sua câmara para modular a realidade. Keith foi também um dos primeiros fotógrafos a usar a sobreposição de imagens no mesmo negativo. Edimburgo constituía um excelente cenário para a sua sensibilidade com as suas pedras negras, o claro escuro das paisagens, o silencio das ruas… Tudo isto Keith conseguiu gravar em belas imagens que ainda hoje são admiradas. Com simplicidade atribuía o sucesso das suas fotografias ao facto de ter a paciência de esperar por condições propicias de iluminação, limitando o ato de fotografar a apenas algumas semanas no verão e, devido aos seus afazeres profissionais, em horas pouco habituais: antes das 7 da manhã ou depois das 4 da tarde, “A luz é nessa altura mais suave, as sombras compridas e os cinzentos que tingem a fotografia mais perfeitos e agradáveis”.</span></div></td></tr>
</tbody></table><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhSZyyuE4BWSU-Vowltnkv4mUSEOWbIzCSEAV8KnkKKP_ix6RNXPsewEoN0KnffL9CxApNcT9wtrMoevMbbXPhj9YaqHkvNn0KIlszsZAbhKHNP8EbEHd4L43w40q6oBqjQAffruxe2N2E/s1600/499px-Thomas_Keith_-_Woman_in_Doorway.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhSZyyuE4BWSU-Vowltnkv4mUSEOWbIzCSEAV8KnkKKP_ix6RNXPsewEoN0KnffL9CxApNcT9wtrMoevMbbXPhj9YaqHkvNn0KIlszsZAbhKHNP8EbEHd4L43w40q6oBqjQAffruxe2N2E/s400/499px-Thomas_Keith_-_Woman_in_Doorway.jpg" width="332" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-size: x-small;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><span class="Apple-style-span" style="font-size: 13px;"><span style="font-size: x-small;">Keith </span></span>Thomas - Mulher em Doorway</span><br />
</span><br />
<div style="font-size: small; font-weight: bold; text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-size: small; font-weight: normal;"> <span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">O outro fotógrafo foi o Dr Robert McPherson (1811-1872), cirurgião de renome, que apaixonado pelo estudo da história da Arte, vai viver para Roma em 1840, abandonando o bisturi pela paleta de pintor e pela atividade de antiquário. Nesta faceta da sua vida descobriu várias obras desaparecidas que foi adquirindo, nomeadamente um Miguel Ângelo que hoje está na National Gallery de Londres.</span></span></div><div style="font-size: small; font-weight: bold; text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><span class="Apple-style-span" style="font-size: small; font-weight: normal;"></span><span class="Apple-style-span" style="font-size: small; font-weight: normal;"> Em 1851, é visitado por Keith que o convence a usar a máquina fotográfica para fixar as riquezas arquitetónicas da cidasde. As suas fotografias foram bastante divulgadas e os postais ilustrados que correram mundo atraíram bastante turistas a Roma. McPherson foi o primeiro fotógrafo a ser autorizado a fotografar as esculturas do Vaticano, de que publicou um catálogo em fins de 1863. Os negativos eram de grandes dimensões, o que obrigava a longas exposições. Segundo as suas palavras </span><span class="Apple-style-span" style="font-size: small; font-weight: normal;"><i>“Para uma paisagem distante com boa luz, cinco minutos, é suficiente, mas para objetos mais próximos são necessários de dez a vinte minutos e em alguns casos em que a luz é deficiente, por vezes a exposição é de mais de duas horas ou até, num ou noutro caso de um ou dois dias…”</i></span></span></div></td></tr>
</tbody></table><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"> <span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"> </span></i><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Mais conhecido pelas fotografias de Roma, McPherson fotografou também Perugia, Assissi e Tivoli. As suas imagens eram verdadeiras obras de arte, testemunhos da realidade, mas foi perseguido pela inveja gerada entre os círculos fotográficos da época. </span></div><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj4PsdJN4scFl1waasMi039PZXLpvG56SJx5WN3CHxL75n2BTPtFrddi6V-E0SWXYcTePLU60tdsRk7wERFAWwLd9a7eLLkA0B0SdRycyXhh3LFIbnP3yAqUoBUkxjxq6kk0n5AHe2kbqo/s1600/Waterfall%252C+Tivoli%252C+c.+1857.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="302" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj4PsdJN4scFl1waasMi039PZXLpvG56SJx5WN3CHxL75n2BTPtFrddi6V-E0SWXYcTePLU60tdsRk7wERFAWwLd9a7eLLkA0B0SdRycyXhh3LFIbnP3yAqUoBUkxjxq6kk0n5AHe2kbqo/s400/Waterfall%252C+Tivoli%252C+c.+1857.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-size: x-small;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Robert McPherson - Queda de água-Tivoli, 1857</span><br />
<br />
</span><br />
<div style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-size: x-small;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: 13px;"><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;"> Um crítico chegou a acusá-lo de «falta de precisão matemática»!. Só depois da sua morte a importância da sua obra foi reconhecida. O valor incalculável do levantamento gigantesco de milhares de fotografias sobre a riqueza artística de Roma foi reconhecido num artigo publicado no “Art Journal” onde dizia </span><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;"><i>“ McPherson fotografou Roma com tal pormenor que a pintura nunca poderá pensar alcançar tal perfeição…na luz e sombra destas ruínas reside um sentimento que só a Fotografia consegue captar”.</i></span></span></span></div></td></tr>
</tbody></table><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"> Essa mística dos lugares e das pedras, a necessidade do artista fotógrafo ultrapassar a simples captação da realidade do mundo que o rodeia, foram o elo comum entre estes homens que gravaram com amor os locais onde viveram.</span></div><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEisSmVMNj9Voy5TqPp-GYVOy9hKKxF9BznMC6oFvHgpa4G8A3-_4bhJhDnpog23BktQlq_oAIfiXYBq-IYWafi6FBjQ0ZkiypjpX25ZpWl2AMq6bWU5JXVwNYqFuP1nxWHhz48rO-uxeGI/s1600/Templo+de_Vesta__Tivoli_-_ca._1858.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEisSmVMNj9Voy5TqPp-GYVOy9hKKxF9BznMC6oFvHgpa4G8A3-_4bhJhDnpog23BktQlq_oAIfiXYBq-IYWafi6FBjQ0ZkiypjpX25ZpWl2AMq6bWU5JXVwNYqFuP1nxWHhz48rO-uxeGI/s400/Templo+de_Vesta__Tivoli_-_ca._1858.jpg" width="336" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: x-small;">Robert McPherson - Templo deVesta Tivoli, 1858</span></td></tr>
</tbody></table><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><div style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Tahoma, Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: x-small; line-height: 17px;"><span class="Apple-style-span" style="color: blue;"><b>Este texto foi escrito ao abrigo do novo Acordo Ortográfico</b></span></span></div></div>António Damásiohttp://www.blogger.com/profile/08778327206941284777noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8171405610691890218.post-47868875962083170492010-12-28T17:09:00.000-08:002011-01-08T15:05:12.976-08:00FOTÓGRAFOS - Edward Steichen<div class="MsoNormal" style="line-height: 12.75pt; margin: 0cm 0cm 10pt; text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"></div><div style="text-align: right;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhrwjlZeHKtvfwUq3_TcHX1b8dnAzYSf6sx6LvISCoAcKCmcZvWqsF4_8liayZyxUQsOLcE9j-5cQOh9VTtvP-kLp0o-kqkmIrdjZT9mwlQpQ7Jcc_nkqM8lKMUZq-LsAtToRHJkQcGrW0/s1600/Logo-AD-reduzido.bmp" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhrwjlZeHKtvfwUq3_TcHX1b8dnAzYSf6sx6LvISCoAcKCmcZvWqsF4_8liayZyxUQsOLcE9j-5cQOh9VTtvP-kLp0o-kqkmIrdjZT9mwlQpQ7Jcc_nkqM8lKMUZq-LsAtToRHJkQcGrW0/s1600/Logo-AD-reduzido.bmp" /></a></div><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><span class="apple-style-span">Edward Jean Steichen nasceu em 1879, no Luxemburgo, mas cedo se mudou para os Estados Unidos. A família emigrou em 1881, tendo-se fixado no Michigan.</span><span class="apple-converted-space"> </span></span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><span class="apple-style-span">onde optou pela cidadania americana.</span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="apple-style-span">Desde muito novo interessou-se pela arte encorajado pela sua mãe. Em 1893, em Chicago, teve o seu primeiro grande contacto com o mundo da arte contemporânea na</span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="apple-style-span">World's Columbiam Exposition. Aos 15 anos, e durante quatro anos, começou a aprender litografia na Milwaukee's American Fine Art Company. De</span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="apple-style-span">1894 a</span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="apple-style-span">1898 trabalhou sob a alçada de Richard Lorenz e Robert Schode na Liga dos Estudantes de Arte de Milwaukee. Começou a fotografar em 1895, mas manteve a sua carreira como pintor durante aproximadamente Vinte anos.</span></span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><span class="apple-style-span"></span><span class="apple-converted-space"> </span></span></div><div class="MsoNormal"><span class="apple-converted-space"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana;"><o:p></o:p></span></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"></div><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgPKr2A36ZJB1G4Rl1PN_kbKnjy1Iu87KCF_KS8ml1goSld8hgxbQLItcWFU3Nj-z3X4wpnv77uanNTCwiCWWaSJXNDA9JuSnoqeCnfkZJo7FzUo0Ux39f6Mrbfo0CrsigX0-lejXLhzVM/s1600/Edward_Steichen.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgPKr2A36ZJB1G4Rl1PN_kbKnjy1Iu87KCF_KS8ml1goSld8hgxbQLItcWFU3Nj-z3X4wpnv77uanNTCwiCWWaSJXNDA9JuSnoqeCnfkZJo7FzUo0Ux39f6Mrbfo0CrsigX0-lejXLhzVM/s400/Edward_Steichen.jpg" width="300" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Efdward Steichen, auto-retrato</td></tr>
</tbody></table></div><div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 10pt; margin-left: 0cm; margin-right: 0cm; margin-top: 0cm; text-align: justify;"><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjdW8QPVhOGEp_OID2FwLFi8EWJXYb5rb-EFFgurjDZV3wDMLoIWrFHlm6HSZG9AVzu5BPPHCzvRE5aNW3J5nHFUInVDCq7skx2K_MuhSogofqxFNiDZ0JoSRk1E4IGR5uA1O1P7qTSics/s1600/Edward+Steichen+at+USS+Arizona+Memorial.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjdW8QPVhOGEp_OID2FwLFi8EWJXYb5rb-EFFgurjDZV3wDMLoIWrFHlm6HSZG9AVzu5BPPHCzvRE5aNW3J5nHFUInVDCq7skx2K_MuhSogofqxFNiDZ0JoSRk1E4IGR5uA1O1P7qTSics/s400/Edward+Steichen+at+USS+Arizona+Memorial.jpg" width="310" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">O capitão Edward Steichen da Marinha fotografando no<br />
USS Arizona Memorial em Pearl Harbour, Honolulu, Hawaii.</td></tr>
</tbody></table><div style="line-height: 12.75pt;"><span style="color: black;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;"><span class="apple-converted-space"><span style="color: #40454b; font-family: Verdana;"> </span></span></span></span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><span class="apple-style-span"><span style="font-size: 13pt;">Aos 16 anos começou como fotógrafo e aos 21 foi para Paris para estudar pintura.</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="font-size: 13pt;"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="font-size: 13pt;">Em Nova Iorque, em 1905, juntou-se ao fotógrafo norte-americano Alfred Stieglitz e abriram a Gallery 291, onde realizaram as suas primeiras exposições alguns dos pintores mais representativos do século XX. No ano seguinte, Steichen voltou a Paris, onde fez experiências com a fotografia e a pintura, entre outras coisas. Em 1923, regressou a Nova Iorque como fotógrafo-chefe das revistas Vanity Fair e Vogue. Entre os famosos que retratou para a Vanity Fair. encontram-se Greta Garbo e Charles Chaplin. Em 1938 retirou-se para a sua quinta de West Redding, Connecticut. </span></span></span><br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEggaWWjIb0yo_nyrlnIxix73_gC6I43q1I41qBIkOW1qthzUMJsaglVhHq30zqEhdNAqzX6NtBSy4NFIxemiHxZjt-kNZT_kZjDJ6at1CvHYyDyoyj1hsbfIBQgYAKgyzNliwIfeYA-IeE/s1600/1943-rec.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="263" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEggaWWjIb0yo_nyrlnIxix73_gC6I43q1I41qBIkOW1qthzUMJsaglVhHq30zqEhdNAqzX6NtBSy4NFIxemiHxZjt-kNZT_kZjDJ6at1CvHYyDyoyj1hsbfIBQgYAKgyzNliwIfeYA-IeE/s400/1943-rec.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Edward Steichen - Foto tirada a bordo do USS Lexington, 1943<br />
<div style="text-align: justify;"> <span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: 17px;">Durante a II Guerra Mundial dirigiu uma equipa de fotógrafos da Marinha dos Estados Unidos. Em 1947, foi nomeado diretor da secção de fotografia do Museu de Arte Moderna de Nova Iorque (MOMA). Em 1955 preparou a exposição fotográfica "The Family of Man", que posteriormente deu volta ao mundo. Este fotógrafo norte-americano procurou a interpretação emotiva e impressionista nos seus temas e lutou para que a fotografia fosse reconhecida como uma manifestação formal de arte. Morreu em 1973.</span></div></td></tr>
</tbody></table></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgPYXv0V0T8Girx_8ercpClpqtWjIl17dqHTv1R6ku6iOFGc_ln5JdnWInMy3p5GyujhJUkh9dmNB2ZU1pMqkxpBO2A7KYvmepn4PSAEtHbQlgJnWDFmzSD9AnIuS3NrhBrGJv5QQ7CEjw/s1600/steichen_395.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="216" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgPYXv0V0T8Girx_8ercpClpqtWjIl17dqHTv1R6ku6iOFGc_ln5JdnWInMy3p5GyujhJUkh9dmNB2ZU1pMqkxpBO2A7KYvmepn4PSAEtHbQlgJnWDFmzSD9AnIuS3NrhBrGJv5QQ7CEjw/s320/steichen_395.jpg" width="320" /></a></div><span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;"><span class="Apple-style-span" style="line-height: 17px;"><br />
</span></span><br />
<span style="color: #000066; font-family: Verdana;"><span class="Apple-style-span" style="color: black; font-family: Verdana, sans-serif;"></span></span><br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="line-height: 18px;"></span><br />
<div class="MsoNormal" style="line-height: 12.75pt; text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><span class="apple-style-span">Edward Steichen foi o “enfant terrible” da fotografia americana, Influenciado pelo fotógrafo Clarence White e encorajado pelo incontornável Alfred Stieglitz.</span><span style="font-size: 13pt;"><o:p></o:p></span></span></div><div class="MsoNormal" style="line-height: 17.55pt; text-align: justify;"><br />
</div><div class="MsoNormal" style="line-height: 12.75pt; text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><span class="apple-style-span"> Sem dúvida uma das personagens mais influentes no mundo fotográfico americano de 1900, Steichen fez uma carreira fulgurante. A sua primeira participação numa exposição oficial em 1899 foi imediatamente assinalada no jornal de fotografia “<i>Camera Notes” de New York:</i></span><span style="font-size: 13pt;"><o:p></o:p></span></span></div><div class="MsoNormal" style="line-height: 17.55pt; text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><span style="font-size: 13pt;"><br />
</span><span class="apple-style-span"><b><i><span style="font-size: 13pt;">“Eis um trabalhador com a alma plena de sentimento, um espírito reflexivo e uma mão hábil. É certo que o seu futuro será interessante”<o:p></o:p></span></i></b></span></span></div><div class="MsoNormal" style="line-height: 17.55pt; text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><span style="font-size: 13pt;"><br />
</span><span class="apple-style-span"><span style="font-size: 13pt;"> Esta previsão irá revelar-se uma das mais acertadas da história da fotografia.</span></span><span style="font-size: 13pt;"><br />
</span><span class="apple-style-span"><span style="font-size: 13pt;"> Depois de um ano de trabalho, Steichen obtem um 2º lugar no Salão Fotográfico de Chicago que tem entre os membros do júri Alfred Stieglitz.</span></span><span style="font-size: 13pt;"><o:p></o:p></span></span></div><div class="MsoNormal" style="line-height: 17.55pt; text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><span style="font-size: 13pt;"> Tão rápido e extraordinário é o seu sucesso que o critico A.C.R. Carter, respondendo à questão de saber se a fotografia era uma arte, escreveu na revista “The Photogram” em 1905:<span class="apple-converted-space"> </span><b><i>“Sim, trata-se de Edward Steichen”</i></b>.</span><span style="font-size: 13pt;"><o:p></o:p></span></span></div><div class="MsoNormal" style="line-height: 17.55pt; text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><span style="font-size: 13pt;"> Praticando a pintura ao mesmo tempo que a fotografia, Steichen é no início do séc. XX, um dos representantes mais importantes da primeira corrente da história da fotografia, o pictoralismo, cuja ambição é fazer reconhecer a fotografia como uma das belas artes. No meio de diversas influências, entre as quais o impressionismo, o japonismo, o simbolismo e mais especificamente nos Estados Unidos o transcendentalismo de Henry David Thoreau e Ralph Waldo Emerson assim como o tonalismo do pintor George Inness, o jovem Steichen adquire uma síntese que lhe é própria e que contribui enormemente para o reconhecimento da fotografia como arte.</span><span style="font-size: 13pt;"><o:p></o:p></span></span></div><div class="MsoNormal" style="line-height: 17.55pt; text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><span style="font-size: 13pt;"> O elemento comum de todas as influências é uma procura constante de distanciamento do realismo da fotografia a fim de sublinhar as possibilidades expressivas desta nova arte. Os motivos preferidos são as paisagens o mais possível inanimadas, que são fotografadas geralmente à noite.</span><span style="font-size: 13pt;"><o:p></o:p></span></span></div><div class="MsoNormal" style="line-height: 17.55pt; text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><b><i><span style="font-size: 13pt;">“Eu procuro a natureza mais bela ao crepúsculo e ao luar, e todos os meus esforços visam encontrar o modo de interpretar esses momentos” </span></i></b><span class="apple-converted-space"><span style="font-size: 13pt;"> </span></span><span class="apple-style-span"><i><span style="font-size: 10pt;">Edward Steichen</span></i></span></span></div></div></div><div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 0cm 10pt; text-align: justify;"><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj9Hlw675mUtcXTBFOXWl85si4YbwNEcl4tQdua-DXieWXmnaC0FgktZ-pU1IttoikefQj9nbut7Ezv21h6DIaEx40bOfpPf-YH6aPziaGLpy-CE3gWVfMQDHiO_asNyhwF_K9PucWTF2o/s1600/485bg.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj9Hlw675mUtcXTBFOXWl85si4YbwNEcl4tQdua-DXieWXmnaC0FgktZ-pU1IttoikefQj9nbut7Ezv21h6DIaEx40bOfpPf-YH6aPziaGLpy-CE3gWVfMQDHiO_asNyhwF_K9PucWTF2o/s400/485bg.jpg" width="300" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Edward Steichen - Paisagem</td></tr>
</tbody></table></div><div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 0cm 10pt; text-align: justify;"><span style="line-height: 115%;"><span style="color: black;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;"> </span></span></span><span class="Apple-style-span" style="font-size: 17px;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Sob a influencia de Whistler, “um artista que ele tinha na pele”, cuja obra descobre em 1893 na World’s Columbian Exposition de Chicago, Steichen procurou obter nas suas fotografias a mesma harmonia, baseada numa gama tonal limitada, como nas paisagens noturnas do pintor. </span></span><br />
<div class="MsoNormal"><span class="apple-style-span"><span style="font-family: Verdana; font-size: 13pt;"><o:p></o:p></span></span></div><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhrYnY4e2DyUIKVaEl3OBrAuj3abg2ScSJvfoh09oqSefgYwn2GCXh2DlY4vUzKGiklXCFVyV0IXMh7sUrSXo11lkmuJQT7g03bp7zBVRVAKSSY0GZlcowQroBPdZvRSScHxHpKseNfe9M/s1600/1096659875_91.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhrYnY4e2DyUIKVaEl3OBrAuj3abg2ScSJvfoh09oqSefgYwn2GCXh2DlY4vUzKGiklXCFVyV0IXMh7sUrSXo11lkmuJQT7g03bp7zBVRVAKSSY0GZlcowQroBPdZvRSScHxHpKseNfe9M/s400/1096659875_91.jpg" width="335" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Edward Steichen - Paisagem, 1898</td></tr>
</tbody></table><span style="line-height: 115%;"><span style="color: black;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;"> </span></span></span><span class="Apple-style-span" style="font-size: 17px;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">A escolha de uma luz noturna que mistura os detalhes e dum enquadramento voluntariamente difuso assegurava também a distinção entre as imagens artísticas e as representações perfeitamente claras e limpas dos fotógrafos amadores, dos quais Steichen se queria demarcar. Num dos seus textos mais conhecidos, “Ye Fakers”, publicado no primeiro número da revista “Camera Work em 1903, Steichen teorisa a sua aproximação estética ao reivindicar a necessidade do artista de ter liberdade de expressão nos seus temas. A “realidade” dum lugar não é a realidade da fotografia, pois em cada imagem artística há também uma outra realidade para além do tema tratado. Criar uma imagem implica uma mutação da realidade e esta mudança transmite a visão pessoal do autor. Na fotografia artística é necessário utilizar na sua análise os mesmos critérios que são utilizados nas restantes “Artes”. Consequentemente se a imagem é mais do que o objeto fotografado, esta não deverá ser a representação fiel da realidade, deve ser modificada, transformada pelo artista. Para obter este resultado, Steichen utilizou a “difusão”, ou seja a humidificação da imagem para criar uma espécie de nevoeiro artificial ao fazer vibrar a sua câmara durante a captação das imagens. Os elementos pictóricos da imagem tornam-se mais importantes que a cena real fotografada. Atento à força transmitida por estas imagens de Steichen, o critico Charles H. Caffin utiliza-as na elaboração do capitulo sobre a “paisagem” no seu livro “Photography as a Fine Art” de 1901.</span></span><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiec50mlfJdrHV4-sdvMrDxls46eMXecc_x6k6SKqmaNz1But8ThLlgSo91kE8s6vhimX8B4PzQ8U3BQe1ufX-bPSFyv6Mil_wettOfb080oOHjtUU3dSXove_R11ng8C21cfnx5WR6z2g/s1600/Flatiron-1904.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiec50mlfJdrHV4-sdvMrDxls46eMXecc_x6k6SKqmaNz1But8ThLlgSo91kE8s6vhimX8B4PzQ8U3BQe1ufX-bPSFyv6Mil_wettOfb080oOHjtUU3dSXove_R11ng8C21cfnx5WR6z2g/s400/Flatiron-1904.jpg" width="316" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Steichen - Flatiron, 1904</td></tr>
</tbody></table></div><div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 0cm 10pt; text-align: justify;"><span style="line-height: 115%;"><span style="color: black;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;"> </span></span></span><span class="Apple-style-span" style="font-size: 17px; line-height: 23px;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Mesmo quando algumas destas paisagens são identificadas topograficamente através do titulo, não se tratam de representações exatas dum lugar, mas sim de imagens que refletem, na melhor tradição romântica, “o estado de alma” do artista:</span></span><br />
<div class="MsoNormal" style="line-height: 17.55pt; text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><span style="font-size: 13pt;"> <span class="apple-converted-space"> </span><b><i>“A qualidade inatingível do crepúsculo incomoda-me, provocando em mim uma emoção que sinto a obrigação de evocar na fotografia. A reação emocional às qualidades dos lugares, das coisas e das pessoas torna-se o alvo principal da minha fotografia.” </i></b></span><span class="apple-style-span"><i><span style="font-size: 10pt;">Edward Steichen</span></i></span><span style="font-size: 13pt;"><o:p></o:p></span></span></div><div class="MsoNormal" style="line-height: 17.55pt; text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><span style="font-size: 13pt;"> No entanto, o percurso de Steichen não revela mais do que a estética influenciada na época pelo transcendentalismo e pelas ideias socialistas da sua irmã Lilian. Steichen opõe a “pureza” da natureza à “poluição” física e moral da cidade. A paisagem é um refugio do individuo e ao mesmo tempo uma expressão do seu estado de alma. Esta distanciação em relação à cidade não é no entanto absoluta, como provam as célebres fotos de Flatiron que Steichen realizou em 1904.</span><span style="font-size: 13pt;"><o:p></o:p></span></span></div><div class="MsoNormal" style="line-height: 17.55pt; text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><span style="font-size: 13pt;"> Provavelmente estimulado pelos conhecimentos devidos ao <span class="apple-style-span">seu trabalho de litógrafo, Steichen produz numerosas experiências de laboratório na impressão das suas fotos. Um dos processos favoritos no início da sua carreira era a emulsão bicromática, uma técnica que permitia um maior controle da imagem.</span></span><span style="font-size: 13pt;"><o:p></o:p></span></span></div><div class="MsoNormal" style="line-height: 17.55pt; text-align: justify;"><span style="font-size: 13pt;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"> Mais do que nas paisagens, os primeiros retratos feitos por Steichen contribuíram muito para a sua reputação. Realizou também uma série de autorretratos, o primeiro realizado em Milwaukee em 1898 num formato estranho, inspirado pelo kakemono japonês, seguido do célebre autorretrato com pincel e paleta de 1902. Inspirado pelo famoso retrato de Ticiano, “O Homem da luva” de 1520 que viu no Museu do Louvre. Neste autorretrato, Steichen pousa com a estola do seu amigo fotógrafo Frederick Holland Day enrolada ao pescoço. Utilizando a fórmula clássica do retrato com “atributos”, representa-se enquanto pintor e não como fotógrafo, certamente para estar mais próximo da iconografia habitual do artista. Nesta foto ele explora a fundo as possibilidades plásticas da emulsão bicromática. Os traços de pincel que serviu para retocar as provas são percetíveis como as pinceladas dum pintor tornando visível a construção artificial da imagem. </span></span><span style="font-family: Arial; font-size: 13pt;"><o:p></o:p></span></div></div><div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 38.2pt 10pt 0cm; tab-stops: 423.0pt; text-align: justify;"><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh1_dPlfYvAcQ8Dj0RsVY_44BlCmiDfKT31IKfD_fNCvAUMDiDc0xWB2Mt41M-2BVlOfpuk05SEaTXg0T0rO-Qu4Qu9vUGjG-uUP6pt6PO1gExlb-K7MqLBh0MDfhbSwqHxp3NMXwAn68I/s1600/autoretrato.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh1_dPlfYvAcQ8Dj0RsVY_44BlCmiDfKT31IKfD_fNCvAUMDiDc0xWB2Mt41M-2BVlOfpuk05SEaTXg0T0rO-Qu4Qu9vUGjG-uUP6pt6PO1gExlb-K7MqLBh0MDfhbSwqHxp3NMXwAn68I/s400/autoretrato.jpg" width="292" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Edward Steichen, Auto retrato como pintor -1902</td></tr>
</tbody></table><span class="Apple-style-span" style="line-height: 18px;"></span><br />
<div class="MsoNormal"><span class="apple-style-span"><span style="font-family: Verdana; font-size: 13pt;"> </span><span style="font-size: 13pt;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">A presença de traços indica ao espetador que a imagem fotográfica é o resultado duma intervenção humana, manual e não produzida por uma máquina. A superfície branca da tela é utilizada para obter um contraste dramático de valores com o fundo negro do manto. Todos os detalhes são suprimidos e os objetos tratados enquanto formas, afastando-se voluntariamente da perceção habitual. Para obter uma tiragem satisfatória, Steichen precisou dum ano de trabalho. Alem das suas tentativas de introspeção nos autorretratos, Steichen empreendeu um trabalho sistemático de retratista. Seguindo o exemplo de Napoleon Sarony, o fotógrafo americano conhecido pelos retratos de atores famosos, ele esperou que a notoriedade dos seus modelos o ajudasse também a ser conhecido.</span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana;"><o:p></o:p></span></span></span></div><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhOZZTRw0Bgf-I-zdaF5SuCNlu6U3O3j674iQer6F-moN1t3WF5R_uYIgNsKD0JLmJnmqDVBy9wVMqe1UucNmc-LaosgBWFw9MJasCl7yvr1C56jVdYPCw3PVEAKU-e4cHOIZlvD3Az6Yo/s1600/steichen_gloria_swanson1924.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhOZZTRw0Bgf-I-zdaF5SuCNlu6U3O3j674iQer6F-moN1t3WF5R_uYIgNsKD0JLmJnmqDVBy9wVMqe1UucNmc-LaosgBWFw9MJasCl7yvr1C56jVdYPCw3PVEAKU-e4cHOIZlvD3Az6Yo/s400/steichen_gloria_swanson1924.jpg" width="310" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Edward Steichen - "Gloria Swanson", 1924</td></tr>
</tbody></table></div><div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 38.2pt 10pt 0cm; tab-stops: 423.0pt; text-align: justify;"><span style="line-height: 115%;"><span style="color: black;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;"> </span></span></span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><span class="apple-style-span"><b><i><span style="font-size: 13pt;">“A minha ambição é produzir uma galeria de fotografias de personagens ilustres – depois apresentar uma série de imagens ampliadas num grande museu e publicar essa série em forma de livro.”</span></i></b></span><span class="apple-style-span"><i><span style="font-size: 10pt;"> Edward Steichen</span></i></span></span><br />
<div class="MsoNormal"><span class="apple-style-span"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span style="font-family: Verdana; font-size: 13pt;"><o:p></o:p></span></i></b></span></div><span style="line-height: 115%;"><span style="color: black;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;"><br />
</span></span></span><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEha9jgBAKK2NK-Sm2Jeiwf2aPN3cssGcVoUuhVCGmqD5yC378fIsw6jSgY8QgtCWqj-TK-RUBU2GCzXfDJYn48oyxxXkIQN_jklQE8m5cEV0uCgWFtKM0_QrfEuOpf0WP-zVq0LkD3_rA4/s1600/Edward_Steichen_Marlene_Dietrich.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEha9jgBAKK2NK-Sm2Jeiwf2aPN3cssGcVoUuhVCGmqD5yC378fIsw6jSgY8QgtCWqj-TK-RUBU2GCzXfDJYn48oyxxXkIQN_jklQE8m5cEV0uCgWFtKM0_QrfEuOpf0WP-zVq0LkD3_rA4/s400/Edward_Steichen_Marlene_Dietrich.jpg" width="313" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Edward Steichen - "Marlene Dietrich"</td></tr>
</tbody></table></div><div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 38.2pt 10pt 0cm; tab-stops: 423.0pt; text-align: justify;"><span style="line-height: 115%;"><span style="color: black;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;"> </span></span></span><span class="Apple-style-span" style="font-size: 17px;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Durante a sua permanência na Europa, Steichen fotografa pintores como Paul-Albert Bartholomé, Paul-Albert Besnard, Henri Matisse, Franz von Lembach, Franz von Stuck, Alphonse Mucha, Fritz Thaulow, o escultor Rodin , a cantora Yvette Guibert, compositores como Richard Strauss e escritores como Maurice Maeterlink e Bernard Shaw, etc. É um trabalho espantoso.</span></span><br />
<div class="MsoNormal"><span class="apple-style-span"><span style="font-family: Verdana; font-size: 13pt;"><o:p></o:p></span></span></div><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjB5ugTy3C8dHr9PM084pxUH-9JWCB5H2Ozy4P0vR_BI_Ms6Ge4cds9mHsH4iHcrctZySRcyINXTyylpeju6632TxF1-vBDZBXqa7Gj6Wwt4BodCwldiJFzG8IUNaQsP6-RKFreVomgbL4/s1600/steichen_matisse1909.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjB5ugTy3C8dHr9PM084pxUH-9JWCB5H2Ozy4P0vR_BI_Ms6Ge4cds9mHsH4iHcrctZySRcyINXTyylpeju6632TxF1-vBDZBXqa7Gj6Wwt4BodCwldiJFzG8IUNaQsP6-RKFreVomgbL4/s400/steichen_matisse1909.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Edward Steichen - "Matisse", 1909</td></tr>
</tbody></table></div><div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 38.2pt 10pt 0cm; tab-stops: 423.0pt; text-align: justify;"><span style="line-height: 115%;"><span style="color: black;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;"> </span></span></span><span class="Apple-style-span" style="line-height: 23px;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><b><i><span style="font-size: 13pt;">“O retrato pressupõe que eu mergulhe completamente na personalidade do modelo, que eu perca inteiramente a minha própria identidade e quando termino estou quase completamente despedaçado”</span></i></b><span class="apple-style-span"><i><span style="font-size: 10pt;"> Edward Steichen</span></i></span></span></span></div><div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 38.2pt 10pt 0cm; tab-stops: 423.0pt; text-align: justify;"><span style="color: black;"><span class="Apple-style-span" style="font-size: 17px;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"> Ele não faz mais do que um retrato por dia. Os retratos de Rodin são os mais notáveis. O primeiro de 1902, representa Rodin em frente do seu monumento a Victor Hugo. A primeira vista é uma aproximação tradicional que retoma o esquema do retrato com atributo. No entanto nada é menos verdade, o escultor é fotografado de perfil e a contra luz, os detalhes são eliminados do rosto que não é mais do que uma superfície escura. Embora se trate dum retrato, a parecença fisionómica não tem verdadeira importância para Steichen: Rodin, o homem, apaga-se face a Rodin, o artista criador. Utilizando as possibilidades da goma bicromatada, Steichen chega a desmaterializar completamente a estatua de Victor Hugo, reduzindo-a a uma presença quase fantasmagórica criando assim dois níveis de realidade na imagem: a de Rodin e a da sua visão que será concretizada sob uma forma material. O grande contraste de valores dramatiza fortemente a cena que não tem nada de natural e se aproxima duma pintura. A imagem invertida será utilizada para criar um segundo retrato no quql Rodin é confrontado com uma das suas obras mais conhecidas, “O Pensador”. </span></span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;"> </span></span><br />
<span style="color: black;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;"><br />
</span></span><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhsAos976pIdwjhq9iiOVjdPWbB7jMDOsya9JY55mm6DIrMxrR50aW73aYuaVeZBX7WFigzbj4usyVK9RxUxLVs8WumHDcuVYUyCsxp_SChzCZplcMcXug4JS5jRQait5LFTlNdp_oKUPA/s1600/Rodin-O+pensador.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="315" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhsAos976pIdwjhq9iiOVjdPWbB7jMDOsya9JY55mm6DIrMxrR50aW73aYuaVeZBX7WFigzbj4usyVK9RxUxLVs8WumHDcuVYUyCsxp_SChzCZplcMcXug4JS5jRQait5LFTlNdp_oKUPA/s400/Rodin-O+pensador.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Edward Steichen - "Rodin e O Pensador"<br />
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Tahoma, Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: x-small; line-height: 17px;"><span class="Apple-style-span" style="color: blue;"><b>Este texto foi escrito ao abrigo do novo Acordo Ortográfico</b></span></span></td></tr>
</tbody></table><span style="color: black;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;"> </span></span></div>António Damásiohttp://www.blogger.com/profile/08778327206941284777noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8171405610691890218.post-65007699779672782702010-12-09T15:54:00.000-08:002010-12-10T15:10:02.960-08:00HISTÓRIA DA FOTOGRAFIA - OS PIONEIROS<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><div style="text-align: right;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: right;"></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: right;"></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: right;"></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: right;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiWruSlqVKNuQidPDMIko1je5KlOvkRLsYwab6iv7x6cuIKGbEiWenzXGH7AqNPBzSzpYAQtO6C-ujatrTLUJQsnoAoZtEGm1nVM7FprRV6YpAlJqSV1HJjinMQN3qcKPU-I9AdtpMGB5I/s1600/Logo-Ant%25C3%25B3nioDam%25C3%25A1sio-1-logo.bmp" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="150" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiWruSlqVKNuQidPDMIko1je5KlOvkRLsYwab6iv7x6cuIKGbEiWenzXGH7AqNPBzSzpYAQtO6C-ujatrTLUJQsnoAoZtEGm1nVM7FprRV6YpAlJqSV1HJjinMQN3qcKPU-I9AdtpMGB5I/s200/Logo-Ant%25C3%25B3nioDam%25C3%25A1sio-1-logo.bmp" width="200" /></a></div> </div></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"> <span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">O primeiro processo fotográfico ou heliográfico foi inventado por Nicéphore Niépce cerca de 1824.</span></div><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhbfHwd5qpvG_Csf_3TUj9dDgqxvTxAiYB77o27EU_VBgKVmhRNo1utH2vHjk0EA0NSJVFskbLAZTPbjTSKeEtLsfYUrY1qCvphuoYrhu-O2j45UXEC8XNlZMAfV-vAOk3J8ZzD_J1MBn4/s1600/Niepce-1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhbfHwd5qpvG_Csf_3TUj9dDgqxvTxAiYB77o27EU_VBgKVmhRNo1utH2vHjk0EA0NSJVFskbLAZTPbjTSKeEtLsfYUrY1qCvphuoYrhu-O2j45UXEC8XNlZMAfV-vAOk3J8ZzD_J1MBn4/s200/Niepce-1.jpg" width="166" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: x-small;">Nicéphore Niépce </span></td></tr>
</tbody></table><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"> As imagens foram obtidas com betume da Judeia aplicado sobre uma placa de prata depois de vários dias de exposição à luz. </span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"> Em 1829, Niépce associa-se nas suas pesquisas a Louis Jacques Mande Daguerre.</span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"> Em 1832 põem em prática um segundo processo que produz imagens com apenas um dia de exposição. Este processo é feito a partir dos resíduos da destilação da essência de lavanda.</span></div><div style="text-align: center;"><br />
</div><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEit34I3Df-HbbRpOKJ4A8v434GZ1hyphenhyphenVhdVKWTjhIWigztL5Sk3U3lh5qIr0EeHhVQxs7-5frCEc1VWIFcqu7pLMAjkTgdd_WD2JK_SnHTiQrfSd8U1L32kkQH5j42f8heWJ5NjVaf1FCFg/s1600/Daguerre.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEit34I3Df-HbbRpOKJ4A8v434GZ1hyphenhyphenVhdVKWTjhIWigztL5Sk3U3lh5qIr0EeHhVQxs7-5frCEc1VWIFcqu7pLMAjkTgdd_WD2JK_SnHTiQrfSd8U1L32kkQH5j42f8heWJ5NjVaf1FCFg/s200/Daguerre.jpg" width="175" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: x-small;">Louis Jacques Mande Daguerre.</span></div></td></tr>
</tbody></table><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"> Depois da morte de Niépce em 1833, Daguerre continuou os trabalhos dando em 1838 o nome de daguerreótipo ao primeiro processo composto de uma fase de revelação.</span></div><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"> </span><br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"> Uma placa de prata coberta duma fina camada de iodeto de prata foi exposta na câmara escura e depois submetida aos vapores de mercúrio fazendo surgir uma imagem latente invisível, formada durante a exposição à luz.</span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"> Esta revelação consistia numa tal amplificação do efeito da luz, que o tempo de pose não ultrapassava os 30 minutos. A fixação era obtida pela imersão em água saturada com sal marinho.</span></div><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj6rV4R8JgyP16ItosEwA_Dmsr9iZq5fweXl-ZEGXdZMCah6yWct7lhi18udAu39OqCTrtNWdtSlPpXcyUTB0FKctl72BskR_HqNGNeXoA-HlsZ8wxiGVsZdVJYiksZ6IBsmU7S4gha5zI/s1600/Hippolyte_Bayard_1863.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj6rV4R8JgyP16ItosEwA_Dmsr9iZq5fweXl-ZEGXdZMCah6yWct7lhi18udAu39OqCTrtNWdtSlPpXcyUTB0FKctl72BskR_HqNGNeXoA-HlsZ8wxiGVsZdVJYiksZ6IBsmU7S4gha5zI/s200/Hippolyte_Bayard_1863.jpg" width="163" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: x-small;">Hippolyte Bayard </span></td></tr>
</tbody></table><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"> Em Julho de 1839, um francês chamado Hippolyte Bayard descobriu o meio de obter imagens directamente positivas sobre papel. Um papel coberto de cloreto de prata foi escurecido pela luz depois de exposto numa câmara escura após ser impregnado de iodeto de prata. O tempo de pose ia de 30 minutos a 2 horas. No entanto em 1839, o anúncio da invenção do daguerreótipo incita o inglês William Henry Fox Talbot a recomeçar as suas pesquisas iniciadas em 1834.</span></div><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhsZn9CLSWHJ7m0FTq1hjXks_upeF9dc5mB36_tzkUjQrCUf90KxhIyewN3wSpZD3VO0jYWEYYLHewEi1ZYKv7oMjnf6n_M-x9kyXSJNcuWmL0Fs0wbQSnRQAzkCv6ktpRcEu2JElYYSno/s1600/WilliamHenryFoxTalbot%252C1864.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhsZn9CLSWHJ7m0FTq1hjXks_upeF9dc5mB36_tzkUjQrCUf90KxhIyewN3wSpZD3VO0jYWEYYLHewEi1ZYKv7oMjnf6n_M-x9kyXSJNcuWmL0Fs0wbQSnRQAzkCv6ktpRcEu2JElYYSno/s200/WilliamHenryFoxTalbot%252C1864.jpg" width="158" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: x-small;">William Henry Fox Talbot</span></td></tr>
</tbody></table><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"> </span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Em 1841 ele regista o calotipo, o primeiro processo negativo/positivo que permitia a multiplicação duma imagem graças à obtenção dum negativo intermédio sobre um papel de cloreto de prata tornado translúcido através de aplicação de cera. Como para o daguerreótipo, a imagem latente era em seguida revelada por meio dum produto químico, “o revelador”: uma solução de ácido gálico e de nitrato de prata. Uma segunda folha de papel recoberta também de cloreto de prata era em seguida exposta através do negativo translúcido, para se obter o positivo final.</span><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: 8pt;"><o:p></o:p></span></div><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjHefOi1bcEkSm95OnitOhuacyfWEqZfKQ_eIgFlWToEi5yi5UJgX-D2n-Ekgnu7-iXzbmAgc0XgvaTG4Czm4aGGvfdVbJNobuM_gMuYZheqEn-6FJeW_3jfnSTm3rdX1D2Jnn308VsIGk/s1600/JohnHerschel01.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjHefOi1bcEkSm95OnitOhuacyfWEqZfKQ_eIgFlWToEi5yi5UJgX-D2n-Ekgnu7-iXzbmAgc0XgvaTG4Czm4aGGvfdVbJNobuM_gMuYZheqEn-6FJeW_3jfnSTm3rdX1D2Jnn308VsIGk/s200/JohnHerschel01.jpg" width="155" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: x-small;">John Herschel</span></td></tr>
</tbody></table><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"> </span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Deve-se a John Herschel, astrónomo, matemático e químico, a descoberta em 1839 do meio de fixar as imagens imergindo-as num banho de hipossulfito de sódio que é ainda hoje o composto essencial dos fixadores fotográficos. As vantagens do calotipo residiam principalmente na facilidade de manipulação das provas em papel e a possibilidade de reprodução múltipla.</span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"> Em contrapartida a definição limitada pela presença das fibras do papel negativo, não podia rivalizar com o daguerreótipo.</span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"> Para diminuir ainda mais os tempos de pose foram criadas então objectivas de menores distâncias focais, portanto mais luminosas, e<span class="Apple-style-span" style="font-size: 16px;">que davam imagens mais nítidas . </span></span></div><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjObeAkj-VugrCIvSeZP30PkkNfkdXUDGqpsG9x8KvAWqJb4HPh3fsEl9rxCozyacgrdXaygUEZP2gXBcFgdOX2dp_CgUWpSAkpWyY6P9U0PEXrI4wlnxZnQ17cAqDvtHBf8K7JI6b03D4/s1600/Hippolyte_Fizeau.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjObeAkj-VugrCIvSeZP30PkkNfkdXUDGqpsG9x8KvAWqJb4HPh3fsEl9rxCozyacgrdXaygUEZP2gXBcFgdOX2dp_CgUWpSAkpWyY6P9U0PEXrI4wlnxZnQ17cAqDvtHBf8K7JI6b03D4/s200/Hippolyte_Fizeau.jpg" width="170" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="-webkit-border-horizontal-spacing: 2px; -webkit-border-vertical-spacing: 2px; line-height: 11px;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: x-small;">Armand Hyppolyte Louis Fizeau</span></span></td></tr>
</tbody></table><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><span class="Apple-style-span" style="font-size: 16px;"> Em 1841, o físico Armand Fizeau, substitui o iodeto de prata pelo brometo de prata cuja sensibilidade à luz é maior. Agora eram apenas necessários </span>alguns segundos de pose para obter um daguerreótipo o que torna possível fazer retratos.</span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"> A fim de melhorar a transparência do negativo do calotipo, Abel Niépce de St Victor, primo de Niépce descobriu em 1847 o meio de substituir o papel pelo vidro. Para que o brometo de prata pudesse aderir ao vidro, teve a ideia de o misturar à albumina (clara de ovo). Embora demasiado contrastadas, as imagens eram agora extremamente precisas, obrigando os ópticos a melhorar o fabrico das objectivas.</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"></div><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"></div><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEix40rZ0gYVrAVZH_dWtFjSAwGMOurlRQajHkRrtpPIIfNXvkQb56ZLzXKXmD1xFXg3tHROg-mJIOUzL56KjyYIMG_T8D7t_8jCv_clyVF0JXmbfDWxXmZ77MFx9lIb5m8yjxsLzxtCQYA/s1600/Abel+Ni%25C3%25A9pce+de+St+Victor.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEix40rZ0gYVrAVZH_dWtFjSAwGMOurlRQajHkRrtpPIIfNXvkQb56ZLzXKXmD1xFXg3tHROg-mJIOUzL56KjyYIMG_T8D7t_8jCv_clyVF0JXmbfDWxXmZ77MFx9lIb5m8yjxsLzxtCQYA/s1600/Abel+Ni%25C3%25A9pce+de+St+Victor.jpg" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: x-small;">Abel Niépce de St Victor</span></td></tr>
</tbody></table><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"> Em 1851, o inglês Scott Archer substitui a albumina pelo colódio </span>(nitrato de celulose).</div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"> <span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">As imagens a preto e branco obtidas por este processo atingiram uma qualidade nunca antes obtida. No entanto tinha alguns inconvenientes. A tomada de vista tinha que ter lugar enquanto a placa estava húmida e a revelação feita a seguir rapidamente.</span></div><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiEaOcSsOnv6WBReNrPtAcA7_95GkmwIBdhpsTY8eesuekvt_zY-ii67YWsc0zisCui6n_7zqbOOIXarCWP1jfy1m0vC2KOFGcALkV2djBqpLiSq3eyoq_Kih3FAaldGQg7fYJ56dn1rGE/s1600/Scott+Archer.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiEaOcSsOnv6WBReNrPtAcA7_95GkmwIBdhpsTY8eesuekvt_zY-ii67YWsc0zisCui6n_7zqbOOIXarCWP1jfy1m0vC2KOFGcALkV2djBqpLiSq3eyoq_Kih3FAaldGQg7fYJ56dn1rGE/s320/Scott+Archer.jpg" width="234" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: x-small;">Scott Archer </span></td></tr>
</tbody></table><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"> Em 1871 O inglês Richard Maddox, substitui o colódio por gelatina , processo aperfeiçoado depois por Charles Bennet que demonstra que </span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">as placas de gelatina adquirem uma grande sensibilidade quando são mantidas durante vários dias a 32ºC. Agora não só as placas de gelatino-brometo podem ser armazenadas antes de usar, mas a sua sensibilidade era tal que a exposição não podia exceder uma fracção de segundo.</span></div><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgqySPJdTI4h4B-dUb17F9uq93GQ3CRZ46IIIahm1Eq81xIo3nqb6i9YCb3riNzXang1VISQe20-U3rb5OCMSiUZ3cRTD4_o8ZyuEH__znoc6LUPPLHzAdq5wAbi9xkCdGaINraRXmfvKk/s1600/RichardMaddox.gif" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgqySPJdTI4h4B-dUb17F9uq93GQ3CRZ46IIIahm1Eq81xIo3nqb6i9YCb3riNzXang1VISQe20-U3rb5OCMSiUZ3cRTD4_o8ZyuEH__znoc6LUPPLHzAdq5wAbi9xkCdGaINraRXmfvKk/s1600/RichardMaddox.gif" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: x-small;">Richard Maddox</span></td></tr>
</tbody></table><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"> Um pouco antes de 1880 dá-se inicio à história do obturador, pois a alta sensibilidade das placas necessitava da concepção de mecanismos capazes de deixar entrar a luz na máquina durante um centésimo e até de um milésimo de segundo. Era preciso avaliar com precisão a i</span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">ntensidade da luz e o posímetro tornou-se um verdadeiro instrumento de medida.</span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><br />
</span></div><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgmglxGSAJFtg8rEISt8abUEwZDFITPTkD-nb1qkFXtWnzY2TtOOpI41AoqJkfe2sjfsDIALcq-zZPAjo_S_sIj4_PqxvM9sgq-YGQ_VNChilztE1d2hDTwpjvKtVPi2DamX6hWbUJDrGQ/s1600/George_Eastman.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgmglxGSAJFtg8rEISt8abUEwZDFITPTkD-nb1qkFXtWnzY2TtOOpI41AoqJkfe2sjfsDIALcq-zZPAjo_S_sIj4_PqxvM9sgq-YGQ_VNChilztE1d2hDTwpjvKtVPi2DamX6hWbUJDrGQ/s320/George_Eastman.jpg" width="228" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: x-small;">Georges Eastman</span></td></tr>
</tbody></table><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"> O americano Georges Eastman, fundador da Kodak, inventa em 1888 o suporte flexível . As placas de vidro são progressivamente substituídas pelos rolos de celulóide .</span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"> Faltava ainda à fotografia a reprodução das cores. As primeiras tentativas foram iniciadas por Edmond Becqerel em 1848,e depois por Niépce de St Victor em 1851 que mostraram que uma placa de prata coberta de cloreto de prata pode reproduzir directamente as cores fundamentais, mas de modo instável.</span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"> Em 1869, Louis Ducos de Hauron realiza com êxito em Agen a primeira fotografia a cores aplicando o principio demonstrado por <span class="Apple-style-span" style="-webkit-border-horizontal-spacing: 2px; -webkit-border-vertical-spacing: 2px; line-height: 19px;">James Clerk Maxwel</span><span class="Apple-style-span" style="-webkit-border-horizontal-spacing: 2px; -webkit-border-vertical-spacing: 2px; font-weight: bold; line-height: 19px;">l</span> da decomposição da luz pelas três cores fundamentais, o vermelho o amarelo e o azul. Ele realiza três fotos do mesmo modelo, através dum filtro respectivamente vermelho, azul e amarelo. Obtém 3 positivos coloridos com as cores dos filtros. Sobrepondo as três imagens, obtém a constituição das cores originais.</span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-size: 11px;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><br />
</span></span></div><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhmLKe1b-HcuVze7Vuuc3dpwOfCrL6MlIWhNeV3QrdJHL7AXYBEFAUdoylTpKP-tjqF2tpXCTIgsuFL-GFzpzXx-RImZRLVa_e1gkyOLI1J8RyJBttfRHce0ceXvsQY3E-nzzvJ1hV7y2o/s1600/Louis+Ducos+de+Hauron.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhmLKe1b-HcuVze7Vuuc3dpwOfCrL6MlIWhNeV3QrdJHL7AXYBEFAUdoylTpKP-tjqF2tpXCTIgsuFL-GFzpzXx-RImZRLVa_e1gkyOLI1J8RyJBttfRHce0ceXvsQY3E-nzzvJ1hV7y2o/s1600/Louis+Ducos+de+Hauron.jpg" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><span class="Apple-style-span" style="font-size: x-small;">Louis Ducos de Hauron</span></span></td></tr>
</tbody></table><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"></div><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg9b6i7rOfOAXnd_Fzn8zAk0_xizswca6LhGUWN-8KNU4edDlI4YC3bDQYUNeEh3MGDwOvAMQbxfDJuJf8Ie5JG-gS3HToNwQ4jyrr3JcCsroRsPz-XehTCZBQGcocAV-mDf1k0pEhhsMg/s1600/James_Clerk_Maxwell.png" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg9b6i7rOfOAXnd_Fzn8zAk0_xizswca6LhGUWN-8KNU4edDlI4YC3bDQYUNeEh3MGDwOvAMQbxfDJuJf8Ie5JG-gS3HToNwQ4jyrr3JcCsroRsPz-XehTCZBQGcocAV-mDf1k0pEhhsMg/s200/James_Clerk_Maxwell.png" width="166" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="-webkit-border-horizontal-spacing: 2px; -webkit-border-vertical-spacing: 2px; line-height: 19px;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: x-small;">James Clerk Maxwell</span></span></td></tr>
</tbody></table><br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"> O físico Gabriel Lippman recebeu o prémio Nobel em 1906, por ter descoberto em 1891 o meio de obter fotos directamente a cores sobre uma placa por um processo antecedente da holografia. Demasiado complexa, esta invenção não foi utilizada para além do laboratório.</span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><br />
</span></div><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhWEhpxAg8hyB1UC26QWoBGi1x-9Kc1BdrHh-2WpUIEdkKffrB6HgsjjNLHwGLZJglL65Ukh1C3QgD8MCPnYGChR3vL2gkqVdvY7bn_IymFt5kHopSPZ_8KYlOvC9sxSxOsB8uAscimNHY/s1600/lippmann.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhWEhpxAg8hyB1UC26QWoBGi1x-9Kc1BdrHh-2WpUIEdkKffrB6HgsjjNLHwGLZJglL65Ukh1C3QgD8MCPnYGChR3vL2gkqVdvY7bn_IymFt5kHopSPZ_8KYlOvC9sxSxOsB8uAscimNHY/s200/lippmann.jpg" width="152" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: x-small;"> Gabriel Lippman</span></td></tr>
</tbody></table><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-size: 11px;"></span></div><div class="MsoNormal"><span class="apple-style-span"><b><i><span style="font-family: Arial; font-size: 10pt;">Artigos relacionados neste blogue: </span></i></b></span><span style="color: #6c6c6c; font-family: Arial; font-size: 11.5pt;"><br />
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</span><span class="apple-style-span"><i><span style="color: #6c6c6c; font-family: Arial; font-size: 10pt;"><a href="http://aimagemcomunica.blogspot.com/2010/11/o-progresso-da-otica.html"><span style="color: #c04380;">Progresso da ótica</span></a></span></i></span><span style="color: #6c6c6c; font-family: Arial; font-size: 11.5pt;"><br />
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</span><span class="apple-style-span"><i><span style="color: #6c6c6c; font-family: Arial; font-size: 10pt;"><a href="http://aimagemcomunica.blogspot.com/2010/11/fotoquimica.html"><span style="color: #c04380;">A Fotoquímica</span></a></span></i></span><span style="color: #6c6c6c; font-family: Arial; font-size: 11.5pt;"><br />
</span><span class="apple-style-span"><i><span style="color: #6c6c6c; font-family: Arial; font-size: 10pt;"><span style="color: #c04380;"><a href="http://aimagemcomunica.blogspot.com/2010/11/arte-da-fotografia.html">A Arte da Fotografia</a></span></span></i></span><br />
<span class="apple-style-span"><i><span style="color: #6c6c6c; font-family: Arial; font-size: 10pt;"></span></i></span><br />
<div class="MsoNormal"><span class="apple-style-span"><i><span style="color: #6c6c6c; font-family: Arial; font-size: 10pt;"><span class="apple-style-span"><i><span style="color: #6c6c6c; font-family: Arial; font-size: 10pt;"><a href="http://aimagemcomunica.blogspot.com/2010/12/entrada-da-luz-e-o-obturador.html">Entrada da luz e o obturador</a></span></i></span></span></i></span></div></div><div class="MsoNormal"> </div><a href="http://www.dihitt.com.br/antoniodamasio?ref=286115" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" src="http://widget.dihitt.com.br/conta_seguindo/antoniodamasio" /></a><a dihitt_check="8beefe23ea2d9b70284afc54d87099a8" href="http://www.dihitt.com.br/?ref=286115" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img src="http://b.dihitt.com.br/banners/dihitt_76x16_01.jpg" /></a> António Damásiohttp://www.blogger.com/profile/08778327206941284777noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8171405610691890218.post-28471764707075528632010-12-07T15:55:00.000-08:002010-12-11T15:35:19.500-08:00A ENTRADA DA LUZ E O OBTURADOR<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">A maior parte das máquinas fotográficas possui um botão que regula a velocidade com que o obturador abre. Esta velocidade pode variar de 1/2000 de segundo até vários segundos. <o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"> Cada posição permite a entrada de metade da luz da posição anterior. Se entrar demasiada luz, a imagem resultante ficará muito clara.<o:p></o:p></span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><br />
</span><br />
<div style="text-align: center;"></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"></div></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"> Para determinar a quantidade de luz correta, muitas máquinas possuem um fotómetro incorporado. Este dispositivo contem uma célula com uma substância química (sulfureto de cádmio ou silício ) que produz uma pequena corrente elétrica quando sobre ele incide a luz. Quanto mais luz, maior será a corrente. O fotómetro indica qual a velocidade e abertura adequadas para a fotografia a tirar. Assim temos primeiro que recorrer às indicações do fotómetro que nos indica qual a velocidade do obturador ou a abertura do diafragma que devemos utilizar. <o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"> Depois desta regulação olhamos finalmente através do visor enquadramos e focamos a imagem antes de carregar no botão tentando manter a máquina firme sem a deslocar. Esta é por vezes a parte mais difícil. Atualmente algumas máquinas fazem todas estas regulações automaticamente. </span><b><o:p></o:p></b><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><br />
</span><br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><br />
<br />
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjHs0iv4nqcMLt18jZ-AsphnV_sisY7CLy6YNsRJ7xkqtw9BCL0M-QOjvjoVQptAnDhyphenhyphenZPElM9iFusNyTOhRiOcR0qHbKAY7mbMDaTtrw_7btOSqTN1S__Ps8VMzvNK6cKSlDjiv7Bhanw/s1600/Pentax-.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="210" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjHs0iv4nqcMLt18jZ-AsphnV_sisY7CLy6YNsRJ7xkqtw9BCL0M-QOjvjoVQptAnDhyphenhyphenZPElM9iFusNyTOhRiOcR0qHbKAY7mbMDaTtrw_7btOSqTN1S__Ps8VMzvNK6cKSlDjiv7Bhanw/s320/Pentax-.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Escalas de regulação da máquina.<br />
Em cima: escala de distâncias de focagem desde o infinito<br />
Em baixo: escala de aberturas do diafragma</td></tr>
</tbody></table><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><br />
</span></div>António Damásiohttp://www.blogger.com/profile/08778327206941284777noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8171405610691890218.post-45167915807323723622010-12-05T16:05:00.000-08:002010-12-11T15:35:49.027-08:00FOCAGEM<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Focar consiste em regular a objetiva da máquina de modo a que a imagem que vemos através do visor nos pareça nítida.<o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"> </span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">As máquinas mais simples têm normalmente uma focagem fixa que não necessita de regulação, ou que apresenta diversos símbolos que correspondem a três ou quatro posições de focagem.<o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"> </span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Nas máquinas tipo “Reflex” a focagem faz-se por meio de um anel graduado desde o infinito ( ∞ )até a <st1:metricconverter productid="0,45 m" w:st="on">0,45 m</st1:metricconverter> de distância (ou menos). Neste caso a focagem é feita através da objetiva até que a imagem apareça com nitidez no visor.<o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"> Só depois da focagem e das outras regulações já explicadas podemos fotografar.</span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><br />
</span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><br />
</span><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"></div><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><br />
</span><br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhwb5-VekfiueaUjDRI5KugyRbp0AYr0X7mUpXvXxZRHExzaNmUVpKSmP39yUGTfR1kSZwacr6vorF2pP-lH4EzMrqnlGQVyWrtX3lRs9FyoVlS0oOYIT08axcxs4QSwhHpNsje8VBa_tQ/s1600/Pentax-.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="210" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhwb5-VekfiueaUjDRI5KugyRbp0AYr0X7mUpXvXxZRHExzaNmUVpKSmP39yUGTfR1kSZwacr6vorF2pP-lH4EzMrqnlGQVyWrtX3lRs9FyoVlS0oOYIT08axcxs4QSwhHpNsje8VBa_tQ/s320/Pentax-.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Escalas de regulação<br />
em cima: distâncias desde o infinito</td></tr>
</tbody></table><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"></div><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><br />
</span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><o:p></o:p></b></div>António Damásiohttp://www.blogger.com/profile/08778327206941284777noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8171405610691890218.post-56868990220020979422010-12-03T04:35:00.000-08:002010-12-11T15:36:23.257-08:00REGULAÇÃO DA MÁQUINA ANALÓGICA<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><b>Diafragma e obturador</b><o:p></o:p></span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><br />
</span><br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh5paXCTvP4bVOZXdoNkUb9FKcKYomVi2hMtTZQh6lbo3utwZ6QKXvEeCegIWh3UGrP6FfZ3lcFIGB6z-xPmNY4VlYUYyR58Q42HlrHYjDPtiLuYXulOogLRq_Rz201b-mnoXzJB5obuUI/s1600/Diafragma+de+anel.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="148" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh5paXCTvP4bVOZXdoNkUb9FKcKYomVi2hMtTZQh6lbo3utwZ6QKXvEeCegIWh3UGrP6FfZ3lcFIGB6z-xPmNY4VlYUYyR58Q42HlrHYjDPtiLuYXulOogLRq_Rz201b-mnoXzJB5obuUI/s400/Diafragma+de+anel.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Diafragma de anel com três aberturas diferentes</td></tr>
</tbody></table></div><span style="font-size: 12pt;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"> </span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Dentro do corpo da objetiva encontra-se um conjunto de pequenas peças metálicas que pode ser aberto ou fechado, a fim de alterar a dimensão de um orifício ou abertura, através da qual se dá a entrada da luz. Esta abertura chama-se <u>diafragma</u>, podendo ser comparada à <u>íris</u> do olho humano. A abertura é comandada por um anel em volta do corpo da lente. O diafragma controla a quantidade de luz que incide na película. O anel que altera a abertura do diafragma apresenta marcações, com intervalos regulares com números tais como: 2 – 2.8 – 4 – 5.6 – 8 – 11 – 16 e 22. </span></span><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhmSAh7lrn-h6ljwsbrU4_JxJ5QPs5BRN_cOkN-oSHdJoPt8MjWmEUrNPZ4_wImd-7HND4ud2I7Kc8G7UY34NLUP2aQscdoIhnHOKXak3nGuoIiawTTpSGtBgHcCrO3p2VYieHLiSB8lX8/s1600/Diafragma-Obturador.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="209" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhmSAh7lrn-h6ljwsbrU4_JxJ5QPs5BRN_cOkN-oSHdJoPt8MjWmEUrNPZ4_wImd-7HND4ud2I7Kc8G7UY34NLUP2aQscdoIhnHOKXak3nGuoIiawTTpSGtBgHcCrO3p2VYieHLiSB8lX8/s400/Diafragma-Obturador.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Relação entre as aberturas do diafragma <br />
e as velocidades de abertura do oturador</span></td></tr>
</tbody></table><span style="font-size: 12pt;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"> </span></span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"> </span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Estes designam-se por números “f” e quanto maiores são os seus valores, menores são as aberturas correspondentes e menor a quantidade de luz que chega à película . A quantidade de luz é reduzida para metade quando se muda o anel de uma posição para a outra imediatamente superior.</span><br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"> </span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">A abertura do diafragma influencia a quantidade de luz que chega à película, bem como a nitidez da imagem. Tirando-se uma fotografia num parque com árvores por exemplo, com o anel da abertura na posição de f-2, as árvores ficarão focadas, mas a relva à frente e atrás ficarão desfocadas. Tirando-se a mesma fotografia com o anel em f-<st1:metricconverter productid="6, a" w:st="on">6, a</st1:metricconverter> árvore ficará focada, assim como a relva à frente e atrás. A isto chama-se “profundidade de campo”: quanto maior for o número da abertura, maior será a parte da imagem que ficará focada.<o:p></o:p></span></div><span style="font-size: 12pt;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"> </span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">O corpo da máquina é uma câmara escura em que introduzimos uma película sensível e que ajusta a quantidade de luz que irá chegar a essa película. Isto consegue-se através de uma peça de metal ou tecido que se designa por <u>obturador</u> e que abre por um instante, permitindo a entrada de luz durante um determinado </span></span><span style="font-size: 12pt;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">tempo (frações de segundo).</span></span><br />
<span style="font-size: 12pt;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><br />
</span></span><br />
<div><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><br />
</span></div>António Damásiohttp://www.blogger.com/profile/08778327206941284777noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8171405610691890218.post-69579143261012064712010-11-29T14:13:00.000-08:002010-12-11T15:37:25.622-08:00LENTES E Objetivas<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"></div><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><br />
As lentes das máquinas fotográficas são peças de vidro com curvatura numa ou em ambas as faces, cuidadosamente talhadas, que desviam os raios luminosos, a fim de produzirem imagens nítidas na película. Controla-se a nitidez da imagem fazendo aproximar ou afastando a lente da película.<o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"> Nas máquinas fotográficas quase nunca se utiliza apenas uma lente , mas sim várias que formam um conjunto a que se dá o nome de “objetiva”.<o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"> Existem muitas variedades de objetivas. As principais são a “normal, a “grande angular” e a “teleobjetiva”. A imagem dada por uma objetiva normal, que se encontra nas máquinas mais simples, cobre aquilo que conseguimos ver quando olhamos <st1:personname productid="em frente. A" w:st="on">em frente. A</st1:personname> grande angular cobre um panorama mais alargado. A teleobjetiva funciona como um telescópio, fazendo com que os objetos pareçam mais próximos de nós e maiores.<o:p></o:p></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-size: 12pt;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"> Também existem objetivas especiais como a “olho de peixe" que nos dá uma imagem muito ampla e arredondada ou a objetiva “zoom” que é composta por muitas lentes e que nos possibilita aproximar uma imagem distante que queremos fotografar. No caso de querermos fotografar objectos muito pequenos utilizamos objectivas macro.</span></span></div><span class="apple-style-span"> <span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial;"> </span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial;">As objectivas macro são as que conseguem ter especiais relações de aumento, normalmente por conseguirem aproximar-se do objecto. Para uma proporção de 1:1 (tamanho real do motivo igual ao tamanho registado no sensor) é necessário conseguir, normalmente, uma distância mínima de focagem de +- 5 cm </span></span><span class="Apple-style-span" style="font-family: 'Courier New', Courier, monospace;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial;">de distância ao motivo </span></span><span class="Apple-style-span" style="font-family: 'Courier New', Courier, monospace;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial;">para uma objectiva de 50 mm.</span></span><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"></div><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial;"><br />
</span><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEid3mKClZh-TlbAYouNGpyIez2FL190l3kKOqqAgzfEiMKEGlU3uqHww1wOqfn875KwRYtx11KWK34ZLcUVPjxToObkXTmPMUBfvx66Wb1dPFu86mW2G0lzGLDkVJmkiZTucmeJEbzeCO8/s1600/objectivanormal.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="147" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEid3mKClZh-TlbAYouNGpyIez2FL190l3kKOqqAgzfEiMKEGlU3uqHww1wOqfn875KwRYtx11KWK34ZLcUVPjxToObkXTmPMUBfvx66Wb1dPFu86mW2G0lzGLDkVJmkiZTucmeJEbzeCO8/s200/objectivanormal.jpg" width="200" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Objectiva Normal</td></tr>
</tbody></table><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiiR6LPiSvymT1Xzxy807TGLicE16Gv_yUKZzURIhzbOu0utjtERZuO6KcV5zl9Nm3eYoDHAg35QDUUZWcu4Xj9pu5eW6uJx_n3cHaToqeBTHAmduDY388Y2chx5M-mnTQ_J52SjR_a6Pg/s1600/grande+angular.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiiR6LPiSvymT1Xzxy807TGLicE16Gv_yUKZzURIhzbOu0utjtERZuO6KcV5zl9Nm3eYoDHAg35QDUUZWcu4Xj9pu5eW6uJx_n3cHaToqeBTHAmduDY388Y2chx5M-mnTQ_J52SjR_a6Pg/s200/grande+angular.jpg" width="200" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Objectiva Grande angular</td></tr>
</tbody></table><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"></div><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiTPNW2RpeL7uPyFqq5b9SvDR7_P1e7tSypNq9NLrUuHoA6canuWpQPjwQSxmpmu0geEFI0D6lMCbbdB438fEkPQ8GbieotGKj5kaNkJ-dipOgaXXmiCVn0-fY76-Au6cU1g8QypAH9u_0/s1600/superteleobjectiva.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="153" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiTPNW2RpeL7uPyFqq5b9SvDR7_P1e7tSypNq9NLrUuHoA6canuWpQPjwQSxmpmu0geEFI0D6lMCbbdB438fEkPQ8GbieotGKj5kaNkJ-dipOgaXXmiCVn0-fY76-Au6cU1g8QypAH9u_0/s320/superteleobjectiva.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Teleobjectiva</td></tr>
</tbody></table><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhjS9JjA0DDGIodBHokqnm_TaJvpF9WHv4HksgxgaYk_3nCbeR_4ScdT0fUJ4jMrHRzJOuUdPaTpI0JbNcTwRWwc1xuur3EczPITvcbfltM4szAfkeeewzHI4QRlC26dp32xxeY3pFvKiY/s1600/macro+objectiva.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhjS9JjA0DDGIodBHokqnm_TaJvpF9WHv4HksgxgaYk_3nCbeR_4ScdT0fUJ4jMrHRzJOuUdPaTpI0JbNcTwRWwc1xuur3EczPITvcbfltM4szAfkeeewzHI4QRlC26dp32xxeY3pFvKiY/s1600/macro+objectiva.jpg" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Objectiva macro</td></tr>
</tbody></table><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"></div><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj9FuhvQ-C1-qEJR5_k61CyPaO1DbAipJyDh3TGi4sY-FuWzT2taRl4DMCuXqFqa3rF9yoJy5iAuLfW4iMbXRU-Rk4qqnOT6cV48iTuNHVrdezggh3yF6KPSc0g0-BSfz12yl5kAVnylbc/s1600/olhopeixe.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="160" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj9FuhvQ-C1-qEJR5_k61CyPaO1DbAipJyDh3TGi4sY-FuWzT2taRl4DMCuXqFqa3rF9yoJy5iAuLfW4iMbXRU-Rk4qqnOT6cV48iTuNHVrdezggh3yF6KPSc0g0-BSfz12yl5kAVnylbc/s200/olhopeixe.jpg" width="200" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Objectiva olho de peixe</td></tr>
</tbody></table><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh3u6C4tjcmuciqZpJBajaALM3DKsvHhdl0WmNJ21Q8D3TLLcRTE3v2XpjUVVTTCcnXwtWAcGiLVEiPAsUcgCc8hl5H5TAZ6X4W_Y5BeUm2iv1fTkXueM9Irj2QL4LNNQBYyRymQf6S6fk/s1600/objectiva+zoom.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh3u6C4tjcmuciqZpJBajaALM3DKsvHhdl0WmNJ21Q8D3TLLcRTE3v2XpjUVVTTCcnXwtWAcGiLVEiPAsUcgCc8hl5H5TAZ6X4W_Y5BeUm2iv1fTkXueM9Irj2QL4LNNQBYyRymQf6S6fk/s1600/objectiva+zoom.jpg" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Objectiva zoom</td></tr>
</tbody></table>António Damásiohttp://www.blogger.com/profile/08778327206941284777noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-8171405610691890218.post-24187774095402442242010-11-29T13:19:00.000-08:002010-12-09T14:28:45.631-08:00A MÁQUINA FOTOGRÁFICA ANALÓGICA<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Em muitos aspetos, uma máquina fotográfica assemelha-se ao olho humano. Ambos possuem uma lente que recolhe os raios luminosos de uma cena real, formando uma imagem nítida. Ambos controlam a quantidade de luz que entra no seu interior para formar a imagem. A principal diferença reside no facto de o olho passar a imagem para o cérebro e a máquina fotográfica analógica registar a imagem numa película. No cérebro, a imagem não é sempre percebida exatamente como ela aparece. O cérebro é capaz de juntar outras informações às que os olhos transmitem, enquanto a máquina se limita a registar a imagem com fidelidade. Existe uma outra diferença, o olho é sensível apenas à luz visível, enquanto algumas máquinas são capazes de registar tipos de “luz” invisíveis para nós, como a de infravermelhos e a ultravioleta.</span><b><o:p></o:p></b><br />
<span class="Apple-style-span" style="color: blue; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: x-small;"><i><b>Artigos relacionados neste blogue: </b></i></span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: x-small;"><i> <a href="http://aimagemcomunica.blogspot.com/2010/11/introducao-fotografia.html">Introdução à Fotografia</a></i></span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: x-small;"><i><a href="http://aimagemcomunica.blogspot.com/2010/11/o-progresso-da-otica.html">Progresso da ótica</a></i></span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: x-small;"><i><a href="http://aimagemcomunica.blogspot.com/2010/11/primeiras-imagens.html">Primeiras imagens</a></i></span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: x-small;"><i><a href="http://aimagemcomunica.blogspot.com/2010/11/fotoquimica.html">A Fotoquímica</a></i></span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: x-small;"><i><a href="http://aimagemcomunica.blogspot.com/2010/11/arte-da-fotografia.html">A Arte da Fotografia</a></i></span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: x-small;"><i><br />
</i></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEix-s8-49fje-RQe5BQkuG44KAOBTuASkdpxbJgu8ft9MkaxKY1PpNISdCs30QPQrh_AVONZfLroiRX3oNBvLbM1mFYkDDoj78G-6C7aDZpX97W6kShzrMFuHyX_YGiIetafsyZ-yttjng/s1600/Olho.jpg" imageanchor="1"><img border="0" height="296" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEix-s8-49fje-RQe5BQkuG44KAOBTuASkdpxbJgu8ft9MkaxKY1PpNISdCs30QPQrh_AVONZfLroiRX3oNBvLbM1mFYkDDoj78G-6C7aDZpX97W6kShzrMFuHyX_YGiIetafsyZ-yttjng/s320/Olho.jpg" width="320" /></a></div><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEikAUEP7Fixxx-bLSMcuPEyK-ZC9I_W5wSHhqwodnHZt8r7-tve4aSJIyil14-JIHSn_3gkiU251AQ81dsNYY3hTp3wneEK_EK8xjU7Sc2BHKf9lsp4NXAW3dOcGYgc_ZMRzDHsv_J8JMM/s1600/M%25C3%25A1quina+fotogr%25C3%25A1fica.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="278" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEikAUEP7Fixxx-bLSMcuPEyK-ZC9I_W5wSHhqwodnHZt8r7-tve4aSJIyil14-JIHSn_3gkiU251AQ81dsNYY3hTp3wneEK_EK8xjU7Sc2BHKf9lsp4NXAW3dOcGYgc_ZMRzDHsv_J8JMM/s320/M%25C3%25A1quina+fotogr%25C3%25A1fica.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Comparação entre o funcionamento do olho e da máquina fotográfica</td></tr>
</tbody></table>António Damásiohttp://www.blogger.com/profile/08778327206941284777noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8171405610691890218.post-36929986782585794582010-11-27T15:46:00.000-08:002010-11-27T16:04:48.745-08:00A FOTOGRAFIA COMO ARTE<div style="margin-bottom: 0px; margin-left: 0px; margin-right: 0px; margin-top: 0px;"><span class="apple-style-span"><span style="color: black; font-size: 12pt;"></span></span><br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="apple-style-span"><span style="color: black; font-size: 12pt;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana; font-weight: bold;"> </span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"> No início do século XX, tomou-se consciência de que a fotografia alcançara já uma autonomia e estética própria que conduziu a um novo e importante relacionamento com a pintura. Os fotógrafos e os pintores descobriram então em conjunto as possibilidades ilimitadas de produzir arte com esta nova “ferramenta”, cujos avanços tecnológicos constantes lhes proporcionavam novas e inesperadas formas de o fazer.</span></span></span><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjZuf6PXhpMhPOjVNYDldNe6tkcuL19AqMFSsUz0MFnzWcb89pecFtOpAau6oYpGy2smaN_xu7ig6jm-nvytP05y3Zyl6UejvtApPb7-3wdy2bRBX9Z_UP9XUtHtLjdMOIsnBZhv4Sqv7c/s1600/FFPOFP28%257ETears-Posters.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="257" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjZuf6PXhpMhPOjVNYDldNe6tkcuL19AqMFSsUz0MFnzWcb89pecFtOpAau6oYpGy2smaN_xu7ig6jm-nvytP05y3Zyl6UejvtApPb7-3wdy2bRBX9Z_UP9XUtHtLjdMOIsnBZhv4Sqv7c/s320/FFPOFP28%257ETears-Posters.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><span class="Apple-style-span" style="font-size: x-small;">"Lágrimas" - Man Ray</span></span></td></tr>
</tbody></table></div><span class="apple-style-span"><span style="color: black; font-size: 12pt;"> </span></span><br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="apple-style-span"><span style="color: black; font-size: 12pt;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"> Embora as duas formas de expressão visual coexistissem já, as suas evoluções artísticas permaneceram independentes embora de forma paralela. O medo do contacto entre elas era ainda grande, faltava ainda reconhecer a fotografia como arte e eliminar as fronteiras entre esta e as artes criativas.</span></span></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="apple-style-span"><span style="color: black; font-size: 12pt;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"> Com o passar do tempo, a fotografia conseguiu aceitação e os “fotógrafos artistas” conseguiram impor-se com as suas pequenas imagens a preto e branco. Diversos estilos surgiram e a fotografia tornou-se uma componente significativa da nossa cultura. </span></span></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="apple-style-span"><span style="color: black; font-size: 12pt;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"> Antes da primeira Guerra Mundial os artistas questionavam a arte moderna e procuravam novas ideias e formas de expressão o que incluiu a fotografia. Alguns pintores, como os vanguardistas russos Alexander Rodchenko e El Lissitzky, o dadaísta e surrealista americano Man Ray ou o construtivista húngaro Lászlo Moholy-Nagy, foram pioneiros na utilização da fotografia como expressão artística, tendo sido alguns deles, como Man Ray, mais conhecidos como fotógrafos do que como pintores. Mas estes eram ainda exemplos de exceção.</span></span></span><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhlK9A3CKje8kUI8EgfvzXLlhLbDa5jJpgUeT_O2cVYnd4_JDqxfLlIH3d7Dgd9BQAvj2HgL66ZMhA8eko74K2RcAkL1xpSmjBYeePhZeAQWjR42mcmnkaAk6nNtpw_cWsJMhXtcx-Y7go/s1600/Rodchenko2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhlK9A3CKje8kUI8EgfvzXLlhLbDa5jJpgUeT_O2cVYnd4_JDqxfLlIH3d7Dgd9BQAvj2HgL66ZMhA8eko74K2RcAkL1xpSmjBYeePhZeAQWjR42mcmnkaAk6nNtpw_cWsJMhXtcx-Y7go/s320/Rodchenko2.jpg" width="235" /></a></div><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><br />
</span><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjqAOg1Wn4N4fr647FoDJJhIotBE-EE8VThvCtdgNCmfYMETmPxNGWlpy5wVq0rX4O7LgUkXmdSewm7XDIb3tvfFAMPkybyGrSJNi6q6dJkZJ9cgxY7dnVsZ2mrN6mEZIX_yEtsx0wW05Y/s1600/Rodchenko3.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="213" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjqAOg1Wn4N4fr647FoDJJhIotBE-EE8VThvCtdgNCmfYMETmPxNGWlpy5wVq0rX4O7LgUkXmdSewm7XDIb3tvfFAMPkybyGrSJNi6q6dJkZJ9cgxY7dnVsZ2mrN6mEZIX_yEtsx0wW05Y/s320/Rodchenko3.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><span class="Apple-style-span" style="font-size: x-small;">Alexander Rodchenko</span></span></td></tr>
</tbody></table></div><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><span class="apple-style-span"><b><span style="color: black; font-family: Verdana; font-size: 12pt;">"A fotografia altera as formas de observar e de pensar: as fotografias valem como verdadeiras e os quadros como artificiais. Com o aparecimento da fotografia não se podia continuar a acreditar na imagem pintada, a sua representação já não se movia, porque não era autêntica, antes inventada."</span></b></span></span></div><div style="margin-bottom: 0px; margin-left: 0px; margin-right: 0px; margin-top: 0px;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana;"><b><br />
</b></span></div><div style="margin-bottom: 0px; margin-left: 0px; margin-right: 0px; margin-top: 0px;"><b><span style="color: black;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: small;"><span class="Apple-style-span" style="font-size: 13px; line-height: 19px;"><i><a href="http://pt.wikipedia.org/wiki/Gerhard_Richter">Gerhard Richter</a></i></span></span></span></b><br />
<b><span style="color: black;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: small;"><span class="Apple-style-span" style="font-size: 13px; line-height: 19px;"><br />
</span></span></span></b></div><div style="margin-bottom: 0px; margin-left: 0px; margin-right: 0px; margin-top: 0px;"><span style="color: black;"><span class="Apple-style-span" style="line-height: 19px;"></span></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="color: black;"><span class="Apple-style-span" style="line-height: 19px;"><span lang="EN-GB"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><b style="font-size: 13px;"> </b> </span></span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">É no início dos anos sessenta que a fotografia se torna parte integrante das atividades criativas de alguns artistas. O mundo urbano, os media e a publicidade são temas explorados por Andy Warhol e Robert Rauschemberg através da fotografia que se torna uma expansão da sua arte. As obras destes artistas são por vezes “fotografias pintadas”, deixa de haver separação entre uma arte e outra, fazendo ambas em simultânea parte da mesma obra. Alguns artistas, como o alemão Gerhard Richter nascido em Dresden, utilizam a fotografia como filtro da realidade e como realidade pictórica independente. Nalgumas obras ele reproduz fielmente a fotografia pintando-a na tela.</span></span></span><br />
<span style="color: black;"><span class="Apple-style-span" style="line-height: 19px;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><br />
</span></span></span></div><span style="color: black;"><span class="Apple-style-span" style="line-height: 19px;"> </span></span><br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjIabbCGKLnCoEhXH_NJi14FQlNEMFFwyZEKf8qhpgbN0b73BI-V-7HhpZVwTkUi1XACL2vTYHSmBDUXJU_uXadeZXuw39tpo7qdMXxct_0KPzuKwqlL-PdNU0eMbuu4vLr-IOuQQD65Uo/s1600/Grupo-1965.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="340" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjIabbCGKLnCoEhXH_NJi14FQlNEMFFwyZEKf8qhpgbN0b73BI-V-7HhpZVwTkUi1XACL2vTYHSmBDUXJU_uXadeZXuw39tpo7qdMXxct_0KPzuKwqlL-PdNU0eMbuu4vLr-IOuQQD65Uo/s400/Grupo-1965.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><span class="Apple-style-span" style="font-size: x-small;">Gerhard Richter - Grupo, 1965 (Pintura)</span></span></td></tr>
</tbody></table><span style="color: black;"><span class="Apple-style-span" style="line-height: 19px;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"> Os fotógrafos sentiam-se cada vez mais atraídos pelo mundo da publicidade, da moda e das coisas mundanas, como os exemplos de Horst P. Horst e Richard Avedon.</span></span></span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><span class="Apple-style-span" style="line-height: 19px;"><br />
</span></span><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjkAHetTnOig8LMBkZdZDAjsujrdsr9MLn7tOj3Ej4HqSz7EzWaapS6un0cznlCjibxd9EEOoGVRgJ0pVpn0WOTlrArI_kFHUw2A3h0Z3ihwTDJdHuEMDDpVtskkPqDLQkcbaoC-TxA-6U/s1600/yw083.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjkAHetTnOig8LMBkZdZDAjsujrdsr9MLn7tOj3Ej4HqSz7EzWaapS6un0cznlCjibxd9EEOoGVRgJ0pVpn0WOTlrArI_kFHUw2A3h0Z3ihwTDJdHuEMDDpVtskkPqDLQkcbaoC-TxA-6U/s320/yw083.jpg" width="250" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><span class="Apple-style-span" style="font-size: x-small;">Horst P Horst</span></span></td></tr>
</tbody></table><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiw5keArbWKSms6MBLW6MG2uSy1U_fw3lzMF05aHjxFUs8xa08GtY_FBuQOOCs3jgQnPSL86PtGbg-GbsFKECzi_UncX9NPYKrCM2mDCWT0k_PjWnssZWk8wNmy1im4Ron3PwPDpF5LClE/s1600/corset_home.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiw5keArbWKSms6MBLW6MG2uSy1U_fw3lzMF05aHjxFUs8xa08GtY_FBuQOOCs3jgQnPSL86PtGbg-GbsFKECzi_UncX9NPYKrCM2mDCWT0k_PjWnssZWk8wNmy1im4Ron3PwPDpF5LClE/s320/corset_home.jpg" width="237" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><div class="MsoNormal"><span class="apple-converted-space"><span style="font-size: 9pt;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"> Horst P Horst - </span></span></span><span class="apple-style-span"><span style="font-size: 9pt;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">“Mainbocher Corset”</span></span></span><span class="apple-converted-space"><span style="font-size: 9pt;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"> </span></span></span></div></td></tr>
</tbody></table><span style="color: black;"><span class="Apple-style-span" style="line-height: 19px;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><br />
</span></span></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="color: black;"><span class="Apple-style-span" style="line-height: 19px;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"> Esta expressão artística atingiu por fim o direito a estar num museu. Para além das artes visuais tradicionais da pintura, escultura, desenho e design, havia agora a “fotografia”.</span></span></span><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjDplQS7QDSCGDVSEUrP6UDQDKTCalDOEyYK1U_uSZbhUMU_VA8Eexf3iJdQazYYIaiY4UXEpyV0UU8Dk3fz8n9tqIVElTNmk7l34Ysez_r7KUQ7CM-j4IEbMvDtCQP2J3eDL4JUsN8124/s1600/29893-r_i_p_robert_rauschenberg_1925_2008_familiar_work.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjDplQS7QDSCGDVSEUrP6UDQDKTCalDOEyYK1U_uSZbhUMU_VA8Eexf3iJdQazYYIaiY4UXEpyV0UU8Dk3fz8n9tqIVElTNmk7l34Ysez_r7KUQ7CM-j4IEbMvDtCQP2J3eDL4JUsN8124/s320/29893-r_i_p_robert_rauschenberg_1925_2008_familiar_work.jpg" width="242" /></a></div><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjJosG5rf-cixxirjXGMWr9EU8Vp51VAuG8fCZ0BXwZ03q3HfaPbdiigicMzc1y_Qwpx5V31w6U2VMpaPIeJxqQaOjnrH1rSD-vH_lc_HuVXxbkWRUxgTzbF2hneweVU-Rv6uJGf6cfIT8/s1600/Rauschemberg.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjJosG5rf-cixxirjXGMWr9EU8Vp51VAuG8fCZ0BXwZ03q3HfaPbdiigicMzc1y_Qwpx5V31w6U2VMpaPIeJxqQaOjnrH1rSD-vH_lc_HuVXxbkWRUxgTzbF2hneweVU-Rv6uJGf6cfIT8/s320/Rauschemberg.jpg" width="237" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><span class="Apple-style-span" style="font-size: x-small;">Robert Rauschemberg</span></span><br />
<br />
</td></tr>
</tbody></table></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"></div>António Damásiohttp://www.blogger.com/profile/08778327206941284777noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8171405610691890218.post-32253299923720448562010-11-27T12:23:00.001-08:002010-11-27T13:31:05.302-08:00A ARTE DA FOTOGRAFIA<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana;"><b> </b></span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">A fotografia foi uma invenção do século XIX que alterou bastante – tal como outras inovações técnicas dessa época – a perceção e a experiência que a humanidade tinha do mundo.</span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"> A reprodução da realidade e a imobilização temporal duma cena ou objeto através da imaterialidade da luz, parecia milagre, em especial no início quando as primeiras imagens fotográficas foram divulgadas. Esta descoberta foi o culminar dum desejo antigo do ser humano, o de criar um mundo imaginário tão aproximado quanto possível da própria realidade. Esta imagem similar à realidade, registada em papel através da luz e processos químicos, era criada dentro duma caixa, a “câmara fotográfica”. As fotografias resultantes eram o registo de situações espacio-temporais, memórias que constituíram um arquivo visual.</span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"> Pela primeira vez, era possível registar o passado através de reproduções exatas da realidade sem ser apenas por palavras escritas, gravuras ou imagens pintadas ou desenhadas. Com a imagem fotográfica iniciou-se assim uma época de recordação coletiva.</span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"></span><br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"> A capacidade extraordinária da imagem fotográfica poder captar com realismo e veracidade as cenas quotidianas, vai pôr em causa e desafiar a interpretação criativa das imagens pintadas.</span><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhsL4qHWYYfQ9E5cZeEJ8knBWysz18mpk6o6_LHvV31yscJGjqzKimOunq4AnLU793lbjfj5gDbjFDlSJjn6gtIVLfae2ye_OrLtbMpt-_CEWOcVrcTmZPPKgFfuPD2yM9momf1_Nz9JsE/s1600/A+primeira+foto-Ni%25C3%25A9pce-1826.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="275" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhsL4qHWYYfQ9E5cZeEJ8knBWysz18mpk6o6_LHvV31yscJGjqzKimOunq4AnLU793lbjfj5gDbjFDlSJjn6gtIVLfae2ye_OrLtbMpt-_CEWOcVrcTmZPPKgFfuPD2yM9momf1_Nz9JsE/s400/A+primeira+foto-Ni%25C3%25A9pce-1826.jpg" width="400" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">A primeira fotografia- Niépce-1826</div></div><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"> </span><br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"> A “pintura”, resultado de um processo criativo longo, podia agora ser substituída por um processo ótico, mecânico e químico muito mais rápido, “instantâneo”. No início a fotografia não constituía uma ameaça direta à pintura porque o seu formato (tamanho) era limitado pelo que podia ser captado na objetiva da câmara fotográfica, as imagens eram a preto e branco e dependiam de condições favoráveis de iluminação. Para além disso, mesmo os pintores que viam nela um “perigo” para a sua arte, ficaram fascinados por este invento e pelo enorme potencial que representava.</span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"> Esta invenção foi o nascimento de uma nova linguagem que devia tornar possível uma nova forma de <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Comunicação Visual</b>. Sabemos hoje que esta linguagem nova não tem limites. A sua facilidade de reprodução e disseminação criou uma realidade que se tornou parte da cultura moderna que dificilmente poderia hoje prescindir da sua contribuição no desenvolvimento artístico, cultural, científico e tecnológico.</span></div></div>António Damásiohttp://www.blogger.com/profile/08778327206941284777noreply@blogger.com0