O Romantismo foi um movimento artístico, político e filosófico surgido nas últimas décadas do século XVIII na Europa, sendo no entanto considerado por muitos autores como o primeiro momento da arte contemporânea. Caracterizou-se como uma visão de mundo contrária ao racionalismo que marcou o período neoclássico e buscou um nacionalismo que viria a consolidar os estados nacionais na Europa perdurando por grande parte do século XIX.
Para o poeta Baudelaire o romantismo é arte moderna, é intimidade, é espiritualidade, é cor, é ânsia de infinito. Na música, para Schubert e Beethoven , tal como na pintura, o que importa é o indivíduo e o seu sentimento. As profundas mudanças incidem mais na maneira como se faz arte do que na ligação com o passado, é portanto um jogo dialético entre passado e presente. Os artistas foram buscar à natureza as suas ideias. O artista moderno pinta o que sente no “seu eu”, um sonho, o fantástico, o inconsciente, mas toda esta irrealidade surge com a aparência da realidade.
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| Baudelair Os jardins do séc. XIX ao contrário dos do séc. XVIII, eram deixados crescer livremente, até os caminhos passaram a ser carreiros. O lusco-fusco era a hora preferida. Buscam o amor impossível. Dão mais importância à infelicidade que à felicidade, de certa maneira o prazer e a dor encontram-se. O indivíduo preocupa-se consigo e com a sua existência. Aparece o gosto por lugares ermos, que contrastam com a fragilidade da vida humana. No romantismo exalta-se a categoria do invisível, há uma inspiração para tudo o que está longe. A palavra romantismo passou a estar relacionada com o comum de amor. Gostam da solidão, do vazio das coisas em estado puro, a melancolia e a nostalgia era essencial para o criador romântico poder criar. |
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| Retrato do artista William Blake pintado por Thomas Phillips |
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William Blake – “Satan na sua original glória” |
Os grandes artistas românticos diferem muito uns dos outros, William Blake artista e, filósofo e poeta. Pode ser considerado como um realista místico, foi inconformista. William Turner talvez o mais original a pintar paisagem no séc. XIX criou uma nova perspetiva na pintura de paisagem. Prestigiou a luminosidade e a atmosfera na construção de temas dramáticos. Foi nos últimos trabalhos que chegou a conceções mais abstratas livres.
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| William Turner - |
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| William Turner |
Antecipou e prestigiou o impressionismo na organização abstrata da luz.
Henri Fussli, pintor, desenhador e escritor foi absorvido pelo estudo de Miguel Ângelo, sendo a literatura fonte de inspiração de muitos dos seus temas. A sua procura pelo sublime tendia do horrendo ao fantástico, foi considerado como um percursor pelos expressionistas e surrealistas.
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| Henri Fussli - |
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| Henri Fussli - |
SUBLIME – Este termo entrou em uso no século XVIII, para indicar uma nova categoria estética, que se distinguia do belo e do pitoresco. (do latim sublimis, "que se eleva" ou "que se sustenta no ar")-, na filosofia de Aristóteles e na linguagem vulgar - grandeza. Segundo Longino (esteta), é a força que faz com que a alma suba, é o maravilhamento em que as pessoas ficam ao se encontrarem no meio de uma tempestade. Não é só o medo, mas também admiração e maravilhamento que faz superar o medo.
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Caspar David Friedrich |
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Caspar David Friedrich |
Os quadros no romantismo na 1ª fase do séc. XIX, representam tempestades com uma luz intensa, há nessa pintura uma procura por esse estado de sublime. “o sublime é grande é infinitamente grande”, mas tem que ser elevado moralmente, a obra de arte deve ser universal e deve ser durável (pensamento romano). Com Edmund Burke, estadista, escritor e filósofo, a palavra sublime reentra no vocabulário filosófico e estético com a sua obra "Investigação filosófica sobre a origem de nossas ideias do Sublime e do Belo" de 1757. Distingue aquilo que é belo e aquilo que é sublime, associado à arte.
Belo é menos que sublime “o belo é uma doçura, uma sensação que depende dos nossos nervos”. Sublime é muito mais do que isso “é tudo aquilo que suscita em nós sentimentos de dor e de perigo”, a dor e o perigo é que vão desencadear em nós as emoções de sublime. Faz nascer em nós uma forte tensão corporal. Para os estetas torna-se difícil definir o que é sublime por ser de tal forma intenso que não se pode descrever. Na teoria de arte contemporânea acha-se que o sublime é aquilo que leva à criação artística. Um dos pintores mais representativos deste período é Caspar David Friedrich.
Kant não concorda com Burke “o sublime é muito mais elevado - um pouco contraditório”. Pode ser horrível, informe. Produz-nos uma paragem de todas as nossas forças vitais, produz-nos uma sensação de enorme pena de nós próprios que depois se transforma numa emoção geradora de alegria. Há um conflito entre razão e imaginação, destacando-se vitoriosamente a razão. Para Kant o sublime não existe nos objetos produzidos pelo homem, temos que o procurar na natureza. É através da natureza que se faz a ligação entre Kant e a pintura romântica.
Onde há pitoresco não pode haver sublime, o pitoresco reage como inverso e contra a monumentalidade que está associada ao conceito de sublime, e Portugal serve como exemplo, em que o pitoresco se evidenciou de tal modo que o sublime quase não teve lugar. O FEIO pode ser visto como o lado negativo do sublime, na Antiguidade tudo o que era feio era disforme, isto manteve-se até à Idade Média mas aplicado ao pecado. A grande revolução artística e cultural do século XX está associada à ideia de feio.
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| Marcel Duchamp - Ready mades - "Fontaine", "Escorredor de garrafas" e "Fresh window" |
Os Ready-Made, quando apareceram reagiram à ideia de "feio" ser inútil para categorizar as obras de arte. A noção de "feio" passa a ter um caráter operativo, desmistificando a ideia de que a obra de arte deve ser bonita. No impressionismo, quando os artistas não acabavam as obras, era considerado feio. No séc. XIX a categoria de feio ainda não tinha tomado a forma de um conceito. A pintura que era aceite era mitológica, histórica, os impressionistas foram mal vistos, só era aceite tudo o que era académico. O impressionismo foi também importante para o início do feio. O filósofo Karl Rosencranz escreveu em 1853 uma obra sobre o feio, “Aesthetic of Ugliness” fazendo uma listagem de tudo o que é feio numa visão positiva começando a haver a noção de que o feio é importante para a arte. O “Feio” é: o disforme, repelente, o que é fisicamente repugnante, os rostos deformados, o não rosto e o não corpo, a arquitetura industrial, a violência.
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| Escola de Barbizon, Corot - "villedavray" |
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| Escola de Barbizon, Manet - "Dejeuner sur l'herbe" -1863 |
O IMPRESSIONISMO não é um movimento homogéneo, mas sim um encontro entre artistas profundamente diferentes mas com a mesma forma de sentir, representando a
Os impressionistas aperceberam-se que a luz solar é um elemento poderoso, mas que é constituída por uma série de valores cromáticos puros, por isso fragmentaram a cor para melhor reproduzirem as vibrações luminosas (excluem da sua paleta o preto, como não cor).
Os IMPRESSIONISTAS começam a pôr em causa a maneira de ver a pintura representando igualmente a natureza, mudava apenas a maneira como separam as cores e a maneira como distribuem a luz.
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| Edvard Munch - "O grito" |
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| Edvard Munch - "Cinzas" |
O EXPRESSIONISMO nasce e propaga-se nos países de língua alemã entre 1900 e 1910. Penetra rapidamente na escultura, arquitetura, artes gráficas, literatura, poesia, música, teatro etc. A poética expressionista reflete a crise de valores de uma Europa capitalista. O conceito de tradição vai-se esvaziando progressivamente sob o impulso do modernismo. É sobretudo uma arte figurativa, é proposto a recuperação das linguagens primitivas, como veículo direto e expressivo. A imagem é simplificada, deformada e brutalizada (Edvard Munch). A linguagem é arcaica mas os temas tratados são atuais. A partir de certa altura o movimento expressionista abre-se, dando origem a influências e a evoluções que vão muito além do grupo inicial.
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| Picasso - "Les demoiselles d'Avignon" |
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| Picasso - "Guitarra" |
APARECIMENTO DO CUBISMO - O Cubismo nasceu fortemente influenciado pela arte primitiva africana e pela obra do pintor Paul Cézanne existindo também uma ligação com a pintura do séc. XIX.
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| Paul Cézanne - "Montanha Santa Victória vista de Bellevue", 1882 Havia um excesso de subjetividade na pintura romântica, essa subjetividade era um entrave direto para uma possível relação com a ciência, pois o que se pretendia era novos inventos científicos e técnicos. Deu-se com isto o aparecimento do POSITIVISMO, em que o homem pode alcançar a felicidade baseando-se na ciência. Como consequência disto o artista precisava demonstrar segundo uma metodologia própria da ciência, investigando como um cientista. Assim o artista passa a imitar a natureza, dando origem ao naturalismo. As pinturas do séc. XIX, sejam elas românticas ou naturalistas, representam o exterior, não há uma diferença grande em relação a épocas passadas. Com o aparecimento da fotografia captou-se a realidade tal como ela era, a objetividade da pintura não era nada em relação à objetividade da fotografia. A pintura a partir daqui tem de encontrar uma outra expressão, tem que investigar para interpretar o exterior de outra maneira. É com o CUBISMO no início do séc. XX que se dá uma mudança, e é com a pintura que as grandes mutações teóricas se dão (a escultura continua com as proporções clássicas), a arquitetura utiliza o ferro. O cubismo é um dos movimentos de vanguarda, havendo portanto uma consciência de modernidade, como já tinha acontecido no renascimento. |
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| Braque - "A mesa do músico" |
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| Braque |
Com Picasso e Braque passa a existir uma nova teoria e conceção do espaço. Foram os iniciadores do cubismo, mas nunca utilizaram esse termo, que é uma invenção dos críticos da época para designar a sua pintura. Segundo Emile Bernard o cubismo consistia em “tratar a natureza de acordo com a forma do cilindro, da esfera e do cone”. Os meios de representação da realidade mudam, o indivíduo não está parado diante dos objetos e da realidade, move-se no espaço, o cubismo sintetiza as múltiplas imagens que o olhar transmite. Em 1912 surgem as primeiras colagens e inicia-se a fase designada por cubismo sintético, já não se fragmenta o objeto, dá-se uma imagem que sintetiza as suas formas essenciais. Apolinaire inventa o termo “cubismo órfico”, que tem a ver com o estudo da cor e dos seus efeitos. No sentido tradicional não há uma estética freudiana, mas sim uma teoria freudiana que explica a obra de arte, o homem e a vida humana. Freud escreveu apenas um livro sobre arte, o seu interesse sobre arte era relativo, mas curiosamente esse livro veio a ter uma grande importância na arte contemporânea, o mesmo aconteceu com Marx mas com opiniões completamente distintas. Há nisto um paradoxo, como é que pessoas exteriores à produção artística se tornam decisivos para a arte do séc. XX. Freud é contemporâneo da representação artística do mundo real, não faz leituras simbólicas, interessa-se apenas pelo conteúdo. Fez um estudo da personalidade do artista, dos seus fantasmas e conclui que as pessoas felizes não são artistas, portanto, para ele, a pessoa desenraizada, ou que não está bem consigo, (a infeliz) pode ser artista. Considera também que o meio social pode também ter importância para a produção artística. Para Freud os primeiros cinco anos determinam a nossa vida, depois a vivência da pessoa. ARTE é um sonho acordado, altura em que as defesas estão ativadas. No sonho as defesas não estão ativadas, é possível tirar conclusões com os sonhos, no entanto a leitura não é imediata. O ARTISTA é uma criança, procura resolver os seus problemas psicológicos e procura satisfazer-se com a sua arte, vai sobrevivendo mas continua insatisfeito. Freud considera que somos insatisfeitos (hoje em dia há o culto da insatisfação) mas não somos todos artistas pela falta do GÉNIO, o génio é excecional. O artista é um génio por se tratar de um caso biológico. No seu livro “Uma Recordação de Infância de Leonardo Da Vinci” fez um estudo sobre o pintor e sobre a obra “Santa Ana a Virgem e o Menino”. Freud faz uma apreensão da vida de Leonardo, criando um triângulo entre ele a mãe e o pai. No entanto não pode ser apenas um decalque da sua vida familiar, há também desenvolvimentos psicológicos ao longo da vida.
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| Leonardo da Vinci - A Virgem e o Menino com Santa Ana |
